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Detalles evocadores del hermoso cuadro Terraza de café por la noche, de Van Gogh.

Existe cierto consenso con incluir dentro de las 100 mejores pinturas del siglo XX , varias obras de Van Gogh, el genio de ARLÉS se matricula con varias de sus obras , entre retratos,autoretratos y paisajes. Menuda sorpresa me llevé constatar que una de esas obras maravillosas , tan populares, tan pertenecientes al tejido social y cultural de nuestra época, tan Vangohniana,no esté firmada por el gran pintor, me refiero a “Terraza de café por la noche.”

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Terraza de café por la noche Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1888 Museo: Museo Kröller Müller Características: 81 x 65´5 cm. Estilo: Neo-Impresionismo Material: Oleo sobre lienzo

En efecto , esta hermosa obra tiene varios detalles peculiares que la hacen amarla aun más. La autoría de la obra puede saltar a simple vista por la técnica inconfundible, pero lo cierto que la aseveración esta respaldada en tres cartas escritas por Van Gogh, quien menciona la elaboración y existencia de dicho cuadro.

El otro detalle sabroso, es que este es el primer cuadro en que el gran Van Gogh pinta las estrellas que tantas evocaciones maravillosas despertarían a lo largo de los años.

“Aquí tienes una pintura nocturna sin nada de negro en ella, hecha con nada más que hermosos colores azul y violeta y verde, y amarillo limón. Me divierte enormemente pintar la noche en el sitio mismo. Los pintores solían dibujar y pintar el cuadro de día basándose en el tosco apunte. Pero yo encuentro satisfacción pintando las cosas directamente.

Por supuesto, es verdad que en la oscuridad puedo tomar un azul por un verde, un azul-lila por un rosa-lila, porque no puedes distinguir correctamente el matiz del color.

Pero es la única manera de librarse de las escenas nocturnas convencionales con sus pobres luces blanquecinas pálidas, mientras que una simple vela ya nos da los tonos más ricos amarillos y naranjas.”

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

Existe un posible antecedente inspirador para esta maravillosa obra, me refiero a la pintura de Louis Anquetin,”La Avenida  de Clichy,a las cinco de la tarde” pintada en 1887, un año antes de la obra de Vincent. anquetin

Louis Anquetin conoció a Van Gogh en el taller del pintor Fernand Cormon, durante la breve estancia en París. La obra de Anquetin pertenece a la corriente del “Cloisonnismo”, estilo que fue desarrollado por Emile Bernard, a quien conoció también en el taller de Cormon, este estilo hunde sus raíces en el japonismo. Presumo que lo que captó la atención del genio de Arlés, son los colores que contrastan en el azul y el amarillo limón, las luces de los escaparates siempre han presentado una alegoría ineludible para al artista solitario que camina soñando por las calles atestadas de gente. Existe una brecha simbólica en retratar estos escaparates llenos de luz jovial y cálida y el frío exterior de una inmensidad salvajemente azul y oscura. No obstante, a diferencia de Anquetin, Van Gogh plasmó las brillantes estrellas como comunión ante aquello tan silvestre y natural como es la naturaleza.

Estebel ami hermoso cuadro se entrecruza con la literatura, todo buen artista siempre debe nutrirse constantemente, esta fascinación romántica, tan romántica en todo el esplendor del romanticismo como genero, lo describió ese oso enorme de la literatura francesa , Guy de Moupassant en su novela “Bel Ami”. “Los grandes cafés llenos de gente rebosaban sobre la acera, mostrando su público de bebedores bajo la luz brillante y cruda de los escaparates iluminados”.

Naturalmente, por esas cosas increíble que tiene la vida, Vincent leyó la obra de Moupassant, la impresión, tan entrelazada con esta obra , queda registrada en otra carta:“Hasta el momento no me has dicho si has leído Bel Ami de Guy de Moupassant, y lo que en general piensas de su talento ahora. Te digo esto porque el inicio de Bel Ami viene a ser una descripción de una noche estrellada en París con los cafés iluminados del Boulevard, y esto es aproximadamente el mismo motivo que yo acabo de pintar.

Traducción de la carta a Wilhelmina van Gogh (W. 7).
Arlés, 9 y 16 de septiembre de 1888

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Plaza Forum de Arlés,Francia. La imaginación de los artistas dotan un bello lugar en una imagen de ensueño.

Martin Kippenberger:”yo no puedo cortarme una oreja todos los días”

“Yo no puedo cortarme una oreja todos los días, hacer de Van Gogh aquí, de Mozart allí. Ya cuesta trabajo examinar aquí una y otra vez lo que uno realmente hace”

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Esta frase pertenece al artista alemán Kippenberger, (Dortmund 1955-Viena 1997) quien dejó una huella profunda en la década de los 90 en la esfera del arte.Su trabajo tiene como rasgo distintivo su increíble búsqueda de medios de expresión para volcar su imaginación, su discurso critico y provocador .

Abordó su obra polifacética empleando medios tales como el dibujo,esculturas, cuadros,instalaciones y libros de artista, en todas ellas la provocación siempre estuvo presente, la polémica como herramienta de critica social, el cual traía aparejado la ofensa naturalmente. Una de sus obras más conocidas es la de un sapo crucificado. Siendo honesto esta obra habría que extrapolarla a aquellos años , en donde las imágenes y la cultura de crudeza visual que inunda las pantallas rápidas y táctiles  de esta modernidad hiperconectada de ahora, no era tan obvia ni tan permisiva en ese entonces, de ahí su impacto. Kippenberger se enmarca dentro del movimiento artístico Neuel Wilde, que irrumpió en la década del setenta y se extendió hasta fines de los ochenta.

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El trabajo de todo artista es analizable o abordable desde muchas aristas , a veces llama la atención una obra y no otra, en particular, en este instante, me llama la atención la frase que da titulo a esta entrada, hace un tiempo había escrito sobre el populismo de Van Gogh, que esta tan arraigado dentro de nuestra cultura actual como un objeto de consumo que da cierto status o nivel cultural de quien esta familiarizado en algo con su obra. El cliché de cortarse la oreja , cuya veracidad de los echos en cuanto al motivo real por el cual se cortó la oreja o si se la cortó su amigo Gauguín permanecerán en el misterio, siempre es el gráfico de lo atormentado que debe ser un artista “real”.

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Ignoro el contexto de la expresión de esta frase, presumo que dada la naturaleza confrontacional y polémica de su autor, haya visto el tema de la oreja como una estrategia para llamar la atención de los medios, o una analogía de lo que son capaces muchas personas para poder sobresalir con su trabajo. Personalmente pienso que este enfoque es bien hijo de nuestro tiempo, a saber: llamar la atención a toda costa primero y no como resultado natural de un trabajo personal y critico, en suma , de una vida comprometida.

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Insisto, en muchas ocasiones, un artista es un chamán , un vehículo que contiene el espíritu de un mundo instintivo y salvaje, muy propio del hombre, que se manifiesta utilizando las herramientas culturales del momento, con los soportes y medios producidos desde la naturaleza más primordial, como son los pigmentos y otras materias, transformados en artículos de uso masivo , cada vez más tecnológico, cada vez más alejado de “un ensuciarse las manos”, pero que sirven para mostrar al mundo , cruzando el entretejido de estas sociedades complejas y “modernas”, que el hombre posee una parte de una naturaleza profundamente irracional e ilógica, no obstante, de mucha energía y es la fuente de su alegría y realización, todo ello, a través del arte.

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El populismo acerca de Van gogh y una vuelta de tuerca.

He estado un poco perdido de escribir, imagino  yo que los silencios que transcurren entre las actividades obedece más que a una falta de motivación, corresponde a una metamorfosis que ocurre a nivel inconciente, intimo, privado en la mente de quien escribe. Sería imposible escribir constantemente, buscando resultados de reflexión en los otros, en los lectores, sin pretender que ningún cambio experimenta quien ejecuta el escrito, la labor del autor…

Autoretrato 1889
Autoretrato 1889

Caminaba el otro día con un compañero de trabajo a la hora de almuerzo por un mall hasta detenernos en una vitrina de una librería, en su escaparate figuraba y sobresalía muy llamativo, un libro gigante cuya portada asomaba el rostro de Van Gogh, tonos fragmentados azules y amarillos , muy típico de las pinceladas nerviosas del genio de Arlés, llamaban inmediatamente la atención. MI compañero me dice : “es Van Gogh”¡ nos quedamos un instante observando la vitrina, pensaba que en realidad las obras del artista están entretejidas en nuestra cultura, se me viene a la mente  sabanas  y frazadas de sus obras, tazones, folletos,reproducciones digitales, afiches , novelas, películas. Creo poder afirmar sin temor a equivocarme que TODOS son capaces de reconocer sus obras, independiente si saben los respectivos títulos o bien han visto una de sus obras sin saber quien lo pintó, mi compañero es uno más de esos observadores, pero me hizo una pregunta que no e escuchado de los admiradores de su obra, y que creo que muy pocos son capaces de formularse la misma pregunta: “¿y que hizo Van Gogh que es tan famoso?”. debo admitir que esa pregunta es muy interesante, sencilla e importante, importante porque siempre es el comienzo para abrir una puerta que nos lleva a caminos intransitados llenos de sorpresas. A menudo creemos saber algo solo por el hecho de mencionar el titulo del tema.

Para entender el impacto de su obra y de por qué es tan conocida, preciso es viajar, con el poder de la imaginación , a través del tiempo. En palabras simple comencé a contarle más que explicarle:

Van Gogh es parte de un movimiento que cambió la manera en que se venía pintando durante siglos, imaginémonos esos cuadros que describían una situación de manera detallada y fiel, en donde el realismo de lo que se observa era la norma, el detalle y la fiel representación, muy similar a una fotografía, tenía como fin registrar la historia, la historia pasada y la que transcurría en tiempo presente. Y de pronto, aparecen unos jóvenes artistas cuyas obras llenan de un color inusual el lienzo. Son colores vivos, encendidos, y ya no describen la fiel realidad de los objetos y de lo que se veía, ahora pintan sobre los que le provoca  lo que ven¡ ¿te das cuenta del tremendo cambio? ¿de la tremenda revolución?

Estos pintores que recibieron la denominación de “impresionistas“, a raíz de una critica peyorativa de una exposición en abril de 1874, realizada por un grupo de pintores marginados y frustrados, quienes decidieron y comprendieron que no tenían un espacio para el arte de ese entonces, realizaron una exposición en conjunto. La exposición se realizó en el estudio de fotografía de Felix Nadar. Fueron treinta los expositores quienes participaron en París. Imaginémonos un grupo de  jóvenes rebeldes y decididos,quienes están marginados por su propia época y entorno, son vistos como malos artistas o artistas mediocres, carente quizás de la técnica necesaria para realizar realismo o naturalismo. Es loco el tema.

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Claude Monet

El publico de entonces, naturalmente, apreció esta exposición con sentimientos encontrados, ya la sociedad estaba cambiando a grandes pasos producto de la revolución industrial, las clases sociales se fragmentaban a una velocidad desastrosa para formar un nuevo panorama social, y el arte también participaba de esta mutación. Sospecho que el publico de aquella época estaba , aunque a nivel inconsciente, preparado para esta nueva visión artística. Debió ser confuso y asombroso a la vez contemplar esos cuadros lleno de manchas que no señalaban nada real,pero que si provocaban sensaciones, aquí el juego pasaba de apreciar el arte en el terreno intelectual a apreciar las obras a un nivel subjetivo de sensaciones, e ahí la confusión que provocó en el publico. La prensa, por su parte, fue sumamente condenatoria al respecto, cruelmente sarcástica en sus criticas. De echo, la obra de Monet: “impresión , sol naciente” , aparentemente nació del sarcasmo del critico Louis Leroy al conocer el titulo de esta obra. Aunque Monet  después, narraría que el nombre se debió a un error de él, por falta de precisión para titular ese catalogo.

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“IMPRESIÓN, SOL NACIENTE” de Claude Monet. 1872-1873
MARINA ESCUELA HOLANDESA SIGLO xVIII
Marina de la escuela holandesa , siglo XVIII. Apréciese las diferencias entre un tipo de cuadro de apenas unas décadas antes y la propuesta nueva de subjetividad pictórica.

El fondo de este asunto radica en que estos artistas simplemente querían graficar la impresión que produce las escenas, los cambios suscitados en la París de ese mediados de siglos, de una ciudad que pasaría a ser la primera ciudad moderna del siglo XIX , transformó todo acontecer en una secuencia fugaz, los cambios eran vertiginosos, el mundo bullía por debajo acelerado, todo era en cierta manera efímero, por tanto , retratar la fugacidad y atrapar esa sensación fue el eje de la teoría. La luz es la principal acción que tiene toda pintura , sin luz no hay color. Y ese estudio de la luz era preocupación de los primeros impresionistas. ¿No es esa sensación de fugacidad, de dilución, de desaparición  algo muy actual?

Y tan importante pasó a ser la luz para aquellos impresionistas que se perdió la figura. Van gogh, como Gauguin y otros, recuperaron lo figurativo sin perder de foco la sensación. Importante era estudiar las propiedades de la luz, el color, la linea , la forma, Van Gogh tiene el doble peso, de pertenecer a la corriente de la primera tendencia en el arte cuyos atributos están cimentados en la libertad de expresión, en la libertad pictórica que es la propiedad principal del actual arte; y su otro rasgo distintivo es ser una figura trágica y romántica; hay mucho de tragedia en los precursores y soñadores, al fin y al cabo, los seres humanos somos realmente vehículos de fuerzas y de una energía que la ciencia aun no puede descifrar. Uno ve un cuadro de Van Gogh y podemos ver una obra justo en el medio entre una obra naturalista , reconocible sus elementos y la sensación que intentó capturar el pintor. En ese sentido pareciera ser que los postimpresionistas, es decir aquellos que se rebelaron dentro del grupo original para rescatar la función de la figura , fuera la verdadera transición entre la tradición clásica pictórica y todas las vanguardias que vendrían después.

Si tu tienes un pincel y decides pintar cualquier cosa, de acuerdo a lo que tu ves y de lo que tu crees, recuerda que fueron estos pioneros los que abrieron la brecha en la historia.

Una frase del maestro Paul Cezanne: “No hay que pintar lo que nosotros creemos que vemos, sino lo que vemos.”

“No hay que pintar lo que nosotros  creemos que vemos, sino lo que vemos.”

Esta sencilla frase encierra una verdad indiscutible a la vez que compleja, cuando somos niños nos expresamos de manera espontánea, dibujamos sin cesar , la palabra filtro prácticamente no existe en la expresividad volcada en el papel: las montañas pueden albergar peces y en el mismo sol pueden nadar los peces, los arboles son celestes, el pasto esta lleno de flores de los más variados colores, y las personas, como en los dibujos de la época medieval inicial, su tamaño está relacionado con la importancia y presencia que tienen aquellos en la vida  de los pequeños autores. Ese es el mundo como lo ven estas pequeñas personitas. Solo el tiempo , en la medida que van creciendo, van “aprendiendo” a pintar como se supone que debe ser: en las montañas no nadan los peces, menos en el sol; los arboles no son naranjos ni infinitamente largos, y las personas deben medir de acuerdo a las proporciones establecidas por los puntos de fuga y la linea del horizonte. Asi, el niño, que es una potencia creadora , en cuanto esta conectado con sus propios sentimientos, va perdiendo esa mirada única y va “aprendiendo” las cosas referente al mundo. De pronto, las luces de las estrellas ya no se ven tan luminosas como antes, el tiempo ya no se detiene tan a menudo para mostrarnos los pequeños detalles de colores que pueden componer un día, (el tiempo ahora solo se detiene, a veces, cuando nos enamoramos). Y lo que antes era tan sencillo de poder ver, ahora ya no vemos nada.

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Por eso Van Gogh o Gauguín son tan geniales, porque ellos fueron fieles a lo que vieron, no pintaron nada extraordinario , no inventaron una forma inexistente, pintaron lo trivial y lo cotideano como ellos lo percibían. Abandonaron la venda de la cultura tradicional en que ambos fueron educados, adiestrados y mutilados, y se conectaron con sus emociones y la fuente misma del sentir, inagotable que es la misma fuente con que los niños llegan de imprevisto a este mundo, portadores de sueños y de un secreto .

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Cuando pintamos un cuadro o realizamos alguna labor, muchos pensamientos tiende a inundarnos, ¿será aceptable? ¿está de acorde a las tendencias del mercado? ¿pertenece a la moda? ¿llamará la atención? ¿causará algún impacto? ¿esta correcto su ángulo, proporciones y texturas?

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Para poder pintar lo que efectivamente vemos, primeramente hay conocerse a si mismo, tratar de entender que es lo que vienes a hacer en esta vida, siempre es un trabajo introspectivo, saber las cosas que hemos perdido en la vida y porque las perdimos, recordar la fascinación inicial de la vida, aquellos sueños que nos motivaban desde pequeños y recuperar la intensidad de la vitalidad de entonces; recordemos que los colores no existen en la naturaleza, todo es percepción, dos amantes pueden detenerse a contemplar juntos una puesta de sol, pero les aseguro que el amarillo y el naranjo , de aquel sol aterrizando en la noche posible que lentamente comienza a izar su vuelo, son diferentes de tonos. Saber tu misión en la vida, recuperar la comunión con la naturaleza y el flujo vital , hallar el lugar en el mundo, es la misión de toda persona que debe retornar del extravío de la inteligencia y las necesidades creadas del ego y de la sociedad de consumo.

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Pintar lo que ves , lo que realmente ves, implica sacarse la venda de los ojos nuevamente, hacerlo requiere valentía y decisión, no es solo un acto en particular, involucra obtener una visión del mundo que posiblemente será distinto a la del resto, los artistas son especiales, los verdaderos artistas, los poetas locos, los pintores soñadores, los músicos fieles, aquellos que componen y tocan con los ojos cerrados, son los que se hacen a un costado del camino y de la masa, porque todos pertenecemos a un conjunto superior y nuestra relación primordial y final, esta basado en el intercambio de energía con nuestro entorno y con otros seres. La naturaleza mostrará sus secretos escondidos aquellos que quieran verlas, todo tiene un costo, pero una vez que decides abrir tus ojos y atreverte a mirar desde ti mismo, no querrás volver nunca más a la oscuridad.

Ilustraciones con barra pasteles. OJOS.

Ayer cambié la cabecera del blog, creo que es identificable que esa mirada pertenece a los ojos intensos y expresivos del genio de Van Gogh. Si se detienen un instante, pueden apreciar la textura del papel,ese papel se llama opalina. La característica de la opalina, es que tiene un suave entramado que forma una red, tiene textura, aunque es suave. La escogí precisamente por la textura, ya que dibuje con barritas pasteles, usé dos marcas :

-Cretacolor, (pastel carré/ pastellkreiden)

-Sakura.

-Lapices policromo Faber-Castell  para detalles.

Son hermosos y es fantástico ensuciarse las manos, a menudo uso la yema de los dedos para distribuir el color. Aquí les dejo un par de trabajos, el primero es para gráficar el tamaño que tienen, espero que les agrade y comenten.

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El origen del cartel Moderno ,parte 1

 

¿Por donde comenzar? los inicios del cartel moderno  se confunden en una época azarosa de Europa, fue a partir de comienzos de siglo XX que la era moderna y su ritmo insuflaron de una velocidad distinta la vida en general, de todas formas , una velocidad que venía impulsada por la revolución industrial del siglo anterior. ¿Por donde comenzar ? tal vez un buen comienzo sea referirse a Henri Marie Raymond Toulouse-Lactrec que nació en Albi en 1864 y fue pintor , grabador y dibujante.

A él se le inserta o identifica con el posimpresionismo

Era de origen noble, nació en un castillo tremendo  y las tradiciones aristocráticas , que eran muy comunes en las epocas anteriores, utilizaban la endogamia para evitar que la fortuna familiar se dispersase , por tanto los padres de Henri eran primos,causando como consecuencia que naciera con deformaciones, su constitución física eran tan debil que sufrió fracturas en ambos femures  y ese accidente causó que no pudiera crecer más alla del 1,52 de estatura.

 

Castillo de Albi.

 

Castillo de Albi.

Toulouse se fue a Paris en 1880 para ser pintor,  su primer maestro fue Leon Bonnat , que se especializaba en el retrato de moda, pero dos años después, cuando cerró el taller , tuvo por maestro a Fernand Cormon, lo interesante de estos datos , es que fue en este taller en donde se hizo amigo de Vincent Van Gogh, quien contaba con 32 años aproximadamente (Toulouse tenía entonces 18 años).

 

NOTAS AL MARGEN: León Bonnat: fue un pintor que se le identifica dentro de la corriente del realismo pictórico, nació en Bayona y estuvo aun tiempo en Madrid , en donde tuvo a maestro a MADRAZO.
causó escándalo por su estilo ya que se alejaba de lo  tradicional que era de la escuela de Ingres y prefirió un estilo más juvenil , inspirado por lo oscuro y tenebroso de Caravaggio  y José de Ribera. Y al igual que Caravaggio , en los temas biblicos retrataba a los personajes como personas ordinarias , toscas y a veces, de aspecto desagradable.Dentro de sus alumnos  , también tuvo a Braque, a Munch, Coffin y a Edson.

 

Muerte de Ravana (1875)

NOTAS AL MARGEN:Fernand Cormonn:fue pintor francés, conocido como Fernand-Anne Piestre, fue uno de los principales pintores de temas históricos de Francia moderna,causó impacto por su estilo  sensacionalista, ya que gustaba realizar escenas de batallas en donde la sangre y la crudeza estaban en primer plano.

El desesperado, Coubert.

NOTAS AL MARGEN:REALISMO PICTÓRICO: es un movimiento artístico que también se hizo presente en la literatura, cuyo objetivo era conseguir el máximo grado de realidad en los cuadros, alcanzó en el terreno de lo pictórico su máximo esplendor en Francia a mediados de siglo XIX.
El manifiesto es el siguiente y el cual es posible identificar los principios que motivaron a Lautrec a plasmar de manera cruda la vida parisiense:

 

  • “La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
  • No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
  • Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

Es interesante constatar, pero será analizado más adelante , (ya que queda en el tintero la parte ideologica de este movimiento, que tenía en su seno ideas socialistas , de ahí la tendencia a retratar las clases más desfavorecidas de la sociedad), en suma,  que el realismo de Coubert y del siglo XIX es considerado como el origen mismo de la modernidad y de la vanguardia, este fenómeno fue analizado por el MNAC de Barcelona el 2011.

 

El modesto MNAC.

NOTA AL MARGEN: MNAC, Museo de arte de Catalunya, que funciona desde el año 1990

El año 84 se fue a Montmartre donde tuvo a vecino a Degas, de todas formas Montmartre era caldo de cultivo para vida artística de Francia  y pronto le cautivó la bohemia parisiense y frecuentó con asuidad  los locales nocturnos, en donde la prostitución estaba entremezclada en el tejido social de las corrientes  que germinaban en los bajos fondos.

Si bien Henri se le considera posimpresionista, en donde Van Gogh fue su máximo exponente, no le interesó pintar paisajes , le llamó la atención los interiores, en donde plasmó las luces artificiales  , los colores de lo ambientes cerrados , nocturnos ,enrarecidos por las costumbres de la noche, así de esta forma, las personas constituyeron el motivo de sus cuadros , bailarinas, cantantes y prostitutas, de las cuales estas últimas retrataba mientras se cambiaban de ropa o se hacían exámenes médicos