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Porque la película animada Loving Vincent no ganó el oscar.

 

 

Cuando vi por vez primera el trailler de la película  Loving Vincent, debo admitir que fue a amor a primera vista, me enamoré de todo lo que engloba la película,desde lo más importante que es el tema en sí:la vida de Vang Gogh, uno de mis pintores admirados por toda la energía que irradia y encarna como un hombre al servicio de lo que el filósofo  Socrates denominó el Daimón, es decir, el hombre que esta al servicio de algo más grande que el mismo, como de la técnica empleada en la realización, es decir, mantener la estética de la visión pictórica del pintor neerlandés…pero lo que más me dejó maravillado fue que cada fotograma del film esta realizado con pintura al óleo sobre un lienzo de tela. Yo me pongo a pensar en la difícil y arriesgada decisión de los productores de emplear esta técnica para hacer a la larga la primera película realizada completamente con pintura y hay que admitir que es una empresa de carácter titanico, de largo aliento, porque ya elaborar una película de animación es un proceso lento,imagínense una obra en que solo se emplea el uso de la pintura del oleo, que ya de por sí es una materia de secado lento, a diferencia del acrílico, por ejemplo y ni hablar compararlo con un software de animación.

El trailer es bellísimo, creo que  en parte de mi estado de enamoramiento fue que caí en las garras de la publicidad bien empleada , la voz en off que narraba lo que se nos venía, es un poema sintetizado de esta vida llena de pasión pero también de tristeza .

Creo que entiendo que una vida como la de Vincent, que aun hoy (después de tantos años que han transcurrido desde su muerte) sea capaz de provocar un estado de sueño y admiración, como de interés y debate, no merecía otra película que significara un esfuerzo extra a lo convencional. Antes de ver la película, antes de que llegara a los cines de mi país, me propuse adquirirla en blu ray para tenerla para siempre y deleitarme una y otra vez con lo que consideraba una obra maestra de mi total devoción. Guardarla con una calidad optima sin perdida de detalle o resolución.

A-conocer la obra de vincent, es decir, tener conocimiento de la paleta de colores que el empleaba.

A.1-Ser capaz de trabajar y reproducir sus obras de manera satisfactoria.

A.2 -Ser capaz de adaptarse a los requerimientos técnicos de pasar al lienzo las imágenes que construyen el film.

A.3- y además de todo esto, poseer un ritmo de trabajo rápido y preciso.

Tenía todo para ser una obra de arte de aquellas que no se cansa uno de mirarla y volver una y otra vez .

Antes de la premiación de los Oscar la fuí a ver…y no es una mala película en absoluto,solo que cuando el premio a la mejor película extranjera recayó en el film chileno Una mujer fantástica, entendí sin ninguna duda de porque no le fue adjudicado.

Una mujer Fantastica. Director Sebastián Lelio , actriz Daniela Vega.

Después de todo este preámbulo a modo de introducción, y después de dejar de pasar el tiempo, no me puedo quitar de la mente la vocecita que esta dentro de mi cabeza que no cesa de hablarme del tema, porque ni siquiera es decepción lo que siento, porque no es un mal film, tampoco me siento estafado,sino que dentro de todo, responsabilizo a la parte del guión, a la o las personas que no supieron escoger que narrar , y echaron a  perder una gran oportunidad que tuvieron en sus manos de manera miserable. Algo asi como tener un sueño espectacular y vivido por la noche, y por no anotarlo en el instante…se te olvidó por la mañana.

Loving Vincent tiene una introducción poco afortunada a mi juicio, siempre me fijo en la introducción de las películas , porque dentro de las mil maneras que se puede hacer una, el director debe escoger de acuerdo a un criterio acorde a lo que va transmitir, y en este sentido recuerdo que más que comenzar a sumergirme me distrajo, es como una canción que tiene una nota desafinada en algún lado pero nos sabes donde. No obstante, todo eso quedó atrás cuando aparece ea hermosa escena de la noche y las bellísimas nubes onduladas llena de dramatismo , que comienzan a moverse ,siempre ondulante, siempre en movimiento con una energía desbordante que cubren toda la pantalla asomando esa luna luminosa…hasta que aparece la ciudad bajo su manto…eso es de una belleza sin igual,esa sola escena esta llena de dedicación y de sentido artístico  .

Pero lo cierto es que todo se fue al carajo con el transcurrir de la película. El guión es muy pobre,fácil y poco consistente…un hombre que debe entregar la carta de su padre para Vincent pero a su vez no le interesa para nada esta persona,pero con el transcurrir de los minutos,sin lograr armar de una manera consistente la trama, este hombre reacio,adulto y pendenciero que tenía la convicción de entregar una carta a un don nadie, se da cuenta de improviso que está a punto de conocer a un artista excepcional, y de un minuto a otro se transforma en un acérrimo defensor de su memoria. Y muchos me dirán que que esperaba si hay poca información de la muerte de Van Gogh, porque de eso se trata, de echar alguna luz sobre el misterio de su muerte, y ahí se encuentra el error de todo, y está en la elección del genero , responsabilidad absoluta del los directores y escritores Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Quisieron proyectar una especie de triller o película de suspenso forense, algo completamente alejado del ámbito y del tema central: EL ARTE.

Para más remate, si bien hay escena muy bien elaboradas, tanto en ritmo y en secuencia de planos que no dejan de oscilar sus colores, que hablan de una atmósfera van goniana…en otras escenas hay planos que son de una tosquedad y rusticidad lamentable, como la escena del paraje de los cuervos, en donde toda esa cosa delicada y sutil de la pincelada siempre en movimiento…se transforma en un escenario pastoso y apelmazado, con una falta de cariño horrible, u otra escena como la barba del cartero, que son hermosa porque la barba de este personaje siempre permanece en un constante movimiento, pero en otras parece un trozo de cartón colgando de la cara, como el mejor dibujo infantil apurado…naturalmente esto lo atribuyo a dos factores: al pintor cinematográfico que si bien utilizaba la paleta del pintor,también tenía cierta libertad a la hora de plasmar, y en aquella libertad cometió errores groseros…y a la aprobación del director, que dejó pasar ese tipo de trabajo sin corrección alguna. Todo este tipo de detalles sumado a un guión muy débil, y a una banda sonora mal elegida  fueron confabulando y desembocando finalmente en la construcción de una obra visual que se iba perdiendo el interés lentamente… y entiendo perfectamente que a pesar de todo el esfuerzo empleado, por culpa de malas decisiones desde el comienzo del guión, de la mala elección del guión, todo el potencial y toda la gran idea , recayó finalmente en un resultado que no es malo pero que lamentablemente no alcanzó para ser lo que se prometía y merecía de sobra: una obra maestra.

Pero como ya me alargué en demasía en esta entrada, en la próxima ofreceré modestamente , lo que debieron haber elaborado desde el comienzo para  haber obtenido un resultado mucho mejor.

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Errores en la edición de la traducción al español del libro Historia del Arte de Gombrich.

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Historia del Arte de Ernst Gombrich es un libro de una belleza inigualable, de una claridad diáfana que solo es posible y se logra a raíz de un dominio absoluto por parte de un  autor que ha estudiado a fondo una materia que se ha transformado en su leitmotiv en la vida.

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Ernst Gombrich nació en Viena, pero se trasladó a Gran Bretaña en la década del 30.

Esta obra que debe ser el mejor libro introductorio al arte, a la fecha lleva el récord de tener ocho millones de copias vendida en el mundo y traducida a 30 idiomas, ¿pero que tiene de especial ? lo que lo hace especial es la sencillez con que Gombrich explica, cuenta y narra el arte de la humanidad hasta nuestros días sin aburrir,su lenguaje es tan claro que uno puede ver reflejado su rostro  de manera impoluta en su superficie, la pretenciosa jerga de muchos autores que, por desgracia acusa una ignorancia suprema en ámbitos más importantes que lo académico, no se halla presente en esta obra. Este libro es una invitación a todos a comprender la evolución del arte tanto en lo pictórico como en la arquitectura. Y claro, uno como va entendiendo como una escuela o tendencia artística  muta, se transforma  y se enlaza con otra tendencia ,es tan asombrosa que dan ganas de seguir investigando.

El libro existe hasta donde tengo conocimiento, en tres formatos, uno es voluminoso y grande;el segundo es una edición de bolsillo en español (ignoro si hay versiones de bolsillo en los otros idiomas) y el tercero en formato digital.

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Ahora, el libro original esta escrito en alemán, que es la lengua materna del autor y de ahí las traducciones generosas a las demás lenguas. Maravilloso. Ahora bien, yo tuve la oportunidad de adquirir la versión de bolsillo(más económica naturalmente) pero es tan notable el libro que me la rebusqué para tenerlo en la versión grande. A pesar de tenerlo tantos años  recién en una relectura me percaté de dos errores en la redacción.

El error es tan nimio que creo yo no merece mucho tema, por lo demás es más importante la esencia de las cosas que el detalle , agregamos a este aspecto que  es molesto fijarse en ese tipo de errores ,como aquellos personajes que solo se fijan en los errores ortográficos de quien escribe interrumpiendo más que enseñando, ahora bien en realidad, el asunto me siguió dando vuelta y observando la naturaleza y la calidad de la obra, es un error garrafal que no entiendo como es que terminó pasando en alto a los profesionales.

Pensaba que el primer tomo fue escrito en alemán ,pensando el la lengua nativa del autor, pero el si bien nació en Austria en 1909 , se traslada a Gran Bretaña en 1936 realizando prácticamente toda su carrera en la nación inglesa. eco.jpgLo cual me saca del error absoluto ya que pensaba que la traducción del texto en español provino de no haberlo traducido directamente del alemán, que lo correcto es que la traducción de un libro a cualquier lengua siempre se parte de la lengua original en el que esta escrito . Y señalo que este debería ser lo más exacto, pues es algo que tiene un respaldo por parte de especialistas como  Umberto eco , que en su texto de “¿Cómo se hace una tesis? técnicas y procedimientos de estudio,investigación y escritura” en el cual señala que lo ideal es siempre beber de la fuente original y no de las traducciones. En mis manos tengo ,lo que cito textual del mismo libro de Gombrich:  “décimo sexta edición revisada y ampliada y rediseñada en 1995,reimpreso en tapa blanda en 1999,2007,2008,2009 “. A continuación se especifica que la traducción efectivamente se realizó a partir del inglés por Rafael Santos Torroella .  Ahora , como estimo tanto a Gombrich se me ocurrió culpar al traductor, pero en realidad la culpa es en absoluto de ellos, sino de otra u otras personas.

PI00098002.jpgPara poder entender que es lo que en realidad me molestaba de todo este asunto, se me ocurrió investigar un poco más por el ciberespacio, pero honestamente no encontré mucha ayuda al respecto, necesitaba algo más especifico y no tantas generalidades o información ambigua, así es que por esas cosas del destino, llegó a mis manos un libro impreso (la fuente más confiable que la información  de navegación ) que me aclaró muchas interrogantes y que recomiendo sin duda alguna , para todos aquellos que deseen entender la cadena de elaboración y producción de un libro impreso. Este libro es Manual de edición y automoción, de José Martinez de Sousa, 2 edición ,de ediciones Pirámide.

 

Por motivos de no extender y aburrir gratuitamente al lector, en la próxima entrada les contaré cuales son los errores que surgen en la lectura de Historia del arte , de  Ernst Gombrich , el libro más vendido de arte y más ameno del mundo.

 

 

 

El stultus o la cultura de la ignorancia: Séneca,Lettres a Lucilius,una lectura recomendada.

 

 

 

 

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El Stultus o la stultitia es una palabra en latín que si bien a quedado relegado a la esfera del lenguaje culto, hace alusión a un actuar que es por desgracia bastante recurrente hoy en día. La primera vez que me relacione con este concepto, fue en los escritos  de Séneca, en Lettres a Lucilius,tomo II,libro V.  también es conocido como Cartas de un Estoico,que es un compendio de 124 cartas escrita por el gran filosofo en los últimos 3 años de su vida,ya en la madurez y síntesis de todas sus ideas.

 

 

 

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Busto de Séneca, apréciese la calidad del detalle ,muy humano y cercano, sello indiscutible del estilo romano.

A modo de introducción antes de entrar un poco en materia, les referiré que el stultius hace alusión al comportamiento errático y totalmente disonante de aquellos que se vanaglorian de ser desubicados en las ocasiones que no deben serlo en absoluto, por ejemplo, no saber comportarse con recato en un funeral, no respetar el espacio privado de una persona que viaja en bus,molestando a través de la escucha de una música que nadie ,salvo el mismo, quiere escuchar;tirarse un pedo a propósito en una cena solo para reirse;rayar con garabatos las calles y casas (ojo, no me refiero al  graffitti , que es un arte urbano de lo más respetado y que ya se practicaba en los muros romanos hace siglos) sino me refiero a esas rayas sin sentido que dejaron de ser respetado y antisistema tag, simple vandalismo que le dan el toque de miseria a cualquier barrio; stultus también es la ignorancia o desidia de algunas personas que ostentan puestos altos en la política o en la empresa,que hacen alarde de como no saben cosas de sentido común, pero no les interesa porque el valor de su persona las suple con su situación económica acomodada y así, una infinidad de ejemplos. También podemos asociar el stultus con aquellas personas que dejan embarazadas a las mujeres que enamoraron y luego las olvida sin hacerse cargo alguno, es decir, huye de su responsabilidad y comete el mismo acto ,porque mientras más mujeres, más hombre. (obviamente que eso desencadena una serie de desafortunados errores en la linea de tiempo cada cual más grande como una enorme bola de nieve)

Stultus también es que empeña la palabra y promete y una vez conseguido el objetivo ya no me acuerdo. Particularmente en Chile, eso yo lo relaciono con la nociva cultura del “vivo”, del flaite, del choro. Es un signo bien distintivo de nuestra época en todo caso, basta ver muchos videos de youtuber que representan esa peligrosa manera de transcurrir y entretener.

 

A continuación transcribiré brevemente algunos extractos del texto del filosofo romano nacido en la España de entonces a modo de introducción:

Stultitia “… es algo que no se fija ni se complace en nada” (pag 134) …es una especie  de lugar común en la filosofia estoica; “cuando todavía no hemos cuidado de nosotros mismos, estamos en estado de stultitia..( )es el polo opuesto a la practica de sí”…¿qué es la stultitia? el stultus es quien no se preocupa por si mismo…( ) el stultus esta expuesto a todos los vientos,abierto al mundo externo “...(pag. 135)

…”como consecuencia de ello,el stultus es quien esta disperso en el tiempo,es quien no se acuerda de nada,quien deja que su vida pase,quien no trata de llevarla a una unidad rememorando lo que merece recordarse,y (quien no dirige) su atención,su voluntad,hacia una meta precisa y bien establecida.El Stultus deja que la vida pase y cambia de opinión sin respiro” (pag 136)

“la voluntad del Stultus es una voluntad que no es libre, es una voluntad que no es una voluntad absoluta. Es una voluntad que no siempre quiere ¿qué significa querer libremente? significa que lo que quiere,sin que lo que quiere esté determinado por tal o cual acontecimiento,tal o cual representación,tal o cual inclinación.Querer libremente es querer sin ninguna determinación…( ) el stultus quiere algo y al mismo tiempo lo lamenta” (pag 137) 

En definitiva ” es en esencia quien no quiere,quien no se quiere a si mismo,quien no quiere el yo”.

Los peligros de esta celebración de actuar , de enaltecer este modo de ser , de considerarlo a menudo como actos de entretenerse,radica que la sociedad actual ,para que siga funcionando de manera tal sin oposición, debe crear individuos precisamente de esa tónica: personas ignorantes de el entorno y de si mismo, personas que no se quieren a si mismas, hay una industria gigante que logra ocultar bajo su alfombra dicho proceder y que se retroalimenta una y otra vez, para ellos existe una industria sin fin de entretenimiento que nos fijan la atención en ellos y no en nosotros mismos,personas que no controlan su voluntad,que son permeables al medio externo, ese medio propagandístico que te señala como debes vivir, a que debes darle valor, a ese medio que te supredita a que la felicidad no nace de uno mismo sino de lo que posee y de lo que consumes, existe un ejercito de psiquiatras dispuestos a darle paliativos a aquellos insatisfechos en el alma cuya frustración no la reconocen porque están demasiado ocupados fuera de si mismos como para ver los errores en que incurren una y otra vez; en efecto, el stultus, la cultura del vivo, del roto con plata , del irresponsable,es sumamente destructiva y frustrante, arrastra el entorno y empobrece el medio en todo aspecto.

local-experts-scottsdale-best-hiking.jpgUn remedio para ello es bien sencillo y hay que realizarlo todos los días en lo ideal , para comenzar ubicarse en un lugar cómodo,puede ser el patio de la casa, un sillón favorito,un parque,una plaza,cualquier lugar donde uno pueda hacer una pausa, una pausa camino al trabajo o camino a la casa,desviar la vista del celular ,la televisión y o cualquier artefacto símil y guardar silencio, solo 5 minutos o menos, al principio es difícil porque estamos acostumbrados a poner nuestra atención en las redes sociales o en algún vídeo de entretenimiento…y eso señala lo increíble de nuestra situación, como si estuviéramos parasitados por un bacteria de conexión externa…pero pronto comenzamos a notar la propia respiración…lo demás viene por arte de magia.

“Un país es rico cuando tiene educación…”

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Escuché hace un tiempo atrás el extracto de una entrevista que, por desgracia, no manejo dato alguno de quien ni a quien se realizó, pero en mi defensa diré algo que si me libera de mi omisión informativa, que la verdad y las palabras de sentido común son tremendamente valiosas, y este valor no es más ni es menos según quien las profiere, porque esas palabras, aquellas que uno al escucharlas reconoce, en su interior, que tienen un mensaje especial, una carga distinta,un ritmo mágico, las que nos obliga a hacer una pausa, son emitidas desde la misma fuente que todos compartimos y devenimos. Nos pertenece a todos.

Esa frase la transcribo a continuación:

“…UN PAÍS ES RICO CUANDO TIENE EDUCACIÓN Y EDUCACIÓN PLENA ES EL CONOCIMIENTO QUE PERMITE LA PRACTICA DE UN RESPETO ILIMITADO...”

La educación no se obtiene en la universidad ni te la da una carrera ni las mejores notas, eso es una falacia, es el miedo que nos venden y socavan la confianza con la que nacemos. Pero ya que estamos en la rueda andando, intentaremos recuperar el sentido común desde las mismas filas internas:

Antes de abrazar el cartón de tu titulo…pregúntate si tu ejerces el respeto ilimitado, tanto hacia ti mismo como hacia los demás. Creo que cada uno es capaz de recordar haber conocido a personas que ostentan cargos de jerarquía y a la vez son tan desagradables que sin duda, son sumamente pobres.

Antes de desarrollar un trabajo, pregúntate si el impacto de dicho trabajo posee ese inmenso respeto que merece el entorno que lo involucra. Y esto va desde la génesis misma de su concepción hasta el acabado final.

Antes de plasmar una obra en su lienzo, pregúntate si estas dando el respeto necesario a dicho materiales empleados. El despilfarro de materiales que puedes usar en el desarrollo de una obra que tienes poco claro, por falta de concentración, por falta de meditación sincera en lo que realmente buscas y necesitas, es equivalente a tirar la basura a la calle.

Quizás en otro momento, hacer unos garabatos a la velocidad de la luz en cientos de hojas que terminan en la basura, por ejemplo, hasta dar con la forma y la idea buscada, en algún momento pudo no haber importado, porque había un planeta inmenso que rebosaba , que parecía infinito e ilimitado en sus recursos…pero ya no lo es.

En concreto, si comenzamos a practicar el respeto ilimitado, comenzaremos a sanar, sanar nuestro entorno más inmediato, a sanar las relaciones con los demás, a sanar nuestro planeta, a volver a escuchar la tremenda sabiduría que anida más allá de las palabras, de lo invisible y en definitiva, como por arte de magia, comenzaremos a despejar ese oscuro mar contaminado y con un poco de paciencia,veremos como el brillo de la paz que es invaluable,comienza a brotar generosa desde nosotros..

Respeto ilimitado.

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Vicente Huidobro : La joven del abrigo largo (microcuento)

La joven del abrigo largo

   

La joven del abrigo largo.

“Cruza todos los días la plaza en el mismo sentido.
Es hermosa. Ni alta ni baja, tal vez un poco gruesa. Grandes ojos, nariz regular, boca madura que azucara el aire y no quiere caer de la rama.
Sin embargo, tiene un gesto amargado y siempre lleva un abrigo largo y suelto. Aunque haga un calor excepcional. Esta prenda no cae jamás de su cuerpo. Invierno y verano, más grueso o más delgado, siempre el sobretodo como escondiendo algo. ¿Es que ella es tímida? ¿Es que tiene vergüenza de tanta calle inútil?
¿Ese abrigo es la fortaleza de un secreto sentimiento de inferioridad? No sería nada raro. Por eso tiene un estilo arquitectónico que no sabría definir, pero que, seguramente, cualquier arquitecto conoce.
Tal vez tiene el talle muy alto o muy bajo, o no tiene cintura. Tal vez quiere ocultar un embarazo, pero es un embarazo demasiado largo, de algunos años. O será para sentirse más sola o para que todas sus células  puedan pensar mejor. Saborea un recuerdo dentro de ese claustro lejos del mundo.
Acaso quiere sólo ocultar que su padre cometió un crimen cuando ella tenía quince años.”

vicente hudobroMe encanta el mundo huidobriano, las primeras paginas de Altazor son la perdición para mi, la prosa de el es tan fantástica y mágica que me es imposible por el  minuto acometer la tarea de analizar la impresión de ese texto, por el momento, transcribo este cuento, que reúne de manera sutil aquellas frases y modos de pensar y sentir la realidad tan característico de Vicente Huidobro.

Este cuento apareció en ANTOLOGÍAS ,edición de Eduardo Anguita (Santiago Zig zag-1945) pág. 180, yo lo leí en Brevisima Relación, Nueva Antología del Microcuento Hispanoamericano, de Juan Armando Epple, pág.99 Mosquito Ediciones.

Este microcuento se basa en una observación, que pudo haber sido lo más banal del mundo, pero que el observador-autor se encargó de macerar la visión de esta bella mujer y transformar el misterio en un acto poético.

Este microcuento nos motiva y nos ofrece el ejercicio de observar más allá de las apariencias, sin duda , una buena lección para los escritores,tomar un objeto ,una acción en la mano y comenzar a darles vueltas sin perder de vista la superficie, hasta hallar la pequeña fisura que nos permitirá descascarar este “disfraz” de las apariencias. Es así que comenzamos el cuento con la visión de este hermosa mujer que a captado nuestra atención,”cruza todos los días la plaza en el mismo sentido”. Es bella, por eso ha notado la presencia en el transcurso de varias jornadas.

Esa es la apariencia, observando podemos comenzar a inferir que “no es alta ni baja”, sin duda una característica común y vaga,aunque “un poco gruesa”, ignoro si este grosor es un defecto, observándola bien posee  “enormes ojos” y una “nariz regular”. Hasta aquí no pasa de ser la descripción clásica de un personaje, pero la frase que viene es la maravilla de la imaginación de Huidobro y que estimula tan bien la imaginación y los sentidos:

boca madura que azucara el aire y no quiere caer de la rama”, es sencillamente hermoso, a veces los libros se salvan por pequeñas frases geniales que permanecen, aquí estamos ante la naturaleza exuberante de la sensualidad femenina , convertida en una metáfora de un fruto exquisito, que “azucara” el entorno, que abre el apetito, que dan ganas de comerlo, devorarlos jugosos a besos, pero es imposible porque es pura tentación imposible,pues esos labios tentadores y exuberantes “no quiere caer de la rama.” La palabra azucara en vez de dulce también es un acierto absoluto, una sutileza de esas jugadas que hacen goles de lujo con muy poco esfuerzo.

El observador salta el obstáculo de aquellos labios y comienza a romper el hechizo, “sin embargo tiene un gesto amargado” y siempre esta vestida con un abrigo largo que impide ver las formas de sus cuerpos, sospechosamente tanto en invierno como en verano. El poderoso poeta que este autor es, inevitablemente impregna con el ritmo interno la prosa de este cuento, enebra frases de cierta musicalidad en donde se aprecia la rima “Esta prenda no cae jamás de su cuerpo. Invierno y verano, más grueso o más delgado, siempre el sobretodo como escondiendo algo.”, esa música interna dota de liviandad el texto y le da una velocidad fresca.

Este esconder es cuando el autor comienza a desnudad capa por capa el objeto de su observación, “¿es tímida?” , ¿Qué esconde? “¿tiene vergüenza de tanta calle inútil?”, esta observación realza la posible naturaleza orgullosa de la mujer, quien no tiene necesidad de mostrar su cuerpo para subir su ego, porque las calles y sus transeúntes no significan nada para ella, su “gesto amargado” corrobora esto.

Sin embargo, algo indica lo opuesto , las capas comienzan a caer una por una en la observación prejuiciosa de la imaginación sin limites, “¿Ese abrigo es la fortaleza de un secreto sentimiento de inferioridad?”, lo fantástico de este microcuento, que el autor plantea que ella esconde su mundo, a través de un abrigo de un estilo arquitectónico que solo un arquitecto puede descifrar. Esconde un embarazo de hace años, porque posiblemente su padre la violó en su adolescencia.”Acaso quiere sólo ocultar que su padre cometió un crimen cuando ella tenía quince años.

Esta capacidad de ir desarrollando una idea , es fundamental a la hora de escribir un cuento, una novela, quizás eso es lo que la gente opinaba de Hemingway, que el era capáz prácticamente de inventar un libro completo a propósito de un calefont que se echó a perder.

A estimular la imaginación y desarrollar la capacidad de observar.

Una ilustración basada en la masacre de Siria.

En el año 2013 ,nuevamente el mundo nos mostró una realidad triste , chocante y terrible: la guerra.  Los que vimos las imágenes de Siria, esa región tan castigada y maltratada, no quedamos indiferentes, duele mucho ver a las personas sufriendo de esa manera, sobre todo a niños , y vuelve a repetirse hoy en día en Palestina.

El año pasado al contemplar las imágenes de esos niños que se encontraban sin vida en el piso, me impactó mucho, cuando uno es padre siempre ve en los otros niños el rostro de su propio hijo, es una empatía abismante que siempre debería hacernos mejores personas y velar por la seguridad y bienestar de nuestra comunidad, de nuestra cultura y de las formas de vida positiva y que se extienda siempre a todo el globo terrestre. Al contemplar esas imágenes recuerdo que me impactó mucho, comenzó a prevalecer algo en mi interior,y eso me motivó con los días a realizar una ilustración.

Lo titulé “JARDÍN DE SUEÑOS“.

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A continuación les paso a referir en que consiste.

Para mi los niños (y creo que para mucha gente debe serlo) siempre son hermosas semillas portadoras de un increíble potencial y de esperanza, en sus pequeños cuerpos alberga alegría, ingenuidad e intensidad, y nos hace recordar siempre que alguna vez fuimos nosotros niños.

El jardín siempre es florecimiento, un espacio de la naturaleza que nos conecta con la fuerza y la paz del mundo natural: el olor a la humedad, a la tierra, la frescura del pasto, la suavidad de lo salvaje, los aromas y los colores, una casa sin jardín se ve muy fea ¿verdad?

Tomé esas horribles imágenes de niños, que sus padres , imagino, pusieron en hilera para atestiguar el dolor y también para un último adiós, y las dibuje entre las hebras del pasto, para simbolizar que esas semillas vuelven a la tierra, a ese hermoso jardín que no tuvieron tiempo de disfrutar.

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Entre las hierba escribí disperso, a modo de semillas, un antiguo y muy conocido poema del poeta Libanés Gibrán Jalil Gibrán:  “Tus Hijos”,  el poema aquel que comienza:

 

“Tus hijos no son tus hijos,
son hijos e hijas de la vida
deseosa de sí misma.
No vienen de ti, sino a través de ti,
y aunque estén contigo,
no te pertenecen.”
Gibrán Jalil Gibrán.
Elegí un poeta de la región,  (hay que desmitificar a esa zona del mundo como terroristas )Gibrán fue un poeta, novelista y pintor muy famoso, de una sensibilidad especial y también fue victima de ese sistema totalitario y absolutista  del fanatismo.
El ave que se aprecia es una ave de la región también, inscribí en su pecho, un hermoso poema de amor escrito en árabe, las espinas  son para salvarguardar las semillas que comenzaran a mimetizarse. El ave simboliza el vuelo y el desapego a la tierra.
Quizás en mi imaginación, esos niños vuelvan a renacer, en un tiempo y lugar más afortunado y puedan desarrollarse plenamente.
Cuidemos lo que tenemos .
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Título: “JARDÍN DE SUEÑOS” Papel couché (estucado). Estilógrafos.
Estoy contemplando la idea de darle color a la ilustración.

 

 

 

 

Parentesis:Las esculturas de Shigeo Fukuda.

 
 
Las esculturas de Fukuda son bellas metáforas que nos enseñan a ver detrás de que todo ruido visual , que 
 
´puede ser atribuida al anonimato, al desconocimiento  o las mascaras que nos colocamos en la vida, que el 
 
que aprende a ver un poco más allá puede apreciar la verdadera forma de ese ser.
 
Se proyecta bajo ciertas luces , bajo ciertos ángulos, bajo ciertas perspectivas , luego solo nos queda 
 
almacenarlas en la memoria, ya que toda persona siempre es un devenir.
 
 
 
 
Trato un poco de asir el método de este trabajo tan original , es difícil intuir verdaderamente el proceso 
 
creativo de una persona, cuando ya es difícil identificar y explicar la creación propia.
 
 
Me aventuraría en señalar que la  idea surgió en la época  de pos-guerra de Japón, de una ciudad  
 
devastada , en ruinas, quizás Fukuda  vio en un momento de lucidez, o  fue presa de ese sentido místico que 
 
invade  en ciertos momentos  a los creadores, 
 
y más allá de esas ruinas , quizás apreció la forma inusual  de la sombra dibujando  una imagen que lo 
 
cautivó.

Que las cosas  pueden ser destruidas o modificadas  en su superficie, pero aun conservan lo elemental, lo 

identitario.

Similar un poco a las personas que se nos aparecen en los sueños, viajeros disfrazados como Ulises, pero 

que sabemos por arte de magia que debajo de aquel disfraz se haya un ser querido.

 
 
 
Es  posible inferir también que lo que se quiere transmitir, más alla del virtuosismo técnico , es que detrás de todo objeto subyace una esencia, pueden cambiar los elementos y su naturaleza, puede ser otra la disposición de construir y levantar, de amalgamar y de unir los distintos trozos de algo, la esencia es una sola, en este caso, la señalada por la luz.Pero es una luz que es enfocada por la reflexión, es intencional, no puede existir esa sombra asombrosamente perfecta en su forma si la luz no es la precisa, en el instante preciso, en el angulo correcto, tanto de la luz emisora como de la posición del observador.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Se puede afirmar lo mismo del conocimiento de una persona, del cambio de estado de sujeto-anónimo a persona -parte de mi, nace de ciertas situaciones que permiten conocerlo, entrar a la esfera de lo intimo y conocer la “sombra” de esa persona antes inasible a mi, desconocida, extraña y errante.
 
 
 
 

 
 
 
 
Pero al igual que las esculturas, todo tiene un limite, cuando las luces se apagan, cuando la obra se deshace irremediablemente, la sombra y la razón de ser deja de estar presente de forma tan evidente, con todas las luces las esculturas de Fukuda pasan a ser un montón de chatarra, de cucharas y cuchillos viejos fuera de lugar; con las personas ocurre lo mismo, el sentido de conexión y de vinculo , que puede ser tan especial a ratos, tan intimo y fuerte , que pueden darse entre dos enamorados , por ejemplo, también desaparecen cuando el instante deja de ser, el entorno, el tiempo se desconectan .
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Posiblemente el método empleado para lograr este resultado, sea el dibujar  en la superficie la silueta a 

lograr, entonces solo bastaría  ir rellenando  esta silueta  con  los elementos disponibles , hasta conseguir  el 

efecto final.

Shigeo Fukuda :”en el diseño, hay 30% de dignidad, 20% de belleza y el 50% de absurdo.”


 

 

“Creo que en el diseño, hay 30% de dignidad, 20% de belleza y el 50% de absurdo. Más que servirle a la sensibilidad al diseño del público general, hay un avance en el diseño si se deja a la gente sentirse satisfecha con su propia superioridad, atrapandolas con ilusión virtual” 

Es un artista , diseñador gráfico ,escultor japones nacido en el  año 1932. Pertenece a los grandes del diseño , comparte con Milton Glaser y Eric  Spierkemann el premio Honorary Royal Designer for Industry que obtuvo en 1986.

Despues de la segunda Guerra Mundial , comenzó a interesarse por el diseño Gráfico, particularmente por la corriente minimalista Suiza, graduandose en la Universidad de Bellas Artes y Musica de Tokio (al igual que Takashi Murakami) en el año 1956.

 

 

 
 
 

NOTAS AL MARGEN:Universidad de  Bellas Artes y Musica de tokio, es una de las más antiguas y prestigiosas escuelas de Japón, fue fundada por la fusión de la Universidad de Bellas artes y de la Universidad de Musica , ambas fundadas en 1887. Al comienzo era exclusivo de hombres, pero a partir de 1946 su enseñanza se torna mixta.

Fukuda  fue profesor de esa universidad en los años 1973 al 2002 y profesor del departamento de Diseño Gráfico en la Universidad de Yale en los años 1982-1984.

Saltó a la fama , cuando su cartel fue seleccionado como el cartel oficial de la exposición de Japón en el año 1970.

 

 

 

Fukuda se especializa en cultivar las ilusiones ópticas, creaba figuras y efectos de sombras y luces, por tanto sus obras se caracterizaban por ser ambiguas y de varias interpretaciones.

 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Victoria .1945. Uno de los carteles más reconocidos de Fukuda.
 
 

Sus trabajos escultóricos son de una originalidad tremenda , levantados con diversos materiales , como cucharas , cuchillos , tornillos y varios elementos más, la incorporación de las luces , terminan de construir la pieza artística dotando de valor la sombra proyectada.

 

 

 

 
 
 

Es posible que su visión con respecto a esta elaboración tan fantastica de la escultura, provenga en primera instancia de que Fukuda nació en el seno de una familia de fabricantes de juguetes.

 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

El trabajo de Fukuda esta fuertemente influenciado por Takashi Kohno, un pionero del moderno diseño gráfico japones.

PARÉNTESIS: LA LITOGRAFÍA E INTRODUCCIÓN.

 
La litografía fue inventada en 1978 por Eloy Senefelder,  Eloy nació en Praga, como todos las cosas nuevas , está técnica era demasiada lenta e implicaba un costo alto su producción.
 
Antes de Senelfelder , se denominaba litografía a las impresiones fósiles en las placas o lajas calizas de los mismos estratos o yacimientos geológicos, por lo mismo , la palabra litografía está compuesta por dos palabras que son lithos (piedra) y grafos (escritura)

Por tanto, no está demás anotar que prácticamente la capacidad de invención está basada en la observación de la naturaleza por parte del hombre , observación que unida a una experiencia racional, conlleva a la solución de un problema o inquietud, a menudo siempre se le atribuyen a una persona o un grupo de personas el resultado final de aquella observación que desemboca en la aparición de un invento.Pero lo cierto es que generalmente siempre corresponde a un esfuerzo continuo que implica la participación de varias personas, a veces separadas por las distancias geográficas , por las  distancias interdiciplinarias o personas distanciadas  en el tiempo.

La metáfora empleada en la entrada anterior, en que las ideas son como una piedra que viaja sobre la superficie del agua y en cada rebote existe un participante de la cadena que aporta en algo, no se excluye en esta ocasión, la litografía quedó atribuida para siempre al nombre de Senelfelder, pero detrás de el, durante de su recorrido , habían personas que aportaron su cuota de ingenio y curiosidad , para conformar el tejido de información que Senelfelder supo leer y llenar.
 
Senelfelder era Dramaturgo y músico, según lo que ha llegado hasta nuestros días , Eloy escribió la lista de ropa que iba a llevarse a la lavandería lo único que encontró a mano, sobre una piedra pulida, con un lápiz graso. Senelfelder se presume conocía la obra de Dufay, comenzó desde aquella mañana , a experimentar sobre aquel proceso de impresión, basado en sus observaciones en donde el agua y el aceite se rechazaban, como hacía tiempo buscaba una forma de difundir sus obras y partituras, aquello solo fue el comienzo de la grabación con el método conocido como aguafuerte.

Entonces dos años después, Senelfelder completó el proceso final , que el denominó “impresión química” y que da a conocer tras patentarlo, a toda Europa.

 
Una década después, su taller en Munich es famoso en todo el mundo, y desde ahí escribe el tratado que es divulgado  con el nuevo proceso que se llama “litografía”.

Taller de litografia.

En el año 1800 , el autor deja un tratado completo en la oficina de patentes de Londres, una “Descripción completa de la litografía”.

 

“El año siguiente, su socio, Antoine ANDRE, importa la litografía a Londres y  su hermano, Frédéric ANDRE, obtiene una patente de importación para Francia en 1802.

Aparece en Italia en 1805, bajo los auspicios del taller de G. DALL’ARMI.

La litografía se introduce en Dinamarca en 1812. Es en 1815 que este arte toma su verdadero auge. En 1818, SENEFELDER funda un taller en París. En 1819, describe su invención en un libro, primero publicado en Munich, y pronto seguido de una traducción francesa. Las primeras litografías de GOYA aparecen también en aquel año. En 1825, el famoso artista español crea la serie de los ‘ Toros de Burdeos ‘.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

En 1824, un joven artista inglés viviendo en Francia, Richard PARKES BONINGTON, se hace notar gracias a sus obras en blanco y negro. 

 
 
Tour du gros horloge,evreux.litografia.

En favor de la revolución de 1830, el semanario ‘ La Caricatura ‘, y en aquel entónces ‘ El Charivari ‘ revelan DAUMIER, cuya obra se erige como un testigo de la sociedad y de la política de su época. 

 
SENEFELDER muere en 1834 en Munich ; la inscripción de su monumento está grabada sobre una piedra litográfica.”

Antecedentes informativos de la litografía:Dufay.

En 1728 , 60 años antes del invento, Dufay publica en Los Anales de la Academia de  Ciencias procedimiento para grabar el marmol:

 Trazar el dibujo
• Cubrir con barniz ( Goma Laca + Alcohol ó Cera de España + Alcohol mezclado con Negro de Humo o Bermellón. )
• Mordiente o “Disolvente” ( “Espíritu de Sal + Vinagre destilado ) ( – “ Cuando deja de fermentar- se renueva”.
 
 
 
El principio de Dufay es el mismo de la litografica de Senelfelder, con la diferencia de que nunca se pensó en ser utilizada como una matriz para crear un molde, con el fin de ser reproducida, no obstante, sienta un precendente que Senelfelder y Schmidt conocían.

Socialist Designers Manifiesto: otro manifiesto del Diseño


 

 

Diseñadores socialista es un colectivo de diseñadores gráficos políticamente conscientes que han accedido a seguir un “conjunto de reglas indiscutibles.” SD fue fundada octubre de 2001 Fabrizio Gilardino, un diseñador gráfico italiano con sede en Montreal, Canada.Sus  “votos de castidad” fueron inspirados por el manifiesto Dogma 95 escrito en 1995 por los cineastas daneses Lars von Trier (Bailar en la oscuridad, Dogville) y Thomas Vinterberg (Celebración): 

 

1. El diseño debe ser hecho en el lugar. “Props y sets” (es decir, de valores fotografías e ilustraciones) n 

2. El diseño debe ser hecho en colores planos. Cuatro proceso de color y barniz que no son aceptables. 

3. Filtros de Photoshop y otros filtros están prohibidos. 

4. El diseño no debe contener elementos superficiales. 

5. Alienación temporal y geográfica, están prohibidos (es decir que el diseño debe tener lugar aquí y ahora). 

6. Diseño de “Género” no es aceptable. 
-Montreal, Fall 2001

 

“Somos socialistas porque tenemos problemas sociales, porque nos interesa de una forma muy específica de concebir la vida, de una vida mejor. Siendo conciente  del hecho de que cualquier cosa que haga en cierto modo es muy político. Cada vez que hable , cada vez que compre algo, cada vez que se aplican ciertas principios  (consciente o inconsciente o lo que sea), es hacer una declaración política. Realmente tengo problemas cuando los diseñadores gráficos dicen: ‘No estoy en la política’, o, ‘la Política no me molesta ‘, o,’ No estoy interesado en él. Eso es tan absurdo para mí. Yo no puedo relacionarme con esta manera de ver las cosas “.