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Vicente Huidobro : La joven del abrigo largo (microcuento)

La joven del abrigo largo

   

La joven del abrigo largo.

“Cruza todos los días la plaza en el mismo sentido.
Es hermosa. Ni alta ni baja, tal vez un poco gruesa. Grandes ojos, nariz regular, boca madura que azucara el aire y no quiere caer de la rama.
Sin embargo, tiene un gesto amargado y siempre lleva un abrigo largo y suelto. Aunque haga un calor excepcional. Esta prenda no cae jamás de su cuerpo. Invierno y verano, más grueso o más delgado, siempre el sobretodo como escondiendo algo. ¿Es que ella es tímida? ¿Es que tiene vergüenza de tanta calle inútil?
¿Ese abrigo es la fortaleza de un secreto sentimiento de inferioridad? No sería nada raro. Por eso tiene un estilo arquitectónico que no sabría definir, pero que, seguramente, cualquier arquitecto conoce.
Tal vez tiene el talle muy alto o muy bajo, o no tiene cintura. Tal vez quiere ocultar un embarazo, pero es un embarazo demasiado largo, de algunos años. O será para sentirse más sola o para que todas sus células  puedan pensar mejor. Saborea un recuerdo dentro de ese claustro lejos del mundo.
Acaso quiere sólo ocultar que su padre cometió un crimen cuando ella tenía quince años.”

vicente hudobroMe encanta el mundo huidobriano, las primeras paginas de Altazor son la perdición para mi, la prosa de el es tan fantástica y mágica que me es imposible por el  minuto acometer la tarea de analizar la impresión de ese texto, por el momento, transcribo este cuento, que reúne de manera sutil aquellas frases y modos de pensar y sentir la realidad tan característico de Vicente Huidobro.

Este cuento apareció en ANTOLOGÍAS ,edición de Eduardo Anguita (Santiago Zig zag-1945) pág. 180, yo lo leí en Brevisima Relación, Nueva Antología del Microcuento Hispanoamericano, de Juan Armando Epple, pág.99 Mosquito Ediciones.

Este microcuento se basa en una observación, que pudo haber sido lo más banal del mundo, pero que el observador-autor se encargó de macerar la visión de esta bella mujer y transformar el misterio en un acto poético.

Este microcuento nos motiva y nos ofrece el ejercicio de observar más allá de las apariencias, sin duda , una buena lección para los escritores,tomar un objeto ,una acción en la mano y comenzar a darles vueltas sin perder de vista la superficie, hasta hallar la pequeña fisura que nos permitirá descascarar este “disfraz” de las apariencias. Es así que comenzamos el cuento con la visión de este hermosa mujer que a captado nuestra atención,”cruza todos los días la plaza en el mismo sentido”. Es bella, por eso ha notado la presencia en el transcurso de varias jornadas.

Esa es la apariencia, observando podemos comenzar a inferir que “no es alta ni baja”, sin duda una característica común y vaga,aunque “un poco gruesa”, ignoro si este grosor es un defecto, observándola bien posee  “enormes ojos” y una “nariz regular”. Hasta aquí no pasa de ser la descripción clásica de un personaje, pero la frase que viene es la maravilla de la imaginación de Huidobro y que estimula tan bien la imaginación y los sentidos:

boca madura que azucara el aire y no quiere caer de la rama”, es sencillamente hermoso, a veces los libros se salvan por pequeñas frases geniales que permanecen, aquí estamos ante la naturaleza exuberante de la sensualidad femenina , convertida en una metáfora de un fruto exquisito, que “azucara” el entorno, que abre el apetito, que dan ganas de comerlo, devorarlos jugosos a besos, pero es imposible porque es pura tentación imposible,pues esos labios tentadores y exuberantes “no quiere caer de la rama.” La palabra azucara en vez de dulce también es un acierto absoluto, una sutileza de esas jugadas que hacen goles de lujo con muy poco esfuerzo.

El observador salta el obstáculo de aquellos labios y comienza a romper el hechizo, “sin embargo tiene un gesto amargado” y siempre esta vestida con un abrigo largo que impide ver las formas de sus cuerpos, sospechosamente tanto en invierno como en verano. El poderoso poeta que este autor es, inevitablemente impregna con el ritmo interno la prosa de este cuento, enebra frases de cierta musicalidad en donde se aprecia la rima “Esta prenda no cae jamás de su cuerpo. Invierno y verano, más grueso o más delgado, siempre el sobretodo como escondiendo algo.”, esa música interna dota de liviandad el texto y le da una velocidad fresca.

Este esconder es cuando el autor comienza a desnudad capa por capa el objeto de su observación, “¿es tímida?” , ¿Qué esconde? “¿tiene vergüenza de tanta calle inútil?”, esta observación realza la posible naturaleza orgullosa de la mujer, quien no tiene necesidad de mostrar su cuerpo para subir su ego, porque las calles y sus transeúntes no significan nada para ella, su “gesto amargado” corrobora esto.

Sin embargo, algo indica lo opuesto , las capas comienzan a caer una por una en la observación prejuiciosa de la imaginación sin limites, “¿Ese abrigo es la fortaleza de un secreto sentimiento de inferioridad?”, lo fantástico de este microcuento, que el autor plantea que ella esconde su mundo, a través de un abrigo de un estilo arquitectónico que solo un arquitecto puede descifrar. Esconde un embarazo de hace años, porque posiblemente su padre la violó en su adolescencia.”Acaso quiere sólo ocultar que su padre cometió un crimen cuando ella tenía quince años.

Esta capacidad de ir desarrollando una idea , es fundamental a la hora de escribir un cuento, una novela, quizás eso es lo que la gente opinaba de Hemingway, que el era capáz prácticamente de inventar un libro completo a propósito de un calefont que se echó a perder.

A estimular la imaginación y desarrollar la capacidad de observar.

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Una ilustración basada en la masacre de Siria.

En el año 2013 ,nuevamente el mundo nos mostró una realidad triste , chocante y terrible: la guerra.  Los que vimos las imágenes de Siria, esa región tan castigada y maltratada, no quedamos indiferentes, duele mucho ver a las personas sufriendo de esa manera, sobre todo a niños , y vuelve a repetirse hoy en día en Palestina.

El año pasado al contemplar las imágenes de esos niños que se encontraban sin vida en el piso, me impactó mucho, cuando uno es padre siempre ve en los otros niños el rostro de su propio hijo, es una empatía abismante que siempre debería hacernos mejores personas y velar por la seguridad y bienestar de nuestra comunidad, de nuestra cultura y de las formas de vida positiva y que se extienda siempre a todo el globo terrestre. Al contemplar esas imágenes recuerdo que me impactó mucho, comenzó a prevalecer algo en mi interior,y eso me motivó con los días a realizar una ilustración.

Lo titulé “JARDÍN DE SUEÑOS“.

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A continuación les paso a referir en que consiste.

Para mi los niños (y creo que para mucha gente debe serlo) siempre son hermosas semillas portadoras de un increíble potencial y de esperanza, en sus pequeños cuerpos alberga alegría, ingenuidad e intensidad, y nos hace recordar siempre que alguna vez fuimos nosotros niños.

El jardín siempre es florecimiento, un espacio de la naturaleza que nos conecta con la fuerza y la paz del mundo natural: el olor a la humedad, a la tierra, la frescura del pasto, la suavidad de lo salvaje, los aromas y los colores, una casa sin jardín se ve muy fea ¿verdad?

Tomé esas horribles imágenes de niños, que sus padres , imagino, pusieron en hilera para atestiguar el dolor y también para un último adiós, y las dibuje entre las hebras del pasto, para simbolizar que esas semillas vuelven a la tierra, a ese hermoso jardín que no tuvieron tiempo de disfrutar.

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Entre las hierba escribí disperso, a modo de semillas, un antiguo y muy conocido poema del poeta Libanés Gibrán Jalil Gibrán:  “Tus Hijos”,  el poema aquel que comienza:

 

“Tus hijos no son tus hijos,
son hijos e hijas de la vida
deseosa de sí misma.
No vienen de ti, sino a través de ti,
y aunque estén contigo,
no te pertenecen.”
Gibrán Jalil Gibrán.
Elegí un poeta de la región,  (hay que desmitificar a esa zona del mundo como terroristas )Gibrán fue un poeta, novelista y pintor muy famoso, de una sensibilidad especial y también fue victima de ese sistema totalitario y absolutista  del fanatismo.
El ave que se aprecia es una ave de la región también, inscribí en su pecho, un hermoso poema de amor escrito en árabe, las espinas  son para salvarguardar las semillas que comenzaran a mimetizarse. El ave simboliza el vuelo y el desapego a la tierra.
Quizás en mi imaginación, esos niños vuelvan a renacer, en un tiempo y lugar más afortunado y puedan desarrollarse plenamente.
Cuidemos lo que tenemos .
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Título: “JARDÍN DE SUEÑOS” Papel couché (estucado). Estilógrafos.
Estoy contemplando la idea de darle color a la ilustración.

 

 

 

 

Parentesis:Las esculturas de Shigeo Fukuda.

 
 
Las esculturas de Fukuda son bellas metáforas que nos enseñan a ver detrás de que todo ruido visual , que 
 
´puede ser atribuida al anonimato, al desconocimiento  o las mascaras que nos colocamos en la vida, que el 
 
que aprende a ver un poco más allá puede apreciar la verdadera forma de ese ser.
 
Se proyecta bajo ciertas luces , bajo ciertos ángulos, bajo ciertas perspectivas , luego solo nos queda 
 
almacenarlas en la memoria, ya que toda persona siempre es un devenir.
 
 
 
 
Trato un poco de asir el método de este trabajo tan original , es difícil intuir verdaderamente el proceso 
 
creativo de una persona, cuando ya es difícil identificar y explicar la creación propia.
 
 
Me aventuraría en señalar que la  idea surgió en la época  de pos-guerra de Japón, de una ciudad  
 
devastada , en ruinas, quizás Fukuda  vio en un momento de lucidez, o  fue presa de ese sentido místico que 
 
invade  en ciertos momentos  a los creadores, 
 
y más allá de esas ruinas , quizás apreció la forma inusual  de la sombra dibujando  una imagen que lo 
 
cautivó.

Que las cosas  pueden ser destruidas o modificadas  en su superficie, pero aun conservan lo elemental, lo 

identitario.

Similar un poco a las personas que se nos aparecen en los sueños, viajeros disfrazados como Ulises, pero 

que sabemos por arte de magia que debajo de aquel disfraz se haya un ser querido.

 
 
 
Es  posible inferir también que lo que se quiere transmitir, más alla del virtuosismo técnico , es que detrás de todo objeto subyace una esencia, pueden cambiar los elementos y su naturaleza, puede ser otra la disposición de construir y levantar, de amalgamar y de unir los distintos trozos de algo, la esencia es una sola, en este caso, la señalada por la luz.Pero es una luz que es enfocada por la reflexión, es intencional, no puede existir esa sombra asombrosamente perfecta en su forma si la luz no es la precisa, en el instante preciso, en el angulo correcto, tanto de la luz emisora como de la posición del observador.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Se puede afirmar lo mismo del conocimiento de una persona, del cambio de estado de sujeto-anónimo a persona -parte de mi, nace de ciertas situaciones que permiten conocerlo, entrar a la esfera de lo intimo y conocer la “sombra” de esa persona antes inasible a mi, desconocida, extraña y errante.
 
 
 
 

 
 
 
 
Pero al igual que las esculturas, todo tiene un limite, cuando las luces se apagan, cuando la obra se deshace irremediablemente, la sombra y la razón de ser deja de estar presente de forma tan evidente, con todas las luces las esculturas de Fukuda pasan a ser un montón de chatarra, de cucharas y cuchillos viejos fuera de lugar; con las personas ocurre lo mismo, el sentido de conexión y de vinculo , que puede ser tan especial a ratos, tan intimo y fuerte , que pueden darse entre dos enamorados , por ejemplo, también desaparecen cuando el instante deja de ser, el entorno, el tiempo se desconectan .
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Posiblemente el método empleado para lograr este resultado, sea el dibujar  en la superficie la silueta a 

lograr, entonces solo bastaría  ir rellenando  esta silueta  con  los elementos disponibles , hasta conseguir  el 

efecto final.

Shigeo Fukuda :”en el diseño, hay 30% de dignidad, 20% de belleza y el 50% de absurdo.”


 

 

“Creo que en el diseño, hay 30% de dignidad, 20% de belleza y el 50% de absurdo. Más que servirle a la sensibilidad al diseño del público general, hay un avance en el diseño si se deja a la gente sentirse satisfecha con su propia superioridad, atrapandolas con ilusión virtual” 

Es un artista , diseñador gráfico ,escultor japones nacido en el  año 1932. Pertenece a los grandes del diseño , comparte con Milton Glaser y Eric  Spierkemann el premio Honorary Royal Designer for Industry que obtuvo en 1986.

Despues de la segunda Guerra Mundial , comenzó a interesarse por el diseño Gráfico, particularmente por la corriente minimalista Suiza, graduandose en la Universidad de Bellas Artes y Musica de Tokio (al igual que Takashi Murakami) en el año 1956.

 

 

 
 
 

NOTAS AL MARGEN:Universidad de  Bellas Artes y Musica de tokio, es una de las más antiguas y prestigiosas escuelas de Japón, fue fundada por la fusión de la Universidad de Bellas artes y de la Universidad de Musica , ambas fundadas en 1887. Al comienzo era exclusivo de hombres, pero a partir de 1946 su enseñanza se torna mixta.

Fukuda  fue profesor de esa universidad en los años 1973 al 2002 y profesor del departamento de Diseño Gráfico en la Universidad de Yale en los años 1982-1984.

Saltó a la fama , cuando su cartel fue seleccionado como el cartel oficial de la exposición de Japón en el año 1970.

 

 

 

Fukuda se especializa en cultivar las ilusiones ópticas, creaba figuras y efectos de sombras y luces, por tanto sus obras se caracterizaban por ser ambiguas y de varias interpretaciones.

 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Victoria .1945. Uno de los carteles más reconocidos de Fukuda.
 
 

Sus trabajos escultóricos son de una originalidad tremenda , levantados con diversos materiales , como cucharas , cuchillos , tornillos y varios elementos más, la incorporación de las luces , terminan de construir la pieza artística dotando de valor la sombra proyectada.

 

 

 

 
 
 

Es posible que su visión con respecto a esta elaboración tan fantastica de la escultura, provenga en primera instancia de que Fukuda nació en el seno de una familia de fabricantes de juguetes.

 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

El trabajo de Fukuda esta fuertemente influenciado por Takashi Kohno, un pionero del moderno diseño gráfico japones.

PARÉNTESIS: LA LITOGRAFÍA E INTRODUCCIÓN.

 
La litografía fue inventada en 1978 por Eloy Senefelder,  Eloy nació en Praga, como todos las cosas nuevas , está técnica era demasiada lenta e implicaba un costo alto su producción.
 
Antes de Senelfelder , se denominaba litografía a las impresiones fósiles en las placas o lajas calizas de los mismos estratos o yacimientos geológicos, por lo mismo , la palabra litografía está compuesta por dos palabras que son lithos (piedra) y grafos (escritura)

Por tanto, no está demás anotar que prácticamente la capacidad de invención está basada en la observación de la naturaleza por parte del hombre , observación que unida a una experiencia racional, conlleva a la solución de un problema o inquietud, a menudo siempre se le atribuyen a una persona o un grupo de personas el resultado final de aquella observación que desemboca en la aparición de un invento.Pero lo cierto es que generalmente siempre corresponde a un esfuerzo continuo que implica la participación de varias personas, a veces separadas por las distancias geográficas , por las  distancias interdiciplinarias o personas distanciadas  en el tiempo.

La metáfora empleada en la entrada anterior, en que las ideas son como una piedra que viaja sobre la superficie del agua y en cada rebote existe un participante de la cadena que aporta en algo, no se excluye en esta ocasión, la litografía quedó atribuida para siempre al nombre de Senelfelder, pero detrás de el, durante de su recorrido , habían personas que aportaron su cuota de ingenio y curiosidad , para conformar el tejido de información que Senelfelder supo leer y llenar.
 
Senelfelder era Dramaturgo y músico, según lo que ha llegado hasta nuestros días , Eloy escribió la lista de ropa que iba a llevarse a la lavandería lo único que encontró a mano, sobre una piedra pulida, con un lápiz graso. Senelfelder se presume conocía la obra de Dufay, comenzó desde aquella mañana , a experimentar sobre aquel proceso de impresión, basado en sus observaciones en donde el agua y el aceite se rechazaban, como hacía tiempo buscaba una forma de difundir sus obras y partituras, aquello solo fue el comienzo de la grabación con el método conocido como aguafuerte.

Entonces dos años después, Senelfelder completó el proceso final , que el denominó “impresión química” y que da a conocer tras patentarlo, a toda Europa.

 
Una década después, su taller en Munich es famoso en todo el mundo, y desde ahí escribe el tratado que es divulgado  con el nuevo proceso que se llama “litografía”.

Taller de litografia.

En el año 1800 , el autor deja un tratado completo en la oficina de patentes de Londres, una “Descripción completa de la litografía”.

 

“El año siguiente, su socio, Antoine ANDRE, importa la litografía a Londres y  su hermano, Frédéric ANDRE, obtiene una patente de importación para Francia en 1802.

Aparece en Italia en 1805, bajo los auspicios del taller de G. DALL’ARMI.

La litografía se introduce en Dinamarca en 1812. Es en 1815 que este arte toma su verdadero auge. En 1818, SENEFELDER funda un taller en París. En 1819, describe su invención en un libro, primero publicado en Munich, y pronto seguido de una traducción francesa. Las primeras litografías de GOYA aparecen también en aquel año. En 1825, el famoso artista español crea la serie de los ‘ Toros de Burdeos ‘.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

En 1824, un joven artista inglés viviendo en Francia, Richard PARKES BONINGTON, se hace notar gracias a sus obras en blanco y negro. 

 
 
Tour du gros horloge,evreux.litografia.

En favor de la revolución de 1830, el semanario ‘ La Caricatura ‘, y en aquel entónces ‘ El Charivari ‘ revelan DAUMIER, cuya obra se erige como un testigo de la sociedad y de la política de su época. 

 
SENEFELDER muere en 1834 en Munich ; la inscripción de su monumento está grabada sobre una piedra litográfica.”

Antecedentes informativos de la litografía:Dufay.

En 1728 , 60 años antes del invento, Dufay publica en Los Anales de la Academia de  Ciencias procedimiento para grabar el marmol:

 Trazar el dibujo
• Cubrir con barniz ( Goma Laca + Alcohol ó Cera de España + Alcohol mezclado con Negro de Humo o Bermellón. )
• Mordiente o “Disolvente” ( “Espíritu de Sal + Vinagre destilado ) ( – “ Cuando deja de fermentar- se renueva”.
 
 
 
El principio de Dufay es el mismo de la litografica de Senelfelder, con la diferencia de que nunca se pensó en ser utilizada como una matriz para crear un molde, con el fin de ser reproducida, no obstante, sienta un precendente que Senelfelder y Schmidt conocían.

Socialist Designers Manifiesto: otro manifiesto del Diseño


 

 

Diseñadores socialista es un colectivo de diseñadores gráficos políticamente conscientes que han accedido a seguir un “conjunto de reglas indiscutibles.” SD fue fundada octubre de 2001 Fabrizio Gilardino, un diseñador gráfico italiano con sede en Montreal, Canada.Sus  “votos de castidad” fueron inspirados por el manifiesto Dogma 95 escrito en 1995 por los cineastas daneses Lars von Trier (Bailar en la oscuridad, Dogville) y Thomas Vinterberg (Celebración): 

 

1. El diseño debe ser hecho en el lugar. “Props y sets” (es decir, de valores fotografías e ilustraciones) n 

2. El diseño debe ser hecho en colores planos. Cuatro proceso de color y barniz que no son aceptables. 

3. Filtros de Photoshop y otros filtros están prohibidos. 

4. El diseño no debe contener elementos superficiales. 

5. Alienación temporal y geográfica, están prohibidos (es decir que el diseño debe tener lugar aquí y ahora). 

6. Diseño de “Género” no es aceptable. 
-Montreal, Fall 2001

 

“Somos socialistas porque tenemos problemas sociales, porque nos interesa de una forma muy específica de concebir la vida, de una vida mejor. Siendo conciente  del hecho de que cualquier cosa que haga en cierto modo es muy político. Cada vez que hable , cada vez que compre algo, cada vez que se aplican ciertas principios  (consciente o inconsciente o lo que sea), es hacer una declaración política. Realmente tengo problemas cuando los diseñadores gráficos dicen: ‘No estoy en la política’, o, ‘la Política no me molesta ‘, o,’ No estoy interesado en él. Eso es tan absurdo para mí. Yo no puedo relacionarme con esta manera de ver las cosas “.

 

 

Jonathan Barnbrook:” El diseño como un arma para el cambio social”

 

Jonathan Barnbrook es un diseñador, tipográfo y director de cine ingles ,se formó en Central St Martin y en el Royal College of Art (ambos en Londres), nació en Luton en 1966. 

 

Ha distribuido su trabajo en distintas áreas , como el diseño tipográfico antes mencionado, el diseño industrial,  el activísmo político y el motión graphics, siguiendo con su vertiginosa actividad fundó su propio estudio Barnbrook Diseño   

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NOTAS AL MARGEN:Central St Martin o más conocida por su abreviatura CSM es una Universidad constitutiva de la Universidad de Artes de Londres  , Central Saint Martins College of Arts and Design se formó en 1989 de la fusión de la Escuela Central de Arte y Diseño, fundada en 1896, y de Saint Martins School of Art, fundado en 1854″.Central Saint Martins establece vínculos entre la práctica artística, dando lugar a proyectos de investigación y emplea a los graduados en programas internacionales de consultoría de diseño nacional ya través de su Centro de Innovación y el Laboratorio de Diseño. Central Saint Martins se ha convertido en uno de los mayores proveedores de educación artística y de diseño en el mundo , se ha inscrito museo estado de sus colecciones históricas y contemporáneas”

NOTAS AL MARGEN:La Royal College of Art  es una universidad pública de investigación, especializada en Arte y Diseño, ubicada en Albertopolis, un área de gran importancia cultural y científica, en South Kensington, Londres. Es la única universidad en el mundo que posee planes de estudio de posgrado en estas áreas, ofreciendo el Master of Arts (M.A), Master of Philosophy (M.Phil.) y el Doctor of Philosophy (Ph.D.

 La Royal College of Art ofrece 23 programas de estudios diferentes de maestría y doctorado en las disciplinas del Arte y el Diseño, divididos en seis escuelas

 

 

 

 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
 

 

 

NOTAS AL MARGEN: Albertopolis,es el nombre para designar a un conjunto de sitios culturales y educativos ubicados en la zona de South Kensigton, la denominación viene de su fundador , el príncipe Alberto.

Fue director de arte de Adbuster, publicación de causas políticas y sociales,  suscribió el First thing First 2000 Manifesto, en donde los diseñadores denunciaban la crisis mundial del planeta .

 

 

NOTAS AL MARGEN:REVISTA ADBUSTER.
“Somos una red global de piratas culturales y creativos que trabajan para cambiar la forma de los flujos de información, la forma en que las corporaciones ejercen el poder, y la forma en que sentido se produce en nuestra sociedad”

 http://www.adbusters.org/

NOTAS AL MARGENFirst thing First 2000 Manifesto,En el año 1964 , veinte y dos  diseñadores visuales escribieron un manifiesto que expresaban un cambio de prioridades, abogando por una diseño comuncacional más etico, menos apegado al marketing.En el año 1999 se renueva el manifiesto , ahora con treinta y tres comunicadores visuales , el objetivo es incentivar el debate en la comunicación visual .De los diseñadores  que hasta el momento este blog se encuentran en los firmantes están  Eric Spierkemann y Milton Glaser.

 

En los años 90 creó  la fundición Virus , el cual el mismo dirige, es un diseñador que odia las marcas de moda  ha creado de manera constante , fuentes tipográficas tan potentes y de nombres desafiantes como Exocet, Bastard, False Idol, Infidel, Sarcastic, Apocalypso, Manson, Regime, Nixon, Bourgeois,expletive que se usan en el mundo entero del diseño, del arte y la publicidad.

 

 

Fuente Exocet:

 

 

Fuente Bastard:

 

 

 Fuente nixon:

 
 
 
 
 

Jonathan Barnbrook se destaca por su actitud contestaria , en el cual es activa su participación en campañas y movimientos sociales, políticos y ecológicos , que se plasman en contundentes y llamativos afiches o  audiovisuales, colabora con músicos y artistas contemporáneos como David Bowie , Damien Hirst con galerías y otros espacios de arte como Saatchi y White Cube, Seoul Art’s Center.

 

 

 

 
 

Ha trabajado en la diagramación de libros, impresos, caratulas de discos , imágenes corporativos de museos y de empresas , y se considera el diseñador más conocido de Japón.en donde tiene prácticamente su segunda oficina al lado del Soho.

En japón a desarrollado la identidad corporativa de Roppongi Hills, una de las mega empresas más importantes de post guerra en Tokio, la de Shiseido, y la del Mori Arts Center, Mori Art Museum, espacios culturales decisivos en el paisaje actual de las artes niponas y de Corea del Sur.