Archivos Mensuales: junio 2014

Inicio del Diseño Gráfico parte 4: Arte rupestre , siglo XIX.

El arte rupestre cuando se descubrió, junto con traer a la luz los increíbles hallazgos a la superficie, trajo consigo una polémica increíble alrededor suyo. El primer descubrimiento de este arte prehistórico fue los hallazgos de la cuevas de Altamira, en Cantabria,(España) por don Marcelino Sanz de Sautuola y su hija María , en el año 1879. Marcelino era un aficionado a la prehistoria y a las disciplinas relacionadas con la geografía, como la botánica, la geología, el ya venía estudiando la zona de Cantabria en los años anteriores, donde en 1866 presenta el especifico tema de unos apuntes relacionado con la aclimatación del eucalipto en Cantabria, hay que mencionar , como anécdota , que el eucalipto es originario de Australia, su nombre proviene del griego “eu”( bien), y “calyptos “ (cubierto) y hace alusión a los pimpollos de sus flores. Fue introducido en España en el año 1860 por Fray Rosendo Salvado, un misionero que se encontraba en Australia, quien le envio a su familia en Tuy (Pontevedra) sus semillas para uso ornamental.

Los invito a averiguar con respecto a la leyenda que rodea al eucalipto por parte de los aborígenes de la gran isla Oceánica, de cómo se relacionó la madera de este árbol con un instrumento de viento llamado didgeridoo, que es un instrumento que se usa en los rituales para conectarse con los espíritus. Es apasionante esta migración de algo existente cruzando continentes y épocas y que finalmente despierta el interés de una persona en particular, con conocimientos particulares para finalmente, desembocar, “tropezar” con este increíble y hermoso hallazgo, de bruces , en las cuevas que durante siglos al parecer, se mantuvieron intransitadas. Personalmente mue cuesta imaginar que nadie las haya visto antes.

En la década de 1870-1880 visita París, la exposición universal, donde queda profundamente asombrado por las piezas y reliquias ahí expuestas, que toma la decisión firme de explorar aún mejor la tierra de su país. Fue en una de las innumerables exploraciones que su hija María, que contaba con  8 años de edad, se percata de los bueyes pintados en el cielo de la cueva. Como era de esperarse, el descubrimiento fue recibido con escepticismo. El año 1880 Don Marcelino publica los resultados de sus observaciones bajo el título “Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la Provincia de Santander” y que contenía reproducciones de las pinturas. El impacto que causó en su momento en el mundo, y que también es parte de la razón del  escepticismo, es que en ese entonces, se desconocía por completo el desarrollo que tenía el hombre prehistórico, de echo aun hoy, cuesta imaginar y compaginar la técnica en la aplicación y registro de esas imágenes, con la aparente falta de desarrollo de lo que es el hombre hoy en día.

 

 

Los expertos en arte prehistórico de entonces, entre ellos autoridades como Gabriel de Mortillet  y Cartailhac, desestimaron la autenticidad del descubrimiento, aduciendo, lo que es natural, que era imposible que el hombre de ese entonces tuviera tal nivel de desarrollo , a la técnica precisamente , de verdad estamos hablando de un salto tremendo en la percepción de las cosas, y por otro lado , era imposible también que los colores y texturas se mantuvieran inerte , nítidos, intensos a lo largo de tantos siglos…

Solo los descubrimientos años después, de las otras cuevas en tierra francesa En 1895 se descubrieron los grabados de La Mouthe, en Francia. Breuil publicó sus resultados en 1902,  en el Congreso de la Association Française pour l’Avancement des Sciences, confirmando la autenticidad de los hallazgos de Altamira. Cartailhac, quien fue el más acérrimo defensor de la vieja postura, publica Mea culpa de un Escéptico ,( La grotte d’Altamira, Espagne.  Mea culpa d’un sceptique) reconociendo su error , algo asi como lo que hizo el crítico Mr. Ego (el cual el gran Peter O`toole puso la voz) en la película Ratatouille, a la mañana siguiente de saber quién era el cocinero, pero en este caso  veinte y tantos años después y no a la mañana siguiente. Hay que señalar también que Marcelino llevaba 14 años muerto a la fecha de la publicación del infame Mr.Ego de la arqueología Francesa se dignó a rectificar.

En la próxima entrada me referiré a la técnica específica de la pintura rupestre, que prácticamente es la base angular de la pintura a lo largo de los siglos hasta el día de hoy.

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Inicio del Diseño Grafico parte 3: Arte rupestre.

En la presente entrada se ahondará  un poco más sobre el tema de las pinturas rupestres,  vale la pena precisar un poco más sobre este periodo en la historia del hombre, es una manifestación pura,  es el germen en donde lo que se conoce como arte quedó impreso en la superficie petrea ; es el registro del, quizás, primer contacto con los materiales y modos de hacer que hasta el día de hoy prevalece; pigmentos, aglutinantes, ejercicio y método; es también un registro visual de la visión, los miedos, esperanzas, asociaciones sociales  del hombre , asociaciones como individuo frente a la muerte, asociaciones con respecto a su clan, aquella época esta todo en estado puro, aunque suene gracioso, no existía la publicidad ni las deformaciones del ego.

Es un tema muy extenso, pero partiré aclarando una generalidad con respecto a lo que implica las pinturas rupestres o arte rupestre. En la entrada anterior se señaló que esta manifestación pictórica se dio en la mayoría del globo a excepción de la Antártida, revelando naturalmente con este detalle, de lo espontaneo y natural que es la necesidad de expresar, de alguna u otra manera, lo invisible, de llevar ese mundo “invisible” para ser contemplado con propios ojos. Como que es muy ancestral aquello que lo que no se puede demostrar corre el riesgo de transformarse en inexistente, debe ser plasmado, debe ser erigido , aquello que se percibe, que es percibido y visualizado por un pocos, llámense chamanes, brujos o artistas, percepción  siempre participe de un enlace colectivo, debe ser examinado por el resto. Esos pocos traen lo imposible a lo posible. Usando, empleando a la misma naturaleza que comienza a ser mutada en las manos  de los hombres y se transforman en el cuerpo del mensaje. Personalmente, aquello de que la comunicación es una partícula en movimiento, bellamente se ajusta cuando pigmentos óxidos, combinado con las entrañas de criaturas cazadas, son fijadas por manos humanas con una necesidad de expresión, de regreso a la superficie mineral. Esto es hermoso.

La primera aclaración es que el arte primitivo de este periodo, está dividido en dos secciones, una corresponde a la pintura rupestre, esto implica grafos, manchas, signos, bocetos o la pintura propiamente tal  que se nos sobreviene cada vez que escuchamos este título; y  el y otro  se le denomina arte mueble o mobiliar, que implica los elementos elaborados para diversos fines utilitarios que pueden ser englobados como elementos de carácter decorativo, funerarios o bien practico. Fue el arte mobiliar el que se ha encontrado en diversos lugares del mundo, sin embargo el arte mural solo se a encontrado en una franja del planeta. Cuando se piensa que el diseño gráfico tiene sus raíces en este periodo, también se podría señalar que el diseño industrial hunde sus raíces en el arte mueble. Lo cual, insisto, es un problema semántico del cual se abordará  más adelante.

Esos muros fantásticos se dieron o se han encontrado hasta hoy en el suroeste de Francia y la península ibérica, algunas zonas de Europa del este, de Rusia y Siberia, la explicación de esta restricción se atribuye a que las pinturas rupestres se dieron, recordemos, en la transición entre el paleolítico y el neolítico, y más específicamente, en los periodos del Solustrense y Magdaleniense, (nombre que se le dieron a estas etapas por descubrimientos de yacimientos en tierra francesa) etapas que se dieron naturalmente en la última franja del paleolítico superior y que implica que el hombre aquel no sobrepasó la línea del Ródano. El arte mueble que se dispersó prácticamente por todo el continente europeo, es posterior a estos periodos.

Las zonas donde se concentra estos hallazgos son la Dordoña, los Pirineos, el valle del Ródano lo que es la actual Francia y la región vasca –cantábrica en España. En Francia destacan las estaciones de Lascaux, Rouffignac, Pech Merle, Font de Gaume, Combarelles y la Mouthe. En los Pirineos  las más populares son las cuevas de Niaux, Trois Freres, Tuc d`Audoubert, Marsoulas. En España, en Asturias se encuentran las cuevas de San Romàn de Candamo, el Buxu, Tito Bustillo, Llonìn,y Pindal, también están las de Altamira, cuevas del El Castillo, Las Monedas, Las Chimeneas y la Pasiega. En el país vasco están los descubrimientos de la Arenaza, Ekain, Altxerri, Santimamiñe. En Sicilia se encuentra las de Levanzo. En Rusia la cueva de Kapoba con pinturas rojas de mamut, caballos y un rinoceronte y otros descubrimientos del Cáucaso, más del arte africano que nunca está ausente. Transcribo aquí los lugares no por un ánimo pedante, sino para entregar una mayor exactitud y para animar a investigar con respecto los lugares menos mencionados popularmente.

Me gusta tener la idea fantástica y mágica de que lo inaccesible de sus elaboraciones, que fueron imprimadas en cuevas oscuras, a menudo, en la profundidad misma de ellas, se deba al hecho inconsciente de que las preservaban, de alguna forma, de toda la historia destructiva que sobrevendría después y permanecieron intocadas para ser descubiertas en su momento oportuno. El descubrimiento  de estos hallazgos y su posterior literatura, estudio, clasificación, hipótesis y filosofía  es bien reciente, a mediados de siglo XIX, pero sobre aquello se abordará en la entrada siguiente.

 

 

 

Inicios del Diseño Gráfico,  La comunicación es una partícula que viaja .parte 2

 

En la entrada anterior se hizo la difícil  comparación de cómo definir los inicios del diseño gráfico usando como ejemplo el caso de la globalización, ambas, ofrecen la misma características ramificadoras en cuanto a dar una exactitud en el inicio, ambos comienzos se pierden en una bruma de acontecimientos, hechos históricos y un lento transcurrir en donde el propio devenir es una transformación constante. Disciplinas que se juntan, mimetizan, fusionan, se separan, marcan límites o  bien tienen límites de permeabilidad selectiva, que emborronan la claridad de las definiciones.  Hablar de Diseño Gráfico es hablar siempre de comunicación visual. Hoy en día se sabe que todo es comunicación, siguiendo los axiomas de Paul watzlawick, que en apariencia parecen ser irrefutables por ahora, señala que es imposible no comunicar, el ser humano es un ser que actúa como un transmisor constante de energía, puede ser un amplificador o reductor de energía, pero siempre la comunica, por medio del “comportamiento” que es inevitable en la vida en sí misma.  Watzlawick estudió psicología y filología en la década del 40 graduándose en 1949 en Venecia, apenas unos años después finalizada la segunda guerra mundial. Desarrollo su carrera principalmente en Palo Alto, en U.S.A País donde dio cuerpo  esta teoría tan conocida y en donde dentro de la psicología desarrollo una  de las tantas ramas que existen dentro de esta disciplina, la terapia sistémica constructivista, cuyo eje se centra en el ahora del paciente más que en su pasado.

El asunto es el siguiente, la comunicación es básicamente el desplazamiento de una partícula en el espacio a otra parte del espacio. La partícula puede ser cualquier cosa prácticamente, desde un objeto en concreto, como un escrito a como una sensación generada. Una definición muy rustica, sin embargo, también  oportuna para comenzar a esclarecer este asunto del diseño.

Porque si entendemos el diseño gráfico como comunicación visual, efectivamente habría que comenzar un prólogo desde los tiempos en que el hombre primitivo utilizaba la imagen plasmada en los muros de las cavernas. a través de esos dibujos impresionantes de los animales que lo rodeaban y de ellos mismos . Y digo impresionantes porque es muchos casos su parecido no deja de conmovernos, por su realismo, por su detalle, por su textura calidad, aquellas texturas, aquellas imágenes que conocemos perfectamente bien y que han llegado intactas hasta nuestros días porque fueron descubiertas tarde por el hombre, son las llamadas pinturas rupestres, el termino rupestres proviene del latín rupestris y este a su vez de rupes, que significa roca. Aparentemente esta manifestación primitiva se dio en todo el mundo a excepción de la Antártida, y en donde se dio con mayor constancia fue en lo que hoy es España y Francia,  (las cuevas de Altamira, ubicadas en Santillana del Mar, en Cantabria, España, por nombrar uno) en la transición entre el paleolítico y el neolítico. Se entiende como conocimiento popular que la mayoría de esas pinturas fueron ejecutadas en lugares inaccesibles o de muy difícil acceso, pero también los hubo en lugares de espacios abiertos. La explicación al respecto sería que estas pinturas, que eran de carácter religioso espiritual, que supuestamente se especula que fueron realizadas por motivos mágicos para propiciar  a una mejor caza, las que pertenecen al grupo de rutas difíciles serían especies de santuarios. Las pinturas del neolítico presentan un grado mayor de representación que al del paleolítico, debería ser natural este fenómeno de desarrollo  pero no es tan obvio como podría pensarse. La historia tiende a ser más circular que lineal.

Yo soy más bien escéptico cuando se trata de simplificar o pretender ver que las cosas son simples, me llama profundamente la atención la tecnología de estas pinturas, partiendo del hecho de donde estaban plasmadas, todas bajo techo, la gran mayoría con ausencia total de luz, lo cual evidentemente para solucionar ese inconveniente, había que iluminar la zona, los expertos sospechan que empleaban lámparas de piedras llenas de tuétano (para información, el tuétano es la sustancia grasa  que se encuentra en el interior de los huesos, presumo que esta cualidad grasienta la hace altamente combustible). Los pigmentos que usaban da en realidad para otra entrada, así es que por el instante, las manifestaciones religiosas-mágicas primitivas, prehistóricas, que son las pinturas rupestres, sería la antesala de lo que comunicación visual se refiere en la historia de la humanidad y creo que no está demás decir que esta comunicación visual no es en absoluto sinónimo de Diseño gráfico.

 

Inicios del Diseño Gráfico. parte 1

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¿Dónde situar el inicio del diseño gráfico?  El problema de ubicar de manera precisa sus inicios, es que el termino diseño gráfico ofrece la misma dificultad que definir los inicios de la Globalización, ¿en dónde colocamos sus fechas? Para muchos la globalización es un fenómeno claramente  moderno que no hay duda que está relacionado con la www y el alcance mundial de las comunicaciones a través del uso de internet, por tanto fecharlo en el año 1989 cuando  Tim Berners Lee desarrolla la web puede ser una buena opción. Es decir, cuando hablamos de globalización nos referimos a un fenómeno político, social, cultural y económico que involucra prácticamente a todos los actores que participan en la transacción de estos valores, de manera activa o pasiva, identificados comúnmente como países y mercados.

 

 

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Personalmente soy un partidario bastante fiel de los que sostienen que el gran problema del mundo es  la comunicación, que se debe a un problema semántico,(en cuanto a la transmisión del mensaje) y la otra parte del problema es que básicamente no sabemos lo que realmente queremos, lo que es útil de lo necesario ,lo necesario de lo que es beneficioso tanto para uno como para el resto, y cuando digo “resto” no solo contemplo en su acepción a una igualdad de género de especie, sino que por resto involucro al ecosistema completo. Habiendo dicho esto procedo a escarbar un poco más en la superficie de lo expuesto, si la www fue desarrollada en 1989, se entiende que por desarrollo se hace alusión a que existió una historia previa que lo antecedía, entonces el inicio de la globalización abría que datarlo en el año 1969,cuando  DARPA  , de carácter militar, concibe la idea de conectar los computadores entre si para reducir los daños en caso de una eventual guerra atómica, basado en el experimento previo de conexiones de computadores entre universidades estadounidenses. (Universidades de California y una de Utah) Pero fue en el año 1972 en que se realizó la primera muestra pública de los alcances primitivos que pronto aceleraría y cambiaría la forma en que el mundo funcionaba. También hay autores que fechan la globalización con la llegada del hombre a la luna  en 1969, ¿qué más universal que la contemplación instantánea de millones de televidentes que pudieron ver de manera simultánea, a través de los televisores, un mismo suceso que arrancaba los sueños del hombre y lo proyectaban al espacio, iniciando así la era espacial? Pero hay que ser justos, no todos participaban de la misma manera de la tecnología de entonces, no es como ahora, que en todos los hogares existe un televisor, los países del norte (mal llamados desarrollados) tenían una ventaja bastante amplia y significativa con respecto a los países del sur, por tanto, la participación real era más bien una “posibilidad” una potencialidad más que un hecho concreto. Por esa razón la globalización la sitúan también con la caída del muro de Berlín  el 9 de noviembre de 1989 y el derrumbe del comunismo, cuyo sistema mantenía una brecha de un sector de la población mundial. Con este suceso los mercados se unifican y puede decirse realmente que se puede hablar de un lenguaje común, basado en un sistema económico y un lugar imaginario, flotante en donde se transan los bienes y servicios de todo el mundo. Pero hasta donde sabemos, el mundo siempre a estado conectado, el descubrimiento de América es un acontecimiento que implico un profundo cambio en el escenario de entonces.

También la invención de la imprenta forma parte de esta lista de fechas tentativas que se suman a otras tantas más. Con todo esto quiero señalar que el problema de la globalización es un problema semántico, la misma palabra es una palabra polisémica, es decir, que involucra varios significados y que puede ser alusión a más de un fenómeno. Al parecer todas las fechas son correctas, lo cual lleva a pensar  que solo es un asunto de decisión, decidirse cual será la razón de peso, si entenderemos la globalización como un fenómeno social, político, cultural o económico, ya que son todas ellas, se situará la supuesta fecha de su inicio. Cuando niño me desmoralizaba tontamente la inexactitud de las fechas que aparecían en los libros, unos señalaban una fecha y otros libros indicaban una fecha diferente, lo cual trae confusión o indignación en mi caso. Con todo esto solo quiero indicar, a modo introductorio  y dejar en claro lo difícil que es clasificar fenómenos como este, y lo importante de las fechas, como los estilos, que a muchos les puede parecer una necedad o nimiedad, pero son sumamente útiles en líneas de tiempo cada vez más saturadas de información, como es el caso del siglo XX y XXI. Son maneras de ordenar, clasificar y ubicarse en el mapa de la historia. ¿Dónde se ubica los inicios del diseño gráfico? Existen Varias fechas tentativas, en la próxima entrada comenzaremos a clarificarlas.

Joshua Smith: Hidro 74

Joshua M.Smith, es un diseñador que nació  en 1974 ( de ahí la cifra que compone su seudónimo) en Indiana, U.S.A , aunque ahora está radicado en Orlando, Florida.

A diferencia de muchos diseñadores del mundo anglosajon, no asistió a una escuela de arte en sus primeros años, en realidad, tampoco lo hizo en la secundaria, no fue hasta el segundo año de la universidad que comenzó a sentirse frustrado o molesto, y se cambió a humanidades.

En humanidades, sin embargo, tomó clases de dibujo y pintura, pero cuando tomó ramos en comunicación visual, que conoció el software y la parte digital del diseño.

Al comienzo no pensaba en el diseño Gráfico  como algo serio, ya que la noción que el tenía, noción que colinda con el prejuicio, que los diseñadores eran lo mismo que los artistas; y que los artistas eran pocos profesionales. La sensación inicial de frustración  o amargura del inicio siguieron presentes, lo que lo llevaron a tomar múltiples ramos .

El estilo que lo define le tomó años poder definirlo, por medio de ensayo y error, las obras se estructuran armónicamente en un conjunto, estilo que se adapta a múltiples clientes , lo cual es sencillo poder trabajar con ellos, porque en realidad , visualmente se enmarcan a formatos fijos, (la mayoría son marcos cuadrados que encierran el mensaje)

Los trabajos de este diseñador se inician a través de un cuaderno de bocetos, en donde posteriormente los traspasa a vector.

Con el tiempo se ido tornando cada vez más perfeccionista y minucioso con el trazo, va incorporando más detalles.

Cuando descubrió las herramientas digitales , perfeccionó , trabajó, ensayó de forma casi obsesiva Illustrator, Photoshop, Quaker .
Lo que caracteriza su forma de trabajar , es la búsqueda constante de agregar un nuevo enfoque o atributo a su trabajo, la experimentación sobre nuevas técnicas , el trabajo duro , el no conformarse es parte de su sello inconformista que lo llevó a probar el enfoque humanista en la universidad y el posteriormente descubrimiento de la comunicación visual .
 
 
 
 
CONSEJOS PARA UN ILUSTRADOR Y DISEÑADOR .
No actualicen los programas , las versiones a menos que exista una herramientas, aplicación , utilidad que sea necesaria.Actualizar el software  solo por hacerlo es un despilfarro de dinero.
Dejar que la mente y la mano trabajen unidos, bajo el mismo objetivo y la misma frecuencia.
Aprender marketing básico, introducirse en el mercado en que te desenvuelves para conocerlo mejor.
5 SITIOS QUE JOSHUA SMITH RECOMIENDA VISITAR.
El sitio personal de este diseñador, que trabaja como freelancer, lo que le da oportunidad de desarrollarse mejor desde su perspectiva, en donde el dicta sus pautas y sus formas de trabajo es
y sus redes sociales en donde promociona su trabajo :
dentro de sus clientes se encuentran:
 Corporate
Nike, ESPN, Lucas Films, Hasbro, Mattel, New York Times, Target, Publix Super Market

 

[+] Ropa
Billabong, Quiksilver, Rip Curl, Ezequiel, Dragon, Etnies, Emerica, hosco, DCMA, Upper Playground, Adio Calzado, Body Glove, Burton, Split, Steelo, Shift, Teoría Tank, Vans, Reef, Proper Inglés.

 

[+] Snowboarding
Snowboards Burton Snowboards, K2 Snowboards Ride Snowboards, flujo, Snowboards Rossignal, Endeavor Snowboards …

 

[+] Skateboarding
Plan B Skateboards, hedor Skateboards Brand, los monopatines, patinetas siglo Premier.

 

[+] Música / Revistas
Island Def Jam, Atlantic Records, la revista Complex, Maxim Magazine, Computer Arts, Creative Digital, IdN, Revolver Magazine, Revista Wad (Francia), 

 

Yuta Onoda

 Aveces ocurre que uno está conversando o divagando, y surgen ciertos comentarios o se nos viene a la mente ciertas situaciones como …¿”qué pasaría si…? ¿Que ocurriría si pasara o aconteciera..? entonces por “azar” surge una secuencia de actos fantásticos , maravillosos, surrealistas, mágicos , colindante , por lo común , con lo absurdo. Pero ese absurdo, bien ejecutado en una ilustración, en una obra, se revela como una importante nido cultural, es decir, una obra con una importante cuota simbólica, posible de ser interpretada de múltiples formas, dueña en su sencillez de ser abordada desde varios puntos de vistas.Aquello que puede ser absurdo decirlo, aquello que resulta absurdo en una frase sin convicción, puede ser potencialmente una idea fenomenal para una ilustración.

  Yuta Onoda, que es un artista  japones que está radicado en Canadá.Su obra me llamó la atención , primero por sus colores,

Segundo , por el concepto animista que posee de la naturaleza, muy propio de la cultura japonesa, personas que se confunden con seres espirituales, cuya expresión en los rostros nunca denota alegría alguna, son como emociones que se expresan en sus rostros de manera neutra, pero explotan o desembocan a su alrdedor.

El trabajo de los colores , da la sensación de que la ilustración posee más detalles de lo que a simple vista se puede apreciar.Lo cual indica que se logra el máximo efecto a través de la economía del detalle.

En Yuta esta muy presente el tema del agua, ya sea de forma explicita, como parte de seres que permanecen hundidos o sobre su superficie, como de manera tacita, a través de su trazo y elementos que forman ondas parecidas al movimiento del agua.

De la misma manera que en la entrada anterior, en donde abordé el trabajo de la italiana Zoe Lacchei, hay una entrevista  , este sitio , sus creadores son diseñadores y periodistas , ahí es posible encontrar la entrevista de Yuta Onoda como de otros artistas ..http://www.anormalmag.com/entrevistas/yuta-onoda/

Sagaki Keita: el universo visual compuesto de pequeños detalles.

“Todas las cosas están compuestas de pequeñas partes. Por ejemplo, el cuerpo humano se construye a partir de 60 billones de células. Además, cada materia está formado por un átomo o molécula. Todas las personas que viven en este mundo pertenecen a alguna organización, como puede ser una familia, la escuela, la empresa y incluso una nación. Vamos a ampliar sus horizontes, su país forma parte de las naciones de todo el mundo. Y, el sistema solar, incluyendo nuestro planeta es una parte de la Galaxia. Sin embargo, el concepto de “todo y en parte” no es fijo, es un flujo.
Si se interpreta desde una perspectiva diferente, la totalidad que hemos definido se convierte en la parcialidad. El concepto de mi creación son las relaciones de fronteras “todo y la parte”.

Nació en 1984 en la prefectura de  Ishikawa, Japón el 2008 se gradúa en la  Escuela de Graduados de la Universidad de Educación en la ciudad de  Fukushima, y actualmente vive en Tokio.

Su sitio personal, en donde existe una extensa biografía y un listado de exposiciones, especialmente de la ciudad de Fukushima .http://sagakikeita.com/

Básicamente los trabajos de Keita se caracterizan por abordar imágenes universales, fácilmente identificables  por cualquier persona, segundo, la enorme paciencia y laboriosidad , ya que todos los trazos y espacios están conformados por pequeños dibujos y “garabatos”en general, y los detalles de trazos oscuros ,sombras también son a su vez dibujos más pequeños aun.

GEZ FRY: la visión de un cosmopolita.

Gez Fry es en su esencia un cosmopolita , pensando en ser diplomático estudió idiomas en la universidad, conoció a su esposa en Japón y aparte de enamorarse de ella, se enamoró también del país.

Si bien dibujaba nunca lo tomó en serio, hasta que el año 2002 se encerró en su habitación, y no hizo otra cosa más que comer, dormir y dibujar.  Aunque nunca fue a una escuela de arte, aunque su madre es ilustradora, y fue un apoyo e instructora aquel periodo. Un año después realiza un cómics con un amigo, que era el co-guionista, como el mismo señala, era bien mala la historia pero le resultó divertida.

El 2004 cambió su suerte, recibe un llamado de Dan Chrichlow y Nicholas Dawe de la agencia de la ilustración Folio. Fue ese mismo año que tuvo la oportunidad de conocer Japón y a su esposa, y desde entonces a trabajado con Folio , que le ha provisto siempre trabajo.

Su sede está en KAMAKURA  a una hora de Tokio, seguramente esa cultura le atrae porque Grez es mitad Japones, nació en Japón pero comparte la nacionalidad inglesa, habla correctamente Japónes, inglés,francés e italiano.

Como el mismo dice , le encanta diseñar cosas , lugares y personas, hizo un poco de carácter para robots en un juego llamado Rebelstar 2, de Namco, que era genial.

Sus herramientas de trabajo son el lapiz y Adobe Photoshop.

A Gez Fry  le gusta mucho Takashi Murakami.Admira a Joe Madureira (x-men) y a Masamune Shirow (Ghost in the Shell), y también está el desarrollo del manga, pero en realidad sus trabajos son más para Estados Unidos, en Japón, como el mismo señala, debe trabajar más aun para lograr al mercado japones del manga; dentro de sus proyectos está en realizar un manga donde cada página sea una ilustración completa, pero en realidad se siente lejos de poder hacer algo así, ya que los dibujantes tradicionales son capaces de producir cuatros paginas diarias ; el está más cercano a hacer una en dos días, como es el estilo americano.

 

Gustave Doré: Un clásico de todos los tiempos.

Paul Gustave Doré nació en Estraburgo (capital de Alsacia, Francia) en 1832 y tuvo una corta pero productiva vida , ya que murió en 1883 ,  dedicó su vida al grabado y la ilustración, en la cual marcó con sello propio , a través de la rigurosidad y el detalle, su estilo.

Doré es la antípoda de la mayoría de los artistas ilustradores, ya que fue tan solicitado en su tiempo, que su nombre, como ilustrador , sus trabajos de xilografía  está vinculado a los grandes de la literatura : Byron ,Balzac: Les Contes Drolatique (1855), el poema el cuervo de Edgar Allan Poe, Dante: El Inferno  (1861), Rabelais:Oeuvres (1854) las aventuras del barón Münchhausen (1866). Xilografías destinadas en total a 90 libros.

Como su vida fue breve, su primera publicación la realizó cuando el contaba con 15 años, había presentado sus dibujos a Charles  Philipon , quien era entonces periodista,litógrafo e ilustrador, quien había sido editor de La Caricature que introdujo en 1830 y fue suprimida en 1835;  Le Charivari, que fue presentada en 1832 y fue la inspiración de la revista satírica PUNCH .

Portada del año 1867.

La revista PUNCH es bien especial , la revista atrajo a muchos ilustradores caricaturistas de Francia  , entre ellos Honore Daumier. Punch lleva como subtitulo The London Charivari, en honor a la antigua publicación francesa, ya que la nueva era de origen británico, su publicación abarcó desde 1841 hasta 1992, se suspendió su publicación breve tiempo y continuó desde 1996 hasta el año 2002.

A continuación se puede apreciar que el paso de los años , prácticamente se mantuvo la linea y el estilo, como se puede apreciar las dos portadas, de la revista, una que data de 1867 y la otra de 1936. Más abajo una ilustración típica y bien famosa de Hitler. Esta revista alcanzó su momento de gloria máximo durante la década de los 40, en plena Segunda Guerra mundial, alcanzando los 175 mil ejemplares por tirada.

Portada de 1936.

Retornando a Doré ,hay que considerar  que los medios de publicación de la época no tenían las facilidades que hoy en día existen, de echo, existían muchas trabas legales en cuanto a burlarse de las figuras públicas de la época. Aquello era una gracia , en cuanto a precocidad , su caso es similar al talento catalán Ramón Casas, quien también comenzó muy joven.

Es su exhuberante fantasía la que inspiró a muchos pintores romanticos, quienes compartían el gusto por lo onirico .

Doré firmó un contrato por cinco años con la editorial Grant & Co, en el cual ganaba al año 10.000 libras esterlinas y debía pasar a lo menos tres meses en Londres. Como.Como  tuvo la ocurrencia inevitable de retratar Londres con toda su pobreza, fue acusado por el Art Journal de “fantasioso más que ilustrador”, ahora transcurrido el tiempo , la frase si alguna vez contuvo en su seno un atisbo de crítica, hoy parece más un elogio.

 

Ingo Giezendanner: Buenas ideas

 
 
 
 
Que fantástico cuando se reúne tanto material, en este caso, ilustraciones de los lugares que has visitado y logras lanzar un recopilatorio. En este caso , es una trilogía basada en las experiencias y observaciones de su ciudad natal, Zurich.
 
Personalmente creo más , en este instante, en los proyectos terminados  que en mostrar ilustraciones sueltas, pues en ello existe una idea en común a todas las ilustraciones , un tema que se desarrolla más allá de lo pasajero, se vence el primer impulso a vender de manera inmediata un trabajo y se apuesta finalmente al trabajo a mediano y largo plazo. En este punto entra otro tema, y es el amor natural que existe a los libros impresos a pesar de la atractiva pantalla o monitor que tantas seducciones ofrece al viajero itinerante que somos todos nosotros. La suavidad del libro impreso, su hoja, a menudo de papel couche o estucado, de libros que se convierten a su vez en objetos de decoración como pueden ser, por ejemplo, los libros de la editorial Taschen, que más adelante escribiré sobre ello , hacen de los volúmenes visuales , como este tipo de ilustraciones , una aventura fascinante que invocan a la inspiración, (que despierta por motivos diversos entre uno y otro lector) y se convierte en pequeño trozo de imaginación impresa y agradable experiencia.
 
 
 
 
 
 
 
Ya de por sí , las ilustraciones son atractivas, tener muchas a disposición más genial aun, pero esto se le agrega un formato práctico ,que hace de esta trilogía , un objeto decorativo al almacenarlo.
 
 
Resulta interesante este tipo de ideas. Despiertan las ganas de hacer cosas similares.
 
192 Páginas, Tapa blanda, 13.2 x 18 cm, b/n Offset, Primera Edición, 2013 Travel Trilogy Box Set / Edition especial de 100 Copias –