Archivos Mensuales: mayo 2015

Raquel Jodorowsky (Chile): “No es oro todo lo que reluce” ,un cuento mágico.

rjo191111Raquel fue una escritora y pintora chilena, nacida en Tocopilla en 1927,conocida como “la mariposa tallada en fierro“, este hermoso y mágico cuento apareció en el año 1974 en Cuentos para cerebros detenidos. Con licencia de los superiores. Buenos Aires: ediciones de la Flor,pág 17. Yo tuve el placer de leerlo en Brevisima Relación, nueva antología del Microcuento Hispanoamericano, de Juan Armando Epple, Mosquito Ediciones,pág 83. Este cuento , su narrativa en general tiene todo el poder y la cadencia de lo onírico y lo surrealista, atrapa y en la medida que uno va leyendo nos va conduciendo en un espiral de sensaciones , que nos obliga a releer nuevamente para tratar de atrapar el núcleo de esa magia fantasiosa y hermosa, extiendo la invitación de estas palabras cargadas de energía como exquisitos frutos de un árbol femenino cargado de pasión:

“No es oro todo lo que reluce.

“En los tiempos de antes, el Elefante era una flor masculina.Un día los pétalos comenzaron a pensar en su tamaño.Al cielo no le pareció nada bien que un floro razonara por su cuenta.

Y lo castigó convirtiéndole en carne para siempre”

Joanna Estep: “Si expresas o revelas verdades y creencias personales con el manga,yo lo llamaría arte”

joannafotoJoanna Estep es escritora, dibujante e ilustradora, oriunda de Dayton, Ohio,USA. Joanna  se recibió de la carrera de Diseño Gráfico, ella aparece en la página 94 del libro compilatorio MUNDO MANGA ,100 artistas,1000 secretos profesionales,de editorial Promopress.

Es interesante hacer la relación de ella con el profesionalismo con el cual a incursionado en el hermoso del arte secuencial del comic y del manga, la misma carrera de diseño gráfico es una valiosa herramienta sin duda que le a aportado un desarrollo de posibilidades técnicas,expresivas, tanto en lo que atañe en el aspecto netamente de expresividad gráfica como de formato.

Veamos que cosas tiene de interesante y que sin duda son tips a imitar para todo aquel que quiere seguir perfeccionarse en lo que hace y se dedica,independiente del ámbito :

Joanna comenzó a dibujar manga cuando fue elegida para ilustrar la trilogía Roadsong, escrito por Allan Grossy publicado  por  TokyopopJoanna es una artista perfeccionista, se tituló de lengua japonesa, que mejor que indagar de las mismas fuentes , siguiendo el genial consejo del maestro Umberto Eco, en su libro “Como hacer una tesis“, el cual señala que lo ideal es leer las fuentes sin traducciones ,directamente de la lengua.

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Una de las preguntas que le hacen en el libro resume el patrón de su obsesión y modus operandi de esta genial ilustradora.

-“¿de donde proceden las ideas para tus dibujos?¿cómo haces tu trabajo?

R:Mi mejor inspiración proviene de leer libros y ver películas. Y cuando tengo una idea,suelo investigar en Internet o visitar la biblioteca para tener una mejor referencia visual”

Una de las grandes falencias de la generación visual de hoy, es su resistencia a leer libros completos y a temas de investigación, el universo de diseñadores e ilustradores que amen leer o escribir son más bien reducidos, por lo cual, este tipo de artista al complementar esas cualidades en su desarrollo profesional le aporta una dimensión más a la creatividad.

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Es posible hallar en sus dibujos el grado perfeccionista ,los detalles , las sombras se ve rigurosidad y observación plena; su entintando es espectacular, como el manejo de las luces y sombras, así mismo, no se  queda atrás lo más importante de la ilustración, el mensaje conceptual de la imagen.

“Joanna escribió y diseñó la sincronización manual: Expresiones de tiempo en Sequential Art and Design, que recibió el premio Charles Logan Smith por la excelencia en el diseño” , y recibió el premio SPACE por sus trabajos de arte secuencial.

Me maravilla, en lo personal, el grado de inmersión y dedicación que muchos optamos como estilo de vida, absolutamente llenador y redentor. Debemos hacer siempre la diferencia.

El tiempo sobra para los artista obsesivos.

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Las fechas de Federico Pietrella, un artista que registra el tiempo.

1-Federico-Pietrella-StampEl trabajo de este asombroso y obsesivo artista italiano es un verdadero arte, en el se conjuga varios aspectos que logran llamar la atención de su obra, entendemos que en muchos sentidos una obra se juzga por su resultado, por el acabado , en este caso, si apreciamos bien un cuadro de Pietrella , no podemos evitar evocar una atmósfera de nostalgia sorda, ya sea por la relación entre el tema escogido a ilustrar , (calles semideserticas, en donde la presencia del hombre acentúa la extraña soledad de la vida urbana , eso por un lado, y por el otro relacionar  la estética de la técnica propiamente tal, Pietrella emplea blanco y negros, dotando de una luz difusa e inconexa que amplia esa sensación de silencio visual, de quietud)

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Ahora bien, al igual como ocurre con muchas obras, una observación detenida de los mismos, nos puede entregar una mayor información , pero esta información no es solo datos fríos , sino que aquí comienza en muchos casos, la verdadera relación entre el espectador /observador y lo que el autor nos a entregado .

Al igual que ocurre con Georges Seurat, en donde un zoom de la superficie nos revela en primera instancia la composición basada en el puntillismo, con Federico Pietrella ese zoom nos revela que el trazo esta basado  en el uso inusual de un sello postal.

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El timbre postal tiene ingresado la fecha del día en que el artista se encuentra ejecutando el dibujo, el cual transforma la aplicación en una especie de lienzo que rinde homenaje al tiempo y al instante. La habilidad y el talento están presente tanto en la concepción filosófica como en la elaboración material, a pesar de utilizar un sello de fechas y no pincel, el resultado es de un hiperrealismo asombroso.

Para que el cuadro resulte, las soportes deben ser de gran formato, lo cual determina automáticamente el tiempo que tarda en completar una obra, que tarda aproximadamente dos meses, eso es comprobable ya que como Pietrella trabaja con la fecha del día, se puede apreciar todas las fechas de los días empleado desde el comienzo hasta que acaba; también a través de esta manera de trabajar es posible apreciar como la composición del cuadro, es decir, por cuales zonas comienza y por cuales finaliza.

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El artista que actualmente trabaja en Berlín, sus cuadros pueden cotizarse aproximadamente dentro de los  €20 mil por pieza. Increíble trabajo ¿ verdad?

Amo esta foto: Hoy, el óxido y los atardeceres de la capa más superficial de la memoria.

amo el oxido y las superficies deterioradas, las murallas con los papeles sueltos, las ventanas rotas, la pintura suelta de las tablas de madera y una tarde envuelta en llamas y silenciosamente mortal. El mundo contiene en su interior mucho de este hierro, aparentemente , como todo , proveniente del espacio exterior en su etapa formativa. Este hierro a sido transformado y aleccionado muchas veces, buscando siempre formulas que permitan una resistencia mayor , su control a significado, durante épocas tempranas
oxido 3 en la historia, el dominio territorial y tecnológico del área. Pero mi fascinación va también por una asunto de percepción, en cada lugar abandonado, en cada detalle observo los contornos y texturas de la materia y no puedo evitar pensar que es muy similar a la memoria y a nuestras propias vidas: un lento abandono y deterioro imposible de detener, pareciera que ser que en cada expulsión de energía de esta materia se van pequeños enlaces de memoria e historia de todo lo social que a convivido con esa sustancia. El oxido, lo que emana y que da como resultado  esos colores  encendidos y terrosos es muy similar a la poesía , al arte, la música, a lo que queda de la experiencia procesada de nuestro paso por la vida y de los días.

oxido 2El mundo gira a una velocidad de 1,700 km/h, el oxigeno y el viento arrasa en su silencio los mantos de nubes y penetra en nuestra piel haciéndola pedazos en cámara lenta. No lo vemos porque estamos ocupados amando y construyendo cosas y artefactos , pero a vuelo de pájaro, arriba de una avión cuyo tiempo es especial, la superficie de la tierra sería un hermoso atardecer de oxidación, los animales fallecen desintegrándose en pequeñas nubes de hongos que retornan superficie del ciclo vital.

arrugasHay naranjos y rojos oxidados en la piel, evaporándose en surcos hundidos en experiencias, a kilómetros de recuerdos levantados. En cada oxido siempre veo un trozo de historia que nunca podré entender completamente.

Martin Kippenberger:”yo no puedo cortarme una oreja todos los días”

“Yo no puedo cortarme una oreja todos los días, hacer de Van Gogh aquí, de Mozart allí. Ya cuesta trabajo examinar aquí una y otra vez lo que uno realmente hace”

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Esta frase pertenece al artista alemán Kippenberger, (Dortmund 1955-Viena 1997) quien dejó una huella profunda en la década de los 90 en la esfera del arte.Su trabajo tiene como rasgo distintivo su increíble búsqueda de medios de expresión para volcar su imaginación, su discurso critico y provocador .

Abordó su obra polifacética empleando medios tales como el dibujo,esculturas, cuadros,instalaciones y libros de artista, en todas ellas la provocación siempre estuvo presente, la polémica como herramienta de critica social, el cual traía aparejado la ofensa naturalmente. Una de sus obras más conocidas es la de un sapo crucificado. Siendo honesto esta obra habría que extrapolarla a aquellos años , en donde las imágenes y la cultura de crudeza visual que inunda las pantallas rápidas y táctiles  de esta modernidad hiperconectada de ahora, no era tan obvia ni tan permisiva en ese entonces, de ahí su impacto. Kippenberger se enmarca dentro del movimiento artístico Neuel Wilde, que irrumpió en la década del setenta y se extendió hasta fines de los ochenta.

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El trabajo de todo artista es analizable o abordable desde muchas aristas , a veces llama la atención una obra y no otra, en particular, en este instante, me llama la atención la frase que da titulo a esta entrada, hace un tiempo había escrito sobre el populismo de Van Gogh, que esta tan arraigado dentro de nuestra cultura actual como un objeto de consumo que da cierto status o nivel cultural de quien esta familiarizado en algo con su obra. El cliché de cortarse la oreja , cuya veracidad de los echos en cuanto al motivo real por el cual se cortó la oreja o si se la cortó su amigo Gauguín permanecerán en el misterio, siempre es el gráfico de lo atormentado que debe ser un artista “real”.

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Ignoro el contexto de la expresión de esta frase, presumo que dada la naturaleza confrontacional y polémica de su autor, haya visto el tema de la oreja como una estrategia para llamar la atención de los medios, o una analogía de lo que son capaces muchas personas para poder sobresalir con su trabajo. Personalmente pienso que este enfoque es bien hijo de nuestro tiempo, a saber: llamar la atención a toda costa primero y no como resultado natural de un trabajo personal y critico, en suma , de una vida comprometida.

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Insisto, en muchas ocasiones, un artista es un chamán , un vehículo que contiene el espíritu de un mundo instintivo y salvaje, muy propio del hombre, que se manifiesta utilizando las herramientas culturales del momento, con los soportes y medios producidos desde la naturaleza más primordial, como son los pigmentos y otras materias, transformados en artículos de uso masivo , cada vez más tecnológico, cada vez más alejado de “un ensuciarse las manos”, pero que sirven para mostrar al mundo , cruzando el entretejido de estas sociedades complejas y “modernas”, que el hombre posee una parte de una naturaleza profundamente irracional e ilógica, no obstante, de mucha energía y es la fuente de su alegría y realización, todo ello, a través del arte.

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Amo esta foto: hoy la cámara de Fellini, la trinchera de luz,arrojando disparos de ciencia y magia.

Hoy comienzo una serie de entradas que giran en torno de imágenes y fotografías que amo, todos rallamos con algo, ¿verdad? hay quien ralla con las pausas, con las nubes blancas flotantes, rallamos con puertas podridas y rincones en ángulos combatientes con las somfoto_cine02bras;

la trinchera de la luz, arrojando disparos de ciencia y magia; 

Esta foto es hermosa, debe ser todo el cine europeo encapsulado en la concentración maravillosa y creativa de un hombre que conservó sus visiones intactas. Lo que tiene en común con la ilustración es que el genio de Rimini se dio a conocer como caricaturista. Fue este don de la ilustración la que fue el génesis de toda su obra cinematográfica posterior. recuerdo sus bocetos de personas reales que el registró con inusual impresión, capturando sus rasgos más llamativos de personas que en vida diaria son verdaderas caricaturas. Cuando vemos el cine de Fellini vemos las luces y sombras de las personalidades y caracteres de personas fronterizas, solo las personas fronterizas pueden caer sin nunca tocar el suelo: quedan inertes flotando en la memoria ocular. Las personas fronterizas están cocidas con citas y referencias de terceros que hablan de ellos, como seres fantásticos intensamente ellos, con deficits y arrojados sin retorno a consumirse en sus defectos y sueños. El espectaculo es singular solo para aquel que es capaz de verlo. Toda historia tiene un componente fuertemente retrospectivo. siempre son los recuerdos los mejores guiones. Fellini era un gran guionista.

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Grande Fellini¡

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Yo ya viví mi paraíso. I

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Hay frases que perduran para siempre, quedan flotando en el cielo, mientras el planeta sigue rotando a esa velocidad abismante , aunque vemos las estrellas lejanas lentas e inertes, como pequeñas fotografías arrojadas desde un avión infinito…hay frases que perduran.

Nosotros nos hallamos en medio de la  pradera, del pastizal,del desierto, del mar, del asfalto urbanizado, recostados, mientras el mundo se consume en llamas. Nuestra primera necesidad de ver el cielo, es buscar provisiones,que caen del cielo, en un paracaídas.

Yo las veo caer en cámara lenta, en blanco y negro, aquellas frases portadoras de lluvias y soles, de noches y atardeceres, de vientos y soledades .

Tengo la impresión absoluta de que cada palabra contiene una carga energética poderosa y particular, enlaces que une cada letra cada palabra,  se unen como miles de palabras, pero que el origen de quien las profiere, determina la fuerza y la velocidad de su carga interna.

“tengo un sueño” Luther King

“cuida tus pensamientos” Ghandi

“me niego a obedecer” Giono

“te amo” anónimo

Mientras de más abajo y más profundo emana el impulso, más lejos llegará. Lo sé.

Cuando descubrimos la razón de estar, abrimos la ventana en la infancia, y veo los planetas y el fondo del universo como una sinfonía  y sabes entonces, que nunca moriremos.

No importa cuan profunda es la herida ni tan hundido estemos, recuerda esa ventana, la vía láctea descifrada , con los ojos cerrados, con los ojos cerrados sabrás caminar nuevamente a la salida.

El paraíso existe, muchos no lo han visto jamás. Yo ya lo viví,afortunado fui porque el paraíso es para los valientes,

lo viví con intensidad, con locura, con verdad

antes de irme , le prendí fuego, absolutamente consciente de que jamás volverá a crecer el mismo.

un fuego de años, en cada fulgor de imploración, de palabras que me decían que no lo hiciera, a veces se traza el destino en las tragedias y dolores ajenos.

A alejarse, caen los paracaídas como lentas fotografías, me hablan y me preguntan.

Yo ya viví mi paraíso.

Franz Ackermann: “Lo que se trata de transmitir no son las minucias de los caminos …() Me gustan sino un informe de viaje destilado, que se alimenta del recuerdo y de la experiencia actual”

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Franz Ackermann ( o El hombre Acker?)

Me gustan los procesos , los WIP (work in process or work in progress) ya sea porque a través de los mismos puedo comprender o más bien tratar de entender en algo la naturaleza de las obras que me llaman la atención, tratar de hacer un mapa mental de la parte técnica, de los materiales empleados en su elaboración, esa materia paso a paso,capa por capa. Para mi en lo personal, una obra terminada es por lógica, importante, claro esta, pero más interesante es reflexionar entorno de que una obra nunca es el resultado de su simple final, sino que la mayoría de ellas su resultado, es la suma absoluta  de las partes que la levantan, que la construyen, incluyendo todo lo que participa y se involucra en su entorno más inmediato, incluyendo, por supuesto, a lo que atañe como el entorno más lejano como a las esferas fronterizas  de observadores de dicho objeto,observadores que pueden encontrarse en zonas geográficas totalmente alejadas tanto en espacio como en el tiempo.

Participan en este interesante vínculo con la obra señalada a los observadores que involucran algo más que la sola mirada instantánea: para que un observador pasajero y transitorio forme parte de la sumatoria de las partes debe hacerse participe de este tegumento, que actúa como pegamento, de una cierta emoción nacida a propósito de la impresión causada por la obra. Sin la fuerza de este enlace, nacida naturalmente y de manera espontanea, de la intensidad, una obra no puede hacerse parte de un cuerpo con más peso especifico.

En el caso puntual que me despierta esta reflexión, a propósito de la obra de Ackermann, es saber su manera de construir las obras gigantes que el realiza.

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Franz Ackermann  es un artista que desarrolla su trabajo a través de medios como el cine, la fotografía, la instalación y también la pintura. Nacido en Neumarkt-Sankt Veit, Alemania, en 1963, su pintura se caracteriza por la abstracción. El núcleo fundamental de su obra gira entorno al viaje, a la globalización , como extensión al viaje, “la estética de las grandes áreas urbanizadas “. Las pinturas sobresale por sus grandes dimensiones, sus obras abarcan grandes espacios, invaden entornos y se posesionan de grandes lienzos de concreto interiores. El color y el juego óptico de sus formas entregan al espectador una sensación de vértigo, de infinitud, mediante la participación de lineas o formas que se unen sin fin formando un panorama espacial, cuya similitud con el cine no es casualidad.

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Antes de pasar a los formatos grandes, Ackermann elaboró los “mental maps“, pequeñas acuarelas de bolsillo, nacida de sus observaciones personales en sus viajes y de su peculiar interpretación de los mismos, el itinerario de sus registros abarca Honk kong,Australia , Asia y América del sur, lugares del mundo que forman un panorama multicolor de formas básicas que son interpretadas como sensaciones .Este punto es muy interesante, porque todo ese registro, empleando una técnica tan sencilla en sus materiales como lo es la expresiva acuarela, es la antesala de comprensión de su trabajo antes de volcarlo de lleno a las extensas áreas de sus intervenciones e instalaciones.

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Apréciese el detalle de la tela multicolor como parte de la composición del muro.
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Apréciese la curvatura de la obra, cuya inclinación da una sensación de presencia que juega con la seguridad del observador.

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