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Porque la película animada Loving Vincent no ganó el oscar. parte II, soluciones en un mundo paralelo.

“CUANDO SIENTO UNA NECESIDAD DE RELIGIÓN,SALGO DE NOCHE Y PINTO LAS ESTRELLAS”

En la entrada anterior comentaba las razones por la cual la película Loving Vincent no ganó el oscar, a pesar de que tenía todo para haberlo obtenido, ya sea por el riesgo de hacer el primer film en usar completamente la pintura al óleo en cada fotograma de principio a fin, como también por abarcar un tema tan bello como es la obra y vida de unos de los pintores tan icónicos en la trama cultural de la presente época, es decir, un personaje con una carga cultural tan intensa y tan evocadora que atrapa el interés inmediato de las personas.

“SUEÑO CON PINTAR Y LUEGO PINTO MIS SUEÑOS”

 

La critica es unánime al respecto, visualmente es un espectáculo (tengo mis reparos al respecto, ya que hay escenas e imágenes deplorables) ,pero es en la trama en donde esta la debilidad, y a mi juicio, es en esta debilidad que influyó en el poco aprovechamiento del talento de los 115 pintores que participaron en la obra.

¿por qué haber basado el guión en tratar de desentrañar la muerte del pintor? ya que transcurrido tanto tiempo desde entonces, existe poca claridad y uniformidad de criterio, solo especulaciones, por tanto la apuesta de desarrollar un largometraje de 95 minutos resultaba peligroso.

“NO OLVIDEMOS QUE LAS PEQUEÑAS EMOCIONES SON LAS CAPITANES DE NUESTRAS VIDAS Y LAS OBEDECEMOS SIN SIQUIERA DARNOS CUENTA”

¿Qué debieron haber utilizado como guión? lo opuesto a lo escaso con lo que se la jugaron…debieron basarse en las hermosas e intensas cartas que el pintor escribió a lo largo de su vida, en la inmortal e intensa correspondencia de Van Gogh a su hermano Theo en la cual se confesaba absolutamente. Pasión pura. Así como el músico piensa en notas musicales, Van Gogh pensaba en colores, su mundo era los colores, hay bellas cartas y frases hermosas que a mi me conmueven cuando habla por ejemplo del amarillo limón o el azul… eso es posteridad, eso es una herencia cultural de primera mano para todos nosotros que venimos después. Debieron sencillamente hacer un guión en donde Vincent , ya sea a veces apenas esbozados o solo enfocando sus manos, prepara los pigmentos, los mezcla, consigue los tonos que a él le apasionaba, y eso verterlo en el lienzo en una sinfonía …hasta llegar al cuadro finalizado…todo acompañado de frases o pequeñas narraciones de sus cartas. Aquí la música juega un rol sin igual, habiendo tanta música…BACH pudo haber estado fijo como su suite  AIR por ejemplo, algunas piezas de Debussy, algo de Chopin, Mozart,BEETHOVEN,SCHUBERT no sé, tantas piezas que tocan fibras delicadas ..eso era lo que debieron haber echo, una sinfonía cultural, con un guión de sus cartas, un homenaje sin duda, y quizás todos , pero todos los que participaron, no hubiesen decaído como se decayó en algunas partes, y nos hubiésemos quedado con una pequeña porción de la historia cultural, entre un romanticismo y apasionante trozo de la genialidad de un hombre extasiado de colores y formas y lo más misterioso y poderoso que es el ARTE para nosotros, tan ansiados de magia y recuerdos.

 

“CUANTA BELLEZA EN EL ARTE,CON TAL DE PODER RETENER LO QUE SE HA VISTO.NO SE ESTÁ NUNCA ENTONCES SIN TRABAJO NI VERDADERAMENTE SOLITARIO. JAMÁS SOLO.

“SIEMPRE PIENSO QUE LA MEJOR MANERA DE CONOCER A DIOS ES AMAR MUCHAS COSAS”

 

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Porque la película animada Loving Vincent no ganó el oscar.

 

 

Cuando vi por vez primera el trailler de la película  Loving Vincent, debo admitir que fue a amor a primera vista, me enamoré de todo lo que engloba la película,desde lo más importante que es el tema en sí:la vida de Vang Gogh, uno de mis pintores admirados por toda la energía que irradia y encarna como un hombre al servicio de lo que el filósofo  Socrates denominó el Daimón, es decir, el hombre que esta al servicio de algo más grande que el mismo, como de la técnica empleada en la realización, es decir, mantener la estética de la visión pictórica del pintor neerlandés…pero lo que más me dejó maravillado fue que cada fotograma del film esta realizado con pintura al óleo sobre un lienzo de tela. Yo me pongo a pensar en la difícil y arriesgada decisión de los productores de emplear esta técnica para hacer a la larga la primera película realizada completamente con pintura y hay que admitir que es una empresa de carácter titanico, de largo aliento, porque ya elaborar una película de animación es un proceso lento,imagínense una obra en que solo se emplea el uso de la pintura del oleo, que ya de por sí es una materia de secado lento, a diferencia del acrílico, por ejemplo y ni hablar compararlo con un software de animación.

El trailer es bellísimo, creo que  en parte de mi estado de enamoramiento fue que caí en las garras de la publicidad bien empleada , la voz en off que narraba lo que se nos venía, es un poema sintetizado de esta vida llena de pasión pero también de tristeza .

Creo que entiendo que una vida como la de Vincent, que aun hoy (después de tantos años que han transcurrido desde su muerte) sea capaz de provocar un estado de sueño y admiración, como de interés y debate, no merecía otra película que significara un esfuerzo extra a lo convencional. Antes de ver la película, antes de que llegara a los cines de mi país, me propuse adquirirla en blu ray para tenerla para siempre y deleitarme una y otra vez con lo que consideraba una obra maestra de mi total devoción. Guardarla con una calidad optima sin perdida de detalle o resolución.

A-conocer la obra de vincent, es decir, tener conocimiento de la paleta de colores que el empleaba.

A.1-Ser capaz de trabajar y reproducir sus obras de manera satisfactoria.

A.2 -Ser capaz de adaptarse a los requerimientos técnicos de pasar al lienzo las imágenes que construyen el film.

A.3- y además de todo esto, poseer un ritmo de trabajo rápido y preciso.

Tenía todo para ser una obra de arte de aquellas que no se cansa uno de mirarla y volver una y otra vez .

Antes de la premiación de los Oscar la fuí a ver…y no es una mala película en absoluto,solo que cuando el premio a la mejor película extranjera recayó en el film chileno Una mujer fantástica, entendí sin ninguna duda de porque no le fue adjudicado.

Una mujer Fantastica. Director Sebastián Lelio , actriz Daniela Vega.

Después de todo este preámbulo a modo de introducción, y después de dejar de pasar el tiempo, no me puedo quitar de la mente la vocecita que esta dentro de mi cabeza que no cesa de hablarme del tema, porque ni siquiera es decepción lo que siento, porque no es un mal film, tampoco me siento estafado,sino que dentro de todo, responsabilizo a la parte del guión, a la o las personas que no supieron escoger que narrar , y echaron a  perder una gran oportunidad que tuvieron en sus manos de manera miserable. Algo asi como tener un sueño espectacular y vivido por la noche, y por no anotarlo en el instante…se te olvidó por la mañana.

Loving Vincent tiene una introducción poco afortunada a mi juicio, siempre me fijo en la introducción de las películas , porque dentro de las mil maneras que se puede hacer una, el director debe escoger de acuerdo a un criterio acorde a lo que va transmitir, y en este sentido recuerdo que más que comenzar a sumergirme me distrajo, es como una canción que tiene una nota desafinada en algún lado pero nos sabes donde. No obstante, todo eso quedó atrás cuando aparece ea hermosa escena de la noche y las bellísimas nubes onduladas llena de dramatismo , que comienzan a moverse ,siempre ondulante, siempre en movimiento con una energía desbordante que cubren toda la pantalla asomando esa luna luminosa…hasta que aparece la ciudad bajo su manto…eso es de una belleza sin igual,esa sola escena esta llena de dedicación y de sentido artístico  .

Pero lo cierto es que todo se fue al carajo con el transcurrir de la película. El guión es muy pobre,fácil y poco consistente…un hombre que debe entregar la carta de su padre para Vincent pero a su vez no le interesa para nada esta persona,pero con el transcurrir de los minutos,sin lograr armar de una manera consistente la trama, este hombre reacio,adulto y pendenciero que tenía la convicción de entregar una carta a un don nadie, se da cuenta de improviso que está a punto de conocer a un artista excepcional, y de un minuto a otro se transforma en un acérrimo defensor de su memoria. Y muchos me dirán que que esperaba si hay poca información de la muerte de Van Gogh, porque de eso se trata, de echar alguna luz sobre el misterio de su muerte, y ahí se encuentra el error de todo, y está en la elección del genero , responsabilidad absoluta del los directores y escritores Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Quisieron proyectar una especie de triller o película de suspenso forense, algo completamente alejado del ámbito y del tema central: EL ARTE.

Para más remate, si bien hay escena muy bien elaboradas, tanto en ritmo y en secuencia de planos que no dejan de oscilar sus colores, que hablan de una atmósfera van goniana…en otras escenas hay planos que son de una tosquedad y rusticidad lamentable, como la escena del paraje de los cuervos, en donde toda esa cosa delicada y sutil de la pincelada siempre en movimiento…se transforma en un escenario pastoso y apelmazado, con una falta de cariño horrible, u otra escena como la barba del cartero, que son hermosa porque la barba de este personaje siempre permanece en un constante movimiento, pero en otras parece un trozo de cartón colgando de la cara, como el mejor dibujo infantil apurado…naturalmente esto lo atribuyo a dos factores: al pintor cinematográfico que si bien utilizaba la paleta del pintor,también tenía cierta libertad a la hora de plasmar, y en aquella libertad cometió errores groseros…y a la aprobación del director, que dejó pasar ese tipo de trabajo sin corrección alguna. Todo este tipo de detalles sumado a un guión muy débil, y a una banda sonora mal elegida  fueron confabulando y desembocando finalmente en la construcción de una obra visual que se iba perdiendo el interés lentamente… y entiendo perfectamente que a pesar de todo el esfuerzo empleado, por culpa de malas decisiones desde el comienzo del guión, de la mala elección del guión, todo el potencial y toda la gran idea , recayó finalmente en un resultado que no es malo pero que lamentablemente no alcanzó para ser lo que se prometía y merecía de sobra: una obra maestra.

Pero como ya me alargué en demasía en esta entrada, en la próxima ofreceré modestamente , lo que debieron haber elaborado desde el comienzo para  haber obtenido un resultado mucho mejor.

Errores en la edición de la traducción al español del libro Historia del Arte de Gombrich.

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Historia del Arte de Ernst Gombrich es un libro de una belleza inigualable, de una claridad diáfana que solo es posible y se logra a raíz de un dominio absoluto por parte de un  autor que ha estudiado a fondo una materia que se ha transformado en su leitmotiv en la vida.

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Ernst Gombrich nació en Viena, pero se trasladó a Gran Bretaña en la década del 30.

Esta obra que debe ser el mejor libro introductorio al arte, a la fecha lleva el récord de tener ocho millones de copias vendida en el mundo y traducida a 30 idiomas, ¿pero que tiene de especial ? lo que lo hace especial es la sencillez con que Gombrich explica, cuenta y narra el arte de la humanidad hasta nuestros días sin aburrir,su lenguaje es tan claro que uno puede ver reflejado su rostro  de manera impoluta en su superficie, la pretenciosa jerga de muchos autores que, por desgracia acusa una ignorancia suprema en ámbitos más importantes que lo académico, no se halla presente en esta obra. Este libro es una invitación a todos a comprender la evolución del arte tanto en lo pictórico como en la arquitectura. Y claro, uno como va entendiendo como una escuela o tendencia artística  muta, se transforma  y se enlaza con otra tendencia ,es tan asombrosa que dan ganas de seguir investigando.

El libro existe hasta donde tengo conocimiento, en tres formatos, uno es voluminoso y grande;el segundo es una edición de bolsillo en español (ignoro si hay versiones de bolsillo en los otros idiomas) y el tercero en formato digital.

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Ahora, el libro original esta escrito en alemán, que es la lengua materna del autor y de ahí las traducciones generosas a las demás lenguas. Maravilloso. Ahora bien, yo tuve la oportunidad de adquirir la versión de bolsillo(más económica naturalmente) pero es tan notable el libro que me la rebusqué para tenerlo en la versión grande. A pesar de tenerlo tantos años  recién en una relectura me percaté de dos errores en la redacción.

El error es tan nimio que creo yo no merece mucho tema, por lo demás es más importante la esencia de las cosas que el detalle , agregamos a este aspecto que  es molesto fijarse en ese tipo de errores ,como aquellos personajes que solo se fijan en los errores ortográficos de quien escribe interrumpiendo más que enseñando, ahora bien en realidad, el asunto me siguió dando vuelta y observando la naturaleza y la calidad de la obra, es un error garrafal que no entiendo como es que terminó pasando en alto a los profesionales.

Pensaba que el primer tomo fue escrito en alemán ,pensando el la lengua nativa del autor, pero el si bien nació en Austria en 1909 , se traslada a Gran Bretaña en 1936 realizando prácticamente toda su carrera en la nación inglesa. eco.jpgLo cual me saca del error absoluto ya que pensaba que la traducción del texto en español provino de no haberlo traducido directamente del alemán, que lo correcto es que la traducción de un libro a cualquier lengua siempre se parte de la lengua original en el que esta escrito . Y señalo que este debería ser lo más exacto, pues es algo que tiene un respaldo por parte de especialistas como  Umberto eco , que en su texto de “¿Cómo se hace una tesis? técnicas y procedimientos de estudio,investigación y escritura” en el cual señala que lo ideal es siempre beber de la fuente original y no de las traducciones. En mis manos tengo ,lo que cito textual del mismo libro de Gombrich:  “décimo sexta edición revisada y ampliada y rediseñada en 1995,reimpreso en tapa blanda en 1999,2007,2008,2009 “. A continuación se especifica que la traducción efectivamente se realizó a partir del inglés por Rafael Santos Torroella .  Ahora , como estimo tanto a Gombrich se me ocurrió culpar al traductor, pero en realidad la culpa es en absoluto de ellos, sino de otra u otras personas.

PI00098002.jpgPara poder entender que es lo que en realidad me molestaba de todo este asunto, se me ocurrió investigar un poco más por el ciberespacio, pero honestamente no encontré mucha ayuda al respecto, necesitaba algo más especifico y no tantas generalidades o información ambigua, así es que por esas cosas del destino, llegó a mis manos un libro impreso (la fuente más confiable que la información  de navegación ) que me aclaró muchas interrogantes y que recomiendo sin duda alguna , para todos aquellos que deseen entender la cadena de elaboración y producción de un libro impreso. Este libro es Manual de edición y automoción, de José Martinez de Sousa, 2 edición ,de ediciones Pirámide.

 

Por motivos de no extender y aburrir gratuitamente al lector, en la próxima entrada les contaré cuales son los errores que surgen en la lectura de Historia del arte , de  Ernst Gombrich , el libro más vendido de arte y más ameno del mundo.

 

 

 

El stultus o la cultura de la ignorancia: Séneca,Lettres a Lucilius,una lectura recomendada.

 

 

 

 

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El Stultus o la stultitia es una palabra en latín que si bien a quedado relegado a la esfera del lenguaje culto, hace alusión a un actuar que es por desgracia bastante recurrente hoy en día. La primera vez que me relacione con este concepto, fue en los escritos  de Séneca, en Lettres a Lucilius,tomo II,libro V.  también es conocido como Cartas de un Estoico,que es un compendio de 124 cartas escrita por el gran filosofo en los últimos 3 años de su vida,ya en la madurez y síntesis de todas sus ideas.

 

 

 

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Busto de Séneca, apréciese la calidad del detalle ,muy humano y cercano, sello indiscutible del estilo romano.

A modo de introducción antes de entrar un poco en materia, les referiré que el stultius hace alusión al comportamiento errático y totalmente disonante de aquellos que se vanaglorian de ser desubicados en las ocasiones que no deben serlo en absoluto, por ejemplo, no saber comportarse con recato en un funeral, no respetar el espacio privado de una persona que viaja en bus,molestando a través de la escucha de una música que nadie ,salvo el mismo, quiere escuchar;tirarse un pedo a propósito en una cena solo para reirse;rayar con garabatos las calles y casas (ojo, no me refiero al  graffitti , que es un arte urbano de lo más respetado y que ya se practicaba en los muros romanos hace siglos) sino me refiero a esas rayas sin sentido que dejaron de ser respetado y antisistema tag, simple vandalismo que le dan el toque de miseria a cualquier barrio; stultus también es la ignorancia o desidia de algunas personas que ostentan puestos altos en la política o en la empresa,que hacen alarde de como no saben cosas de sentido común, pero no les interesa porque el valor de su persona las suple con su situación económica acomodada y así, una infinidad de ejemplos. También podemos asociar el stultus con aquellas personas que dejan embarazadas a las mujeres que enamoraron y luego las olvida sin hacerse cargo alguno, es decir, huye de su responsabilidad y comete el mismo acto ,porque mientras más mujeres, más hombre. (obviamente que eso desencadena una serie de desafortunados errores en la linea de tiempo cada cual más grande como una enorme bola de nieve)

Stultus también es que empeña la palabra y promete y una vez conseguido el objetivo ya no me acuerdo. Particularmente en Chile, eso yo lo relaciono con la nociva cultura del “vivo”, del flaite, del choro. Es un signo bien distintivo de nuestra época en todo caso, basta ver muchos videos de youtuber que representan esa peligrosa manera de transcurrir y entretener.

 

A continuación transcribiré brevemente algunos extractos del texto del filosofo romano nacido en la España de entonces a modo de introducción:

Stultitia “… es algo que no se fija ni se complace en nada” (pag 134) …es una especie  de lugar común en la filosofia estoica; “cuando todavía no hemos cuidado de nosotros mismos, estamos en estado de stultitia..( )es el polo opuesto a la practica de sí”…¿qué es la stultitia? el stultus es quien no se preocupa por si mismo…( ) el stultus esta expuesto a todos los vientos,abierto al mundo externo “...(pag. 135)

…”como consecuencia de ello,el stultus es quien esta disperso en el tiempo,es quien no se acuerda de nada,quien deja que su vida pase,quien no trata de llevarla a una unidad rememorando lo que merece recordarse,y (quien no dirige) su atención,su voluntad,hacia una meta precisa y bien establecida.El Stultus deja que la vida pase y cambia de opinión sin respiro” (pag 136)

“la voluntad del Stultus es una voluntad que no es libre, es una voluntad que no es una voluntad absoluta. Es una voluntad que no siempre quiere ¿qué significa querer libremente? significa que lo que quiere,sin que lo que quiere esté determinado por tal o cual acontecimiento,tal o cual representación,tal o cual inclinación.Querer libremente es querer sin ninguna determinación…( ) el stultus quiere algo y al mismo tiempo lo lamenta” (pag 137) 

En definitiva ” es en esencia quien no quiere,quien no se quiere a si mismo,quien no quiere el yo”.

Los peligros de esta celebración de actuar , de enaltecer este modo de ser , de considerarlo a menudo como actos de entretenerse,radica que la sociedad actual ,para que siga funcionando de manera tal sin oposición, debe crear individuos precisamente de esa tónica: personas ignorantes de el entorno y de si mismo, personas que no se quieren a si mismas, hay una industria gigante que logra ocultar bajo su alfombra dicho proceder y que se retroalimenta una y otra vez, para ellos existe una industria sin fin de entretenimiento que nos fijan la atención en ellos y no en nosotros mismos,personas que no controlan su voluntad,que son permeables al medio externo, ese medio propagandístico que te señala como debes vivir, a que debes darle valor, a ese medio que te supredita a que la felicidad no nace de uno mismo sino de lo que posee y de lo que consumes, existe un ejercito de psiquiatras dispuestos a darle paliativos a aquellos insatisfechos en el alma cuya frustración no la reconocen porque están demasiado ocupados fuera de si mismos como para ver los errores en que incurren una y otra vez; en efecto, el stultus, la cultura del vivo, del roto con plata , del irresponsable,es sumamente destructiva y frustrante, arrastra el entorno y empobrece el medio en todo aspecto.

local-experts-scottsdale-best-hiking.jpgUn remedio para ello es bien sencillo y hay que realizarlo todos los días en lo ideal , para comenzar ubicarse en un lugar cómodo,puede ser el patio de la casa, un sillón favorito,un parque,una plaza,cualquier lugar donde uno pueda hacer una pausa, una pausa camino al trabajo o camino a la casa,desviar la vista del celular ,la televisión y o cualquier artefacto símil y guardar silencio, solo 5 minutos o menos, al principio es difícil porque estamos acostumbrados a poner nuestra atención en las redes sociales o en algún vídeo de entretenimiento…y eso señala lo increíble de nuestra situación, como si estuviéramos parasitados por un bacteria de conexión externa…pero pronto comenzamos a notar la propia respiración…lo demás viene por arte de magia.

“Un país es rico cuando tiene educación…”

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Escuché hace un tiempo atrás el extracto de una entrevista que, por desgracia, no manejo dato alguno de quien ni a quien se realizó, pero en mi defensa diré algo que si me libera de mi omisión informativa, que la verdad y las palabras de sentido común son tremendamente valiosas, y este valor no es más ni es menos según quien las profiere, porque esas palabras, aquellas que uno al escucharlas reconoce, en su interior, que tienen un mensaje especial, una carga distinta,un ritmo mágico, las que nos obliga a hacer una pausa, son emitidas desde la misma fuente que todos compartimos y devenimos. Nos pertenece a todos.

Esa frase la transcribo a continuación:

“…UN PAÍS ES RICO CUANDO TIENE EDUCACIÓN Y EDUCACIÓN PLENA ES EL CONOCIMIENTO QUE PERMITE LA PRACTICA DE UN RESPETO ILIMITADO...”

La educación no se obtiene en la universidad ni te la da una carrera ni las mejores notas, eso es una falacia, es el miedo que nos venden y socavan la confianza con la que nacemos. Pero ya que estamos en la rueda andando, intentaremos recuperar el sentido común desde las mismas filas internas:

Antes de abrazar el cartón de tu titulo…pregúntate si tu ejerces el respeto ilimitado, tanto hacia ti mismo como hacia los demás. Creo que cada uno es capaz de recordar haber conocido a personas que ostentan cargos de jerarquía y a la vez son tan desagradables que sin duda, son sumamente pobres.

Antes de desarrollar un trabajo, pregúntate si el impacto de dicho trabajo posee ese inmenso respeto que merece el entorno que lo involucra. Y esto va desde la génesis misma de su concepción hasta el acabado final.

Antes de plasmar una obra en su lienzo, pregúntate si estas dando el respeto necesario a dicho materiales empleados. El despilfarro de materiales que puedes usar en el desarrollo de una obra que tienes poco claro, por falta de concentración, por falta de meditación sincera en lo que realmente buscas y necesitas, es equivalente a tirar la basura a la calle.

Quizás en otro momento, hacer unos garabatos a la velocidad de la luz en cientos de hojas que terminan en la basura, por ejemplo, hasta dar con la forma y la idea buscada, en algún momento pudo no haber importado, porque había un planeta inmenso que rebosaba , que parecía infinito e ilimitado en sus recursos…pero ya no lo es.

En concreto, si comenzamos a practicar el respeto ilimitado, comenzaremos a sanar, sanar nuestro entorno más inmediato, a sanar las relaciones con los demás, a sanar nuestro planeta, a volver a escuchar la tremenda sabiduría que anida más allá de las palabras, de lo invisible y en definitiva, como por arte de magia, comenzaremos a despejar ese oscuro mar contaminado y con un poco de paciencia,veremos como el brillo de la paz que es invaluable,comienza a brotar generosa desde nosotros..

Respeto ilimitado.

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Detalles evocadores del hermoso cuadro Terraza de café por la noche, de Van Gogh.

Existe cierto consenso con incluir dentro de las 100 mejores pinturas del siglo XX , varias obras de Van Gogh, el genio de ARLÉS se matricula con varias de sus obras , entre retratos,autoretratos y paisajes. Menuda sorpresa me llevé constatar que una de esas obras maravillosas , tan populares, tan pertenecientes al tejido social y cultural de nuestra época, tan Vangohniana,no esté firmada por el gran pintor, me refiero a “Terraza de café por la noche.”

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Terraza de café por la noche Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1888 Museo: Museo Kröller Müller Características: 81 x 65´5 cm. Estilo: Neo-Impresionismo Material: Oleo sobre lienzo

En efecto , esta hermosa obra tiene varios detalles peculiares que la hacen amarla aun más. La autoría de la obra puede saltar a simple vista por la técnica inconfundible, pero lo cierto que la aseveración esta respaldada en tres cartas escritas por Van Gogh, quien menciona la elaboración y existencia de dicho cuadro.

El otro detalle sabroso, es que este es el primer cuadro en que el gran Van Gogh pinta las estrellas que tantas evocaciones maravillosas despertarían a lo largo de los años.

“Aquí tienes una pintura nocturna sin nada de negro en ella, hecha con nada más que hermosos colores azul y violeta y verde, y amarillo limón. Me divierte enormemente pintar la noche en el sitio mismo. Los pintores solían dibujar y pintar el cuadro de día basándose en el tosco apunte. Pero yo encuentro satisfacción pintando las cosas directamente.

Por supuesto, es verdad que en la oscuridad puedo tomar un azul por un verde, un azul-lila por un rosa-lila, porque no puedes distinguir correctamente el matiz del color.

Pero es la única manera de librarse de las escenas nocturnas convencionales con sus pobres luces blanquecinas pálidas, mientras que una simple vela ya nos da los tonos más ricos amarillos y naranjas.”

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

Existe un posible antecedente inspirador para esta maravillosa obra, me refiero a la pintura de Louis Anquetin,”La Avenida  de Clichy,a las cinco de la tarde” pintada en 1887, un año antes de la obra de Vincent. anquetin

Louis Anquetin conoció a Van Gogh en el taller del pintor Fernand Cormon, durante la breve estancia en París. La obra de Anquetin pertenece a la corriente del “Cloisonnismo”, estilo que fue desarrollado por Emile Bernard, a quien conoció también en el taller de Cormon, este estilo hunde sus raíces en el japonismo. Presumo que lo que captó la atención del genio de Arlés, son los colores que contrastan en el azul y el amarillo limón, las luces de los escaparates siempre han presentado una alegoría ineludible para al artista solitario que camina soñando por las calles atestadas de gente. Existe una brecha simbólica en retratar estos escaparates llenos de luz jovial y cálida y el frío exterior de una inmensidad salvajemente azul y oscura. No obstante, a diferencia de Anquetin, Van Gogh plasmó las brillantes estrellas como comunión ante aquello tan silvestre y natural como es la naturaleza.

Estebel ami hermoso cuadro se entrecruza con la literatura, todo buen artista siempre debe nutrirse constantemente, esta fascinación romántica, tan romántica en todo el esplendor del romanticismo como genero, lo describió ese oso enorme de la literatura francesa , Guy de Moupassant en su novela “Bel Ami”. “Los grandes cafés llenos de gente rebosaban sobre la acera, mostrando su público de bebedores bajo la luz brillante y cruda de los escaparates iluminados”.

Naturalmente, por esas cosas increíble que tiene la vida, Vincent leyó la obra de Moupassant, la impresión, tan entrelazada con esta obra , queda registrada en otra carta:“Hasta el momento no me has dicho si has leído Bel Ami de Guy de Moupassant, y lo que en general piensas de su talento ahora. Te digo esto porque el inicio de Bel Ami viene a ser una descripción de una noche estrellada en París con los cafés iluminados del Boulevard, y esto es aproximadamente el mismo motivo que yo acabo de pintar.

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

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Plaza Forum de Arlés,Francia. La imaginación de los artistas dotan un bello lugar en una imagen de ensueño.

Listado de pintores impresionistas.

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Impresión,sol naciente. Claude Monet. apréciese el tremendo y loco salto en la tradición visual europea.

Las vanguardias pictóricas del siglo XX se entrecruzan en muchas ocasiones, a veces un pintor que es reconocido por formar parte de cierta tendencia artística, a menudo perteneció a otras escuelas , tanto como parte de la evolución personal y la búsqueda interna de su expresividad, como del desencanto propio de una época convulsa que no daba tiempo para que  nada fructificase. Lo que antes duraba siglos , la era moderna traía como sello distintivo la vaporoso,lo transitorio y lo perecedero.  Es así que muchos pintores impresionistas derivaron naturalmente hacia el posimpresionismo, sin recabar más allá de las diferencias de ambas tendencias, (por ahora) como de las razones de fondo y forma que permitieron la transformación del impresionismo primero, dejaré una lista de los pintores que son considerados como pertenecientes al impresionismo, como estilo y no como el grupo de pintores que expusieron en el estudio del fotógrafo Félix Nadar por primera vez  en abril de 1874, en París.

La razón de este listado, es naturalmente,tener un mapa mental más preciso.

IMPRESIONISTAS. (como estilo general )

CLAUDE MONET                   (1840-1926)

PIERRE AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

EDGAR DEGAS                      (1834-1917)

CAMILLE PISARRO                (1830-1903)

ALFRED SISLEY                      (1839-1899)

BERTHE MORISOT                 (1841-1895)

PAUL CÉZANNE                       (1839-1906)

JEAN-FRÉDERIC BAZILLE       (1841-1870)

GUSTAVE CAILLEBOTTE         (1848-1894)

MARY CASSATT                       (1844-1926)

AUGUSTE RODIN                     (1840-1917)

MEDARDO ROSSO                   (1858-1928)

Joanna Estep: “Si expresas o revelas verdades y creencias personales con el manga,yo lo llamaría arte”

joannafotoJoanna Estep es escritora, dibujante e ilustradora, oriunda de Dayton, Ohio,USA. Joanna  se recibió de la carrera de Diseño Gráfico, ella aparece en la página 94 del libro compilatorio MUNDO MANGA ,100 artistas,1000 secretos profesionales,de editorial Promopress.

Es interesante hacer la relación de ella con el profesionalismo con el cual a incursionado en el hermoso del arte secuencial del comic y del manga, la misma carrera de diseño gráfico es una valiosa herramienta sin duda que le a aportado un desarrollo de posibilidades técnicas,expresivas, tanto en lo que atañe en el aspecto netamente de expresividad gráfica como de formato.

Veamos que cosas tiene de interesante y que sin duda son tips a imitar para todo aquel que quiere seguir perfeccionarse en lo que hace y se dedica,independiente del ámbito :

Joanna comenzó a dibujar manga cuando fue elegida para ilustrar la trilogía Roadsong, escrito por Allan Grossy publicado  por  TokyopopJoanna es una artista perfeccionista, se tituló de lengua japonesa, que mejor que indagar de las mismas fuentes , siguiendo el genial consejo del maestro Umberto Eco, en su libro “Como hacer una tesis“, el cual señala que lo ideal es leer las fuentes sin traducciones ,directamente de la lengua.

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Una de las preguntas que le hacen en el libro resume el patrón de su obsesión y modus operandi de esta genial ilustradora.

-“¿de donde proceden las ideas para tus dibujos?¿cómo haces tu trabajo?

R:Mi mejor inspiración proviene de leer libros y ver películas. Y cuando tengo una idea,suelo investigar en Internet o visitar la biblioteca para tener una mejor referencia visual”

Una de las grandes falencias de la generación visual de hoy, es su resistencia a leer libros completos y a temas de investigación, el universo de diseñadores e ilustradores que amen leer o escribir son más bien reducidos, por lo cual, este tipo de artista al complementar esas cualidades en su desarrollo profesional le aporta una dimensión más a la creatividad.

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Es posible hallar en sus dibujos el grado perfeccionista ,los detalles , las sombras se ve rigurosidad y observación plena; su entintando es espectacular, como el manejo de las luces y sombras, así mismo, no se  queda atrás lo más importante de la ilustración, el mensaje conceptual de la imagen.

“Joanna escribió y diseñó la sincronización manual: Expresiones de tiempo en Sequential Art and Design, que recibió el premio Charles Logan Smith por la excelencia en el diseño” , y recibió el premio SPACE por sus trabajos de arte secuencial.

Me maravilla, en lo personal, el grado de inmersión y dedicación que muchos optamos como estilo de vida, absolutamente llenador y redentor. Debemos hacer siempre la diferencia.

El tiempo sobra para los artista obsesivos.

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Las fechas de Federico Pietrella, un artista que registra el tiempo.

1-Federico-Pietrella-StampEl trabajo de este asombroso y obsesivo artista italiano es un verdadero arte, en el se conjuga varios aspectos que logran llamar la atención de su obra, entendemos que en muchos sentidos una obra se juzga por su resultado, por el acabado , en este caso, si apreciamos bien un cuadro de Pietrella , no podemos evitar evocar una atmósfera de nostalgia sorda, ya sea por la relación entre el tema escogido a ilustrar , (calles semideserticas, en donde la presencia del hombre acentúa la extraña soledad de la vida urbana , eso por un lado, y por el otro relacionar  la estética de la técnica propiamente tal, Pietrella emplea blanco y negros, dotando de una luz difusa e inconexa que amplia esa sensación de silencio visual, de quietud)

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Ahora bien, al igual como ocurre con muchas obras, una observación detenida de los mismos, nos puede entregar una mayor información , pero esta información no es solo datos fríos , sino que aquí comienza en muchos casos, la verdadera relación entre el espectador /observador y lo que el autor nos a entregado .

Al igual que ocurre con Georges Seurat, en donde un zoom de la superficie nos revela en primera instancia la composición basada en el puntillismo, con Federico Pietrella ese zoom nos revela que el trazo esta basado  en el uso inusual de un sello postal.

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El timbre postal tiene ingresado la fecha del día en que el artista se encuentra ejecutando el dibujo, el cual transforma la aplicación en una especie de lienzo que rinde homenaje al tiempo y al instante. La habilidad y el talento están presente tanto en la concepción filosófica como en la elaboración material, a pesar de utilizar un sello de fechas y no pincel, el resultado es de un hiperrealismo asombroso.

Para que el cuadro resulte, las soportes deben ser de gran formato, lo cual determina automáticamente el tiempo que tarda en completar una obra, que tarda aproximadamente dos meses, eso es comprobable ya que como Pietrella trabaja con la fecha del día, se puede apreciar todas las fechas de los días empleado desde el comienzo hasta que acaba; también a través de esta manera de trabajar es posible apreciar como la composición del cuadro, es decir, por cuales zonas comienza y por cuales finaliza.

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El artista que actualmente trabaja en Berlín, sus cuadros pueden cotizarse aproximadamente dentro de los  €20 mil por pieza. Increíble trabajo ¿ verdad?

Martin Kippenberger:”yo no puedo cortarme una oreja todos los días”

“Yo no puedo cortarme una oreja todos los días, hacer de Van Gogh aquí, de Mozart allí. Ya cuesta trabajo examinar aquí una y otra vez lo que uno realmente hace”

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Esta frase pertenece al artista alemán Kippenberger, (Dortmund 1955-Viena 1997) quien dejó una huella profunda en la década de los 90 en la esfera del arte.Su trabajo tiene como rasgo distintivo su increíble búsqueda de medios de expresión para volcar su imaginación, su discurso critico y provocador .

Abordó su obra polifacética empleando medios tales como el dibujo,esculturas, cuadros,instalaciones y libros de artista, en todas ellas la provocación siempre estuvo presente, la polémica como herramienta de critica social, el cual traía aparejado la ofensa naturalmente. Una de sus obras más conocidas es la de un sapo crucificado. Siendo honesto esta obra habría que extrapolarla a aquellos años , en donde las imágenes y la cultura de crudeza visual que inunda las pantallas rápidas y táctiles  de esta modernidad hiperconectada de ahora, no era tan obvia ni tan permisiva en ese entonces, de ahí su impacto. Kippenberger se enmarca dentro del movimiento artístico Neuel Wilde, que irrumpió en la década del setenta y se extendió hasta fines de los ochenta.

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El trabajo de todo artista es analizable o abordable desde muchas aristas , a veces llama la atención una obra y no otra, en particular, en este instante, me llama la atención la frase que da titulo a esta entrada, hace un tiempo había escrito sobre el populismo de Van Gogh, que esta tan arraigado dentro de nuestra cultura actual como un objeto de consumo que da cierto status o nivel cultural de quien esta familiarizado en algo con su obra. El cliché de cortarse la oreja , cuya veracidad de los echos en cuanto al motivo real por el cual se cortó la oreja o si se la cortó su amigo Gauguín permanecerán en el misterio, siempre es el gráfico de lo atormentado que debe ser un artista “real”.

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Ignoro el contexto de la expresión de esta frase, presumo que dada la naturaleza confrontacional y polémica de su autor, haya visto el tema de la oreja como una estrategia para llamar la atención de los medios, o una analogía de lo que son capaces muchas personas para poder sobresalir con su trabajo. Personalmente pienso que este enfoque es bien hijo de nuestro tiempo, a saber: llamar la atención a toda costa primero y no como resultado natural de un trabajo personal y critico, en suma , de una vida comprometida.

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Insisto, en muchas ocasiones, un artista es un chamán , un vehículo que contiene el espíritu de un mundo instintivo y salvaje, muy propio del hombre, que se manifiesta utilizando las herramientas culturales del momento, con los soportes y medios producidos desde la naturaleza más primordial, como son los pigmentos y otras materias, transformados en artículos de uso masivo , cada vez más tecnológico, cada vez más alejado de “un ensuciarse las manos”, pero que sirven para mostrar al mundo , cruzando el entretejido de estas sociedades complejas y “modernas”, que el hombre posee una parte de una naturaleza profundamente irracional e ilógica, no obstante, de mucha energía y es la fuente de su alegría y realización, todo ello, a través del arte.

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