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Detalles evocadores del hermoso cuadro Terraza de café por la noche, de Van Gogh.

Existe cierto consenso con incluir dentro de las 100 mejores pinturas del siglo XX , varias obras de Van Gogh, el genio de ARLÉS se matricula con varias de sus obras , entre retratos,autoretratos y paisajes. Menuda sorpresa me llevé constatar que una de esas obras maravillosas , tan populares, tan pertenecientes al tejido social y cultural de nuestra época, tan Vangohniana,no esté firmada por el gran pintor, me refiero a “Terraza de café por la noche.”

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Terraza de café por la noche Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1888 Museo: Museo Kröller Müller Características: 81 x 65´5 cm. Estilo: Neo-Impresionismo Material: Oleo sobre lienzo

En efecto , esta hermosa obra tiene varios detalles peculiares que la hacen amarla aun más. La autoría de la obra puede saltar a simple vista por la técnica inconfundible, pero lo cierto que la aseveración esta respaldada en tres cartas escritas por Van Gogh, quien menciona la elaboración y existencia de dicho cuadro.

El otro detalle sabroso, es que este es el primer cuadro en que el gran Van Gogh pinta las estrellas que tantas evocaciones maravillosas despertarían a lo largo de los años.

“Aquí tienes una pintura nocturna sin nada de negro en ella, hecha con nada más que hermosos colores azul y violeta y verde, y amarillo limón. Me divierte enormemente pintar la noche en el sitio mismo. Los pintores solían dibujar y pintar el cuadro de día basándose en el tosco apunte. Pero yo encuentro satisfacción pintando las cosas directamente.

Por supuesto, es verdad que en la oscuridad puedo tomar un azul por un verde, un azul-lila por un rosa-lila, porque no puedes distinguir correctamente el matiz del color.

Pero es la única manera de librarse de las escenas nocturnas convencionales con sus pobres luces blanquecinas pálidas, mientras que una simple vela ya nos da los tonos más ricos amarillos y naranjas.”

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

Existe un posible antecedente inspirador para esta maravillosa obra, me refiero a la pintura de Louis Anquetin,”La Avenida  de Clichy,a las cinco de la tarde” pintada en 1887, un año antes de la obra de Vincent. anquetin

Louis Anquetin conoció a Van Gogh en el taller del pintor Fernand Cormon, durante la breve estancia en París. La obra de Anquetin pertenece a la corriente del “Cloisonnismo”, estilo que fue desarrollado por Emile Bernard, a quien conoció también en el taller de Cormon, este estilo hunde sus raíces en el japonismo. Presumo que lo que captó la atención del genio de Arlés, son los colores que contrastan en el azul y el amarillo limón, las luces de los escaparates siempre han presentado una alegoría ineludible para al artista solitario que camina soñando por las calles atestadas de gente. Existe una brecha simbólica en retratar estos escaparates llenos de luz jovial y cálida y el frío exterior de una inmensidad salvajemente azul y oscura. No obstante, a diferencia de Anquetin, Van Gogh plasmó las brillantes estrellas como comunión ante aquello tan silvestre y natural como es la naturaleza.

Estebel ami hermoso cuadro se entrecruza con la literatura, todo buen artista siempre debe nutrirse constantemente, esta fascinación romántica, tan romántica en todo el esplendor del romanticismo como genero, lo describió ese oso enorme de la literatura francesa , Guy de Moupassant en su novela “Bel Ami”. “Los grandes cafés llenos de gente rebosaban sobre la acera, mostrando su público de bebedores bajo la luz brillante y cruda de los escaparates iluminados”.

Naturalmente, por esas cosas increíble que tiene la vida, Vincent leyó la obra de Moupassant, la impresión, tan entrelazada con esta obra , queda registrada en otra carta:“Hasta el momento no me has dicho si has leído Bel Ami de Guy de Moupassant, y lo que en general piensas de su talento ahora. Te digo esto porque el inicio de Bel Ami viene a ser una descripción de una noche estrellada en París con los cafés iluminados del Boulevard, y esto es aproximadamente el mismo motivo que yo acabo de pintar.

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

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Plaza Forum de Arlés,Francia. La imaginación de los artistas dotan un bello lugar en una imagen de ensueño.

Listado de pintores impresionistas.

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Impresión,sol naciente. Claude Monet. apréciese el tremendo y loco salto en la tradición visual europea.

Las vanguardias pictóricas del siglo XX se entrecruzan en muchas ocasiones, a veces un pintor que es reconocido por formar parte de cierta tendencia artística, a menudo perteneció a otras escuelas , tanto como parte de la evolución personal y la búsqueda interna de su expresividad, como del desencanto propio de una época convulsa que no daba tiempo para que  nada fructificase. Lo que antes duraba siglos , la era moderna traía como sello distintivo la vaporoso,lo transitorio y lo perecedero.  Es así que muchos pintores impresionistas derivaron naturalmente hacia el posimpresionismo, sin recabar más allá de las diferencias de ambas tendencias, (por ahora) como de las razones de fondo y forma que permitieron la transformación del impresionismo primero, dejaré una lista de los pintores que son considerados como pertenecientes al impresionismo, como estilo y no como el grupo de pintores que expusieron en el estudio del fotógrafo Félix Nadar por primera vez  en abril de 1874, en París.

La razón de este listado, es naturalmente,tener un mapa mental más preciso.

IMPRESIONISTAS. (como estilo general )

CLAUDE MONET                   (1840-1926)

PIERRE AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

EDGAR DEGAS                      (1834-1917)

CAMILLE PISARRO                (1830-1903)

ALFRED SISLEY                      (1839-1899)

BERTHE MORISOT                 (1841-1895)

PAUL CÉZANNE                       (1839-1906)

JEAN-FRÉDERIC BAZILLE       (1841-1870)

GUSTAVE CAILLEBOTTE         (1848-1894)

MARY CASSATT                       (1844-1926)

AUGUSTE RODIN                     (1840-1917)

MEDARDO ROSSO                   (1858-1928)

Joanna Estep: “Si expresas o revelas verdades y creencias personales con el manga,yo lo llamaría arte”

joannafotoJoanna Estep es escritora, dibujante e ilustradora, oriunda de Dayton, Ohio,USA. Joanna  se recibió de la carrera de Diseño Gráfico, ella aparece en la página 94 del libro compilatorio MUNDO MANGA ,100 artistas,1000 secretos profesionales,de editorial Promopress.

Es interesante hacer la relación de ella con el profesionalismo con el cual a incursionado en el hermoso del arte secuencial del comic y del manga, la misma carrera de diseño gráfico es una valiosa herramienta sin duda que le a aportado un desarrollo de posibilidades técnicas,expresivas, tanto en lo que atañe en el aspecto netamente de expresividad gráfica como de formato.

Veamos que cosas tiene de interesante y que sin duda son tips a imitar para todo aquel que quiere seguir perfeccionarse en lo que hace y se dedica,independiente del ámbito :

Joanna comenzó a dibujar manga cuando fue elegida para ilustrar la trilogía Roadsong, escrito por Allan Grossy publicado  por  TokyopopJoanna es una artista perfeccionista, se tituló de lengua japonesa, que mejor que indagar de las mismas fuentes , siguiendo el genial consejo del maestro Umberto Eco, en su libro “Como hacer una tesis“, el cual señala que lo ideal es leer las fuentes sin traducciones ,directamente de la lengua.

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Una de las preguntas que le hacen en el libro resume el patrón de su obsesión y modus operandi de esta genial ilustradora.

-“¿de donde proceden las ideas para tus dibujos?¿cómo haces tu trabajo?

R:Mi mejor inspiración proviene de leer libros y ver películas. Y cuando tengo una idea,suelo investigar en Internet o visitar la biblioteca para tener una mejor referencia visual”

Una de las grandes falencias de la generación visual de hoy, es su resistencia a leer libros completos y a temas de investigación, el universo de diseñadores e ilustradores que amen leer o escribir son más bien reducidos, por lo cual, este tipo de artista al complementar esas cualidades en su desarrollo profesional le aporta una dimensión más a la creatividad.

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Es posible hallar en sus dibujos el grado perfeccionista ,los detalles , las sombras se ve rigurosidad y observación plena; su entintando es espectacular, como el manejo de las luces y sombras, así mismo, no se  queda atrás lo más importante de la ilustración, el mensaje conceptual de la imagen.

“Joanna escribió y diseñó la sincronización manual: Expresiones de tiempo en Sequential Art and Design, que recibió el premio Charles Logan Smith por la excelencia en el diseño” , y recibió el premio SPACE por sus trabajos de arte secuencial.

Me maravilla, en lo personal, el grado de inmersión y dedicación que muchos optamos como estilo de vida, absolutamente llenador y redentor. Debemos hacer siempre la diferencia.

El tiempo sobra para los artista obsesivos.

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Las fechas de Federico Pietrella, un artista que registra el tiempo.

1-Federico-Pietrella-StampEl trabajo de este asombroso y obsesivo artista italiano es un verdadero arte, en el se conjuga varios aspectos que logran llamar la atención de su obra, entendemos que en muchos sentidos una obra se juzga por su resultado, por el acabado , en este caso, si apreciamos bien un cuadro de Pietrella , no podemos evitar evocar una atmósfera de nostalgia sorda, ya sea por la relación entre el tema escogido a ilustrar , (calles semideserticas, en donde la presencia del hombre acentúa la extraña soledad de la vida urbana , eso por un lado, y por el otro relacionar  la estética de la técnica propiamente tal, Pietrella emplea blanco y negros, dotando de una luz difusa e inconexa que amplia esa sensación de silencio visual, de quietud)

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Ahora bien, al igual como ocurre con muchas obras, una observación detenida de los mismos, nos puede entregar una mayor información , pero esta información no es solo datos fríos , sino que aquí comienza en muchos casos, la verdadera relación entre el espectador /observador y lo que el autor nos a entregado .

Al igual que ocurre con Georges Seurat, en donde un zoom de la superficie nos revela en primera instancia la composición basada en el puntillismo, con Federico Pietrella ese zoom nos revela que el trazo esta basado  en el uso inusual de un sello postal.

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El timbre postal tiene ingresado la fecha del día en que el artista se encuentra ejecutando el dibujo, el cual transforma la aplicación en una especie de lienzo que rinde homenaje al tiempo y al instante. La habilidad y el talento están presente tanto en la concepción filosófica como en la elaboración material, a pesar de utilizar un sello de fechas y no pincel, el resultado es de un hiperrealismo asombroso.

Para que el cuadro resulte, las soportes deben ser de gran formato, lo cual determina automáticamente el tiempo que tarda en completar una obra, que tarda aproximadamente dos meses, eso es comprobable ya que como Pietrella trabaja con la fecha del día, se puede apreciar todas las fechas de los días empleado desde el comienzo hasta que acaba; también a través de esta manera de trabajar es posible apreciar como la composición del cuadro, es decir, por cuales zonas comienza y por cuales finaliza.

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El artista que actualmente trabaja en Berlín, sus cuadros pueden cotizarse aproximadamente dentro de los  €20 mil por pieza. Increíble trabajo ¿ verdad?

Martin Kippenberger:”yo no puedo cortarme una oreja todos los días”

“Yo no puedo cortarme una oreja todos los días, hacer de Van Gogh aquí, de Mozart allí. Ya cuesta trabajo examinar aquí una y otra vez lo que uno realmente hace”

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Esta frase pertenece al artista alemán Kippenberger, (Dortmund 1955-Viena 1997) quien dejó una huella profunda en la década de los 90 en la esfera del arte.Su trabajo tiene como rasgo distintivo su increíble búsqueda de medios de expresión para volcar su imaginación, su discurso critico y provocador .

Abordó su obra polifacética empleando medios tales como el dibujo,esculturas, cuadros,instalaciones y libros de artista, en todas ellas la provocación siempre estuvo presente, la polémica como herramienta de critica social, el cual traía aparejado la ofensa naturalmente. Una de sus obras más conocidas es la de un sapo crucificado. Siendo honesto esta obra habría que extrapolarla a aquellos años , en donde las imágenes y la cultura de crudeza visual que inunda las pantallas rápidas y táctiles  de esta modernidad hiperconectada de ahora, no era tan obvia ni tan permisiva en ese entonces, de ahí su impacto. Kippenberger se enmarca dentro del movimiento artístico Neuel Wilde, que irrumpió en la década del setenta y se extendió hasta fines de los ochenta.

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El trabajo de todo artista es analizable o abordable desde muchas aristas , a veces llama la atención una obra y no otra, en particular, en este instante, me llama la atención la frase que da titulo a esta entrada, hace un tiempo había escrito sobre el populismo de Van Gogh, que esta tan arraigado dentro de nuestra cultura actual como un objeto de consumo que da cierto status o nivel cultural de quien esta familiarizado en algo con su obra. El cliché de cortarse la oreja , cuya veracidad de los echos en cuanto al motivo real por el cual se cortó la oreja o si se la cortó su amigo Gauguín permanecerán en el misterio, siempre es el gráfico de lo atormentado que debe ser un artista “real”.

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Ignoro el contexto de la expresión de esta frase, presumo que dada la naturaleza confrontacional y polémica de su autor, haya visto el tema de la oreja como una estrategia para llamar la atención de los medios, o una analogía de lo que son capaces muchas personas para poder sobresalir con su trabajo. Personalmente pienso que este enfoque es bien hijo de nuestro tiempo, a saber: llamar la atención a toda costa primero y no como resultado natural de un trabajo personal y critico, en suma , de una vida comprometida.

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Insisto, en muchas ocasiones, un artista es un chamán , un vehículo que contiene el espíritu de un mundo instintivo y salvaje, muy propio del hombre, que se manifiesta utilizando las herramientas culturales del momento, con los soportes y medios producidos desde la naturaleza más primordial, como son los pigmentos y otras materias, transformados en artículos de uso masivo , cada vez más tecnológico, cada vez más alejado de “un ensuciarse las manos”, pero que sirven para mostrar al mundo , cruzando el entretejido de estas sociedades complejas y “modernas”, que el hombre posee una parte de una naturaleza profundamente irracional e ilógica, no obstante, de mucha energía y es la fuente de su alegría y realización, todo ello, a través del arte.

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Franz Ackermann: “Lo que se trata de transmitir no son las minucias de los caminos …() Me gustan sino un informe de viaje destilado, que se alimenta del recuerdo y de la experiencia actual”

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Franz Ackermann ( o El hombre Acker?)

Me gustan los procesos , los WIP (work in process or work in progress) ya sea porque a través de los mismos puedo comprender o más bien tratar de entender en algo la naturaleza de las obras que me llaman la atención, tratar de hacer un mapa mental de la parte técnica, de los materiales empleados en su elaboración, esa materia paso a paso,capa por capa. Para mi en lo personal, una obra terminada es por lógica, importante, claro esta, pero más interesante es reflexionar entorno de que una obra nunca es el resultado de su simple final, sino que la mayoría de ellas su resultado, es la suma absoluta  de las partes que la levantan, que la construyen, incluyendo todo lo que participa y se involucra en su entorno más inmediato, incluyendo, por supuesto, a lo que atañe como el entorno más lejano como a las esferas fronterizas  de observadores de dicho objeto,observadores que pueden encontrarse en zonas geográficas totalmente alejadas tanto en espacio como en el tiempo.

Participan en este interesante vínculo con la obra señalada a los observadores que involucran algo más que la sola mirada instantánea: para que un observador pasajero y transitorio forme parte de la sumatoria de las partes debe hacerse participe de este tegumento, que actúa como pegamento, de una cierta emoción nacida a propósito de la impresión causada por la obra. Sin la fuerza de este enlace, nacida naturalmente y de manera espontanea, de la intensidad, una obra no puede hacerse parte de un cuerpo con más peso especifico.

En el caso puntual que me despierta esta reflexión, a propósito de la obra de Ackermann, es saber su manera de construir las obras gigantes que el realiza.

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Franz Ackermann  es un artista que desarrolla su trabajo a través de medios como el cine, la fotografía, la instalación y también la pintura. Nacido en Neumarkt-Sankt Veit, Alemania, en 1963, su pintura se caracteriza por la abstracción. El núcleo fundamental de su obra gira entorno al viaje, a la globalización , como extensión al viaje, “la estética de las grandes áreas urbanizadas “. Las pinturas sobresale por sus grandes dimensiones, sus obras abarcan grandes espacios, invaden entornos y se posesionan de grandes lienzos de concreto interiores. El color y el juego óptico de sus formas entregan al espectador una sensación de vértigo, de infinitud, mediante la participación de lineas o formas que se unen sin fin formando un panorama espacial, cuya similitud con el cine no es casualidad.

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Antes de pasar a los formatos grandes, Ackermann elaboró los “mental maps“, pequeñas acuarelas de bolsillo, nacida de sus observaciones personales en sus viajes y de su peculiar interpretación de los mismos, el itinerario de sus registros abarca Honk kong,Australia , Asia y América del sur, lugares del mundo que forman un panorama multicolor de formas básicas que son interpretadas como sensaciones .Este punto es muy interesante, porque todo ese registro, empleando una técnica tan sencilla en sus materiales como lo es la expresiva acuarela, es la antesala de comprensión de su trabajo antes de volcarlo de lleno a las extensas áreas de sus intervenciones e instalaciones.

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Apréciese el detalle de la tela multicolor como parte de la composición del muro.
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Apréciese la curvatura de la obra, cuya inclinación da una sensación de presencia que juega con la seguridad del observador.

Si te gustó la entrada, si quieres comentar al respecto, bienvenidas son todos los comentarios, la retroalimentación de los blog es sumamente estimulante y enriquecedora. Todos los comentarios forman parte de este tejido de la cultura y transmisión de información.

“¿No son los cuadros como fabulosos países desconocidos que se extienden a nuestros pies?”

“¿No son los cuadros como fabulosos países desconocidos que se extienden a nuestros pies?” Es la  frase apasionada que lanzó a la estratosfera  el artista ruso David Burliuk , perteneciente al movimiento ruso futurista SOTA DE DIAMANTES de comienzo de siglo XX, palabras  lanzadas  cual Sputnik I ruso, pero a diferencia de este , esta frase aun sigue flotando inerte, poderosa y con más vida que antes, girando para siempre alrededor de esta cultura mundial.

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David Burliuk.

Hablamos de comienzo del siglo XX, hablamos de que hace tan solo unas décadas atrás, unos jóvenes locos rompieron la larga tradición clasista o académica europea de la figura y fondo, e inundaron de colores explosivos los lienzos cada vez más democráticos , con un fuerte acento en lo individual, en lo personal. La sociedad se agitaba esperanzada en las nuevas formas de producción, amparadas en la tecnología de las maquinas, en donde la promesa de una sociedad más avanzada se veía ad portas, una sociedad en que los múltiples problemas serían solucionados gracias a la rapidez de la producción y el conocimiento.

Explosión es la palabra precisa: una serie de movimientos artísticos florecían en los jardines culturales y urbanos de toda Europa, el viento de la libertad y puntualmente de la libertad de expresión desperdigaba las semillas a través del viento  y las ensoñaciones de artistas de todos los países, quienes viajaban de un lugar a otro llevando sus valijas pesadas de nuevas visiones y nuevas formas de darle sentido a este hermoso siglo naciente.

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Apreciese el colorido de las pinturas de Lentulov
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Hermoso contraste de azules llamativos, un paso adelante del impresionismo primigenio.

Los integrantes que fundaron este movimiento que conformó el nacimiento de la vanguardia rusa, fueron en un comienzo Iliá I. Mashkov, Piotr P. Konchalovski,Aristarj V. Lentúlov, Robert R. Falk yMijail F. Lariónov, el cual participaron los hermanos David, Vladimir Burliuk,Alexander Kuprin,Natalia Gonchadova, los artistas rusos de Munich, Vasily Kandinsky,Alexei Von Jawlensky, y los artistas afincados en París: Henrí Le Fauconnier,André Lhote,Albert Gleizes y Jean Metzinger.

Básicamente existían dos movimientos dentro de esta corriente: una se caracterizaba por los colores propios del fauvismo, colores brillantes y llamativos. Esta corriente fue conocida como Cezannistas.

Y la segunda corriente la llamada neoprimitivismo, cuyo interés se centraba en el arte infantil y lo autóctono.

Retorno a la hermosa frase que da titulo a esta entrada, los cuadros antes siempre graficaban una situación histórica , social y política determinada, de manera precisa muchas veces, la irrupción de la libertad creativa transformó los cuadros en lienzos en donde todo podía ocurrir o concebirse: los lienzos pasaron de ser soportes determinados por medidas precisas y de materiales idóneos a ser lienzos que actuaban cual “tabula rasa” del artista, quien volcaba su expresión subjetiva y su mirada critica, empleando los colores como la mejor herramienta para transmitir las emociones y envolver al espectador en una atmósfera psicológica.

¿no son los cuadros como  fabulosos países desconocidos que se extienden a nuestros pies“? , pues claro que si, a esto apunta el genial Burliuk, anticipándose en muchos aspectos a la increíble era de lo visual-digital del presente, en donde una superficie bidimensional como la pantalla de una tablet o de un celular nos tiene acostumbrado: la navegación in situ de territorios que se desarrollan de manera vertiginosa y sin esfuerzo ante nuestros ojos, en solo segundos. Se despliegan como bellas rosas ciberneticas llenas de contenido , aromas y texturas.Ese era el espíritu, ese fue el espíritu del cubismo de Picasso tratando de representar un solo objeto desde varios puntos de vista y ángulos a la vez; ese es el espíritu de Pollok quien caminaba sobre el lienzo volcando sus pulsaciones, cual chaman en su increíble action Painting.

Esta hermosa frase tiene mucho de romanticismo y de poesía, fue lanzada al espacio cultural en 1912, apenas dos años antes que estallara la gran Guerra, la guerra que frenaría y sepultaría de manera violenta y brusca la esperanza cifrada en la tecnología como herramienta de solución y desarrollo social. Muchos artistas morirían en los siguientes años y la mayoría de los movimientos caerían en el olvido en los siguientes cuatro años. La hermosa explosión de colores y de imaginación se cubriría bajo el manto gris de los escombros y de las ciudades echa añicos.

Pero es cierto, esos países maravillosos infinitos , se extenderían para siempre a lo largo del siglo, el cual nos indica una sola cosa y con mucha fuerza: la imaginación del hombre y su capacidad de soñar, no tiene limite alguno.

…El final de El Principito (Le petit Prince) en pocas palabras.

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“Pero miren al cielo y pregúntense: el cordero ¿se ha comido la flor? Y veréis cómo todo cambia…

¡Ninguna persona mayor comprenderá jamás que esto sea verdaderamente importante! Este es para mí el paisaje más hermoso y el más triste del mundo. Es el mismo paisaje de la página anterior que he dibujado una vez más para que lo vean bien. Fue aquí donde el Principito apareció sobre la Tierra, desapareciendo luego.

Examínenlo atentamente para que sepan reconocerlo, si algún día, viajando por África cruzan el desierto. Si por casualidad pasan por allí, no se apresuren, se los ruego, y deténganse un poco, precisamente bajo la estrella. Si un niño llega hasta ustedes, si este niño ríe y tiene cabellos de oro y nunca responde a sus preguntas, adivinarán en seguida quién es. ¡Sean amables con él! Y comuníquenme rápidamente que ha regresado. ¡No me dejen tan triste!”

El final de El Principito es el comienzo de toda historia sencilla , mundana, de todo hombre de toda mujer inmerso en el día a día.

La incertidumbre de ese final abierto es una corriente de aire proveniente del cielo nocturno, en donde lentamente comienza a descolgarse el ocaso y el amanecer.

Heidegger admiraba ese final impreciso porque cerraba los ojos y veía el amor a la filosofía cuando el era un niño, un joven: luego perdería el norte, pero no caería a las aguas infinitas del océano como Saint Exupery en su avión lleno de correos fantasmas; el homenaje de la desaparición solo es para los verdaderos héroes.

El libro no circuló en los países nazis, solo pudo pasar el veto cuando el nazismo sucumbió en la inmensa hoguera

No se si la rosa seguirá ahí, o fue devorada por el hambre de un animal inocente, no se si mi esposa me seguirá amando, envuelta en los recuerdos que construimos juntos tantas noches tantos días, porque me pierdo en el camino cuando envejezco y cuando prometí amarla para siempre , le fui infiel una y mil veces.

El final de ese libro es la gran diferencia entre un sencillo cuento infantil memorable y un libro que florece constante en el tiempo , en ese bosque talado y muerto que se usó  para hacer sus hojas.

El final del Principito es el final de un libro tan bello que parece mentira que el hombre sea capaz de tanta maldad e ignorancia.

Camping under a starry night

“Has Recuperado Nada” de Cristian Cottet

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Cristian Cottet.

Has Recuperado Nada” , de editorial Mosquito, es el titulo del bello libro de poesías que descubrí hace ya algunos días, saliendo de la estación del metro de mi casa. Conversé largo y tendido con su autor, Don Cristian Cottet, un ser humano fantástico y maravilloso, conversamos un poco de la literatura Hispanoamericana y de la hermosa tradición literaria chilena, me contó una anécdota increíble acerca de su amigo Jorge Tellier, un semidios de la poesía, ya fallecido y que dejó un espacio difícil de remplazar.

Le transcribo a continuación unos versos breves pero poderosos en su imaginativo, la fuerza de su poesía, similar en intimidad y cotideanidad con la de Mario Benedetti, radica en la franqueza absoluta del hablante y del lugar en que las palabras florecen, se aprecia que las palabras izan el vuelo sin raíces, desprovisto de esfuerzo alguno,desprendiéndose del suelo de las hojas, arrojando pequeñas briznas de tinta . Este poema es el que le da el titulo al libro.

 ”   Has Recuperado Nada.

en esta casa

sobran las cosas que miraste”

Notese que comienza con minúscula, apréciese de la misma manera, que no existe el punto final ni punto alguno, es una frase intercalada en una serie de momentos simples y cotidianos que transcurren en una tarde en cualquier día en cualquier lugar en cualquier parte del mundo. Hay algo de tristeza en el mensaje, pero también todo lo contrario. Se saborea lentamente a ojos cerrados aun después de que se despiden las presencias, las palabras. Podemos permanecer inertes tratando de captar la frecuencia correcta de la emoción .Me quedo con la mixtura del ritmo de los versos sencillos, aquellos que nos retrotraen en múltiples experiencias de las cuales estamos levantados, y que tendemos a olvidar a pasos agigantados.