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NOTAS AL MARGEN 1.

Por Corvett.

 

Cuando comencé a escribir este blog, me llamaron la atención dos cosas, la primera: conocer la realidad  del diseño gráfico, más alla de su superficie atractiva y adictiva que conforman el tejido de la comunicación visual , conocer a los trabajadores que conforman este universo  y la segunda : saber como se gesta una pieza de creación , que existe detrás de cada proceso, que factores intervienen , que elementos se relacionan     para dar determinado resultado.

Los resultados que pululan en el ciber espacio, en los libros especializados , en las revistas .En la gran pantalla de la publicidad. 

Una forma que hallé para realizar y abordar tan vasto tema, fue comenzar con la investigación de los diseñadores más famosos  o renombrados a nivel mundial , que dicho sea de paso, no es el objetivo que persigo, más bien, me interesa de sobremanera el trabajo de los profesionales que se concentran en la esfera  inmediata del quehacer , del ahora , de lo cercano a mi  (que en realidad es una manera amable de referirse a los que son menos nombrados), y a partir de ese hilo conductor , ir desarrollando el tema. Comencé por ello con Milton Glaser, el creador del logo de “yo amo a Nueva York”, en donde el amo es reemplazado por un corazón.

 A  partir de ahí ya dislumbraba que todo trabajo relacionado con las comunicaciones , como lo es el Diseño Gráfico, se asemeja a un árbol cuyas ramas se bifurcan hacia muchas direcciones y que vuelven a unirse con raíces que tienen las mismas formas sizsagueantes de esas ramas  , formando un tejido exquisito de información que se pierde durante épocas anteriores y se hacen patente  como por arte de magia, en el presente. Y lo más fantastico aún, se expanden, se expandirán hacia el futuro en algún momento.
Con Glaser, que prácticamente saltó a la fama durante la decada del 60, en el auge del pop y sentó la imagen gráfica de un diseño netamente identificable con lo americano, con lo estadounidense, tiene sus influencias que provienen del mundo islamico y sus miniaturas  con sus colores llamativos realizadas hace muchos siglos , el conocimiento del arte pictorico italiano como De Chirico y su experiencia con el bodegón.
Resulta bastante irónico que diseño gráfico estadounidense representativo esté basado en las pequeñas influencias islamicas, un mundo y una corriente que hoy aquel país, le hace la guerra y lo tiene como tabú y amenaza latente.
Luego a raíz de una entrevista que le hicieron , entrega algunos consejos recogido de su experiencia de vida , pienso que es el premio de todo hombre que ha cruzado mas de medio siglo en un mundo dificil y fantastico, de arrojar su red en el mar y extraer de esa  red, lo que se hay de valioso y de provecho. En una de sus reflexiones aparece Cassandre, que el lo tiene considerado como el mayor diseñador del principios de siglo XX, en una era en que todo era manual, es un honor que sea considerado a tal magnitud, ya que a su lado hay nombres más conocidos , por circunstancias varias que él, como Mucha, Toulousse-lauctrec.
Asi fue como salté de Glaser a Cassandre , varias decadas  más atrás , como un racconto improvisado y genial, y me llevó sin querer a los años clásicos y a la formación de la modernidad, Cassandre posee el distintivo del genio indudablemente, presumo que la genialidad nace de la pasión por lo que se hace , el innovó en su campo, llevó la maestría de Toulousse a lo académico, transformó el mensaje visual del cartel y del afiche a un terreno en que se podía enseñar, mediante reglas y tecnicismo, lo que antes se hacía más por intuición artística, por la práctica de la profesión constante, por el cometido de los artistas.

 Glaser admiraba a Cassandre, su elegancia, su síntesis su virtuosismo, cuando Glaser alcanzaba el pináculo de su fama, Cassandre se suicidaba totalmente triste y abatido por la incomprensión de los nuevos tiempos.

La linea a seguir era por lógica continuar con Lauctrec, pero sabía que iba a desviarme demasiado y quería seguir con los diseñadores gráficos actuales, que son los renombrados. 

Continué con Erik Spierkemann, más motivado por el documental Helvética, que lo encontré fantástico y elegante, explicativo  y bello, filmado en tres continentes y en varios países , en aquel aparecían los diseñadores que andaba buscando .
Puedo seguir enumerando lo evidente , pero lo que me queda claro, es que todos ellos , hasta el momento , poseen un conocimiento sobre la cultura clásica,  sobre pintores y tipografos de siglos anteriores. Seguramente este conocimiento es facilitado también porque todos ellos estan geograficamente ubicados en los lugares donde se desarrolló la cultura , la arquitectura, los museos , las bibliotecas hablan constantemente y en situ sobre lo que los latinoamericanos , africanos, asiaticos solo vemos a traves de libros y documentales.
Información que nos llega porque alguien se dio el tiempo de investigar y subirlo a la red. Quizás ese alguién , con muy buenas intenciones, subió o recopiló información que a él le parecía relevante y deja en la oscuridad aquello que solo los que tengan acceso directo puedan ser capaz de recoger, de leer.
En este preciso momento me encuentro en pleno concepto ideologico de la revolución industrial, con sus antecedentes , abordar a Tolousse -Lauctrec fue ir a principio de siglo XX, pero también significa encontrar sus raices en el romanticismo , en la formación de europa como se conoce hoy en día, y regresar nuevamente a los pintores y litografos cuya sombra se encuentra bastante lejos de los procesos creativos del pixel y el vector, pero mantienen su influencia aún , por el conocimiento del oficio , se mantienen aun por lo tacito porque sus descubrimientos y aplicaciones se utilizan de manera inconsciente.Ramon Casas me sorprendió su precocidad, abandonar el colegio a los onces porque en realidad estaba dando bote, y bueno, también tenía un respaldo económico importante de parte de su familia de muy buena situación ; sin embargo, quizás esa buena situación fue también un obstáculo bastante difícil de sortear.
Pero lo sorteó, y no solo lo hizo a un lado sino que demostró , en pocos años, que la visión que el tenía de si mismo , la intuición que lo impulsaba a abordar ciertos temas , no estaba equivocado y lo transformó rápidamente en un referente de su siglo y un precursor del diseño en Barcelona.

Escribo estas notas al margen , para ir dejando un nodo para no extraviar
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PARÉNTESIS: EL ESTILO.

Se habla hoy en día , no solo en el diseño , no solo en las artes , si no que en muchas disciplinas , “lograr un estilo”, aunque sea una expresión trivial, es bastante confusa su explicación, seguramente porque soy de los convencidos, de que gran parte del problema del mundo, es un problema semántico, en donde lo que se comunica no llega en su totalidad al emisor.

Convengamos que por “estilo” se refiere generalmente a un asunto “estético” , “visual”: estilo de moda, estilo de pintura, estilo de dibujo, estilo de diseño; aunque también está el estilo de escritura, que corresponde a un asunto más conceptual, donde la forma de abordar y comunicar , obedecen tal orden de “estilo” que logra fidelización de los lectores .

Ya que también estilo también se refiere a formas de hacer , a actitudes  que destacan en el entorno, como forma de actuar entre pares, formas de gobernar, pero sigue perteneciendo , como todo lo que realiza el ser humano, a un asunto de estética, a un asunto que se “transmite” , que se exterioriza.

El estilo es usado por antropologos, historiadores y arqueólogos, en su acepción más fidedigna, (más precisa) para clasificar, unir y agrupar información determinada, con el fin de maximizar el estudio, con el objeto de unir identidades unas con otras, sobre todo en un terreno en donde esa información existe en un tiempo pasado, que es imposible abordar salvo con las herramientas de la clasificación.

 

Bajo ese concepto se entiende la utilización o la existencia de la palabra estilo, hoy en día usada de manera tan salvaje , sobre todo que nos manejamos en terrenos donde la comunicación visual es tan importante dentro de la productividad, en donde la imagen y las formas de diferenciarse resultan la clave para lograr posicionamiento o éxito en los resultados que se persiguen. Más aun en un escenario de competencia tan alto, en donde esa competitividad no solo se encuentra en el inmediato entorno sino que se suma , con mayor presencia, desde una aldea global., donde lo exótico , lo foráneo marca inmediatamente una diferencia.

En el campo del arte el termino estilo fue aplicado por los historiadores de arte , para poder agrupar y clasificar identidades bajo dominaciones como barroco, expresionismo, impresionismo, naturalismo y un largo etc..

En el estilo es posible reconocer las huellas particulares del autor, que lo distinguen; pero también se encuentran en ello, rasgos distintivos de una cultura, de una sociedad.

Abordar un mismo tema visual, por ejemplo, un paisaje determinado, pero desde diferentes estilos, los expertos señalan con esto que la visualidad es histórica, que la forma en que uno “ve” o aborda ciertos temas es histórico, está influido por el contexto en que se vive el observador. Y también abordar o desarrollar ciertos temas , como contenido  , también indican una historicidad, recordemos el caso de los realistas , que comenzaron abordar los aspectos más fidedignos de la sociedad, influidos también por los cambios sociales acaecidos por la revolución industrial, y el surgimiento de las nuevas clases sociales, y la tremenda miseria que ellos retrataron, como una forma de protesta, como una forma de no ser engullidos por una amenaza aun sin forma de la productividad en serie y del anonimato del trabajador.

Por tanto es ahi que forma y contenido se relacionan, aunque los críticos a veces discuten que en muchos casos no se unen, cuando se preguntan ¿el realismo carece de forma(estilo)? ¿el expresionismo no tiene contenido? generalmente este tipo de preguntas surgen de los detractores de ciertas corrientes , que impulsados por su inconformismo, desarrollan una nueva idea, una nueva forma de hacer que resulta atractiva para nuevas generaciones, que resulta asertiva para explicar y comunicar ciertas inquietudes.

Por supuesto que ahora se entiende que el estilo y la forma van intrínsecamente unido, un tema cobra sentido como se nos presenta, y lo que se nos presenta solo tiene interés si el contenido es suficiente.Dentro de el ámbito de la artes plásticas, el concepto de estilo a ido  evolucionado de manera tal que existe una corriente que se llama formalismo, que como su nombre lo indica, hace énfasis del significado de la  forma sobre el contenido como fuente de valor artístico. Roger Fry,(1866-1934)  un crítico de arte inglés, tenía una visión más ahistorica, el cual señalaba que no había conexiones significativas entre la obra del artista y su sociedad, su visión se enfocaba en el aspecto emocional que producen las obras , sustentados por los colores, las formas , las texturas, la composición  de estas.

Heinrich Wolfflin (1864-1945) desarrolló un método de estudio a través de estilos visuales ,creó un sistema
de organización formal , que básicamente se para lo lineal de lo pictórico, en donde lo linear corresponde al Alto renacimiento y lo pictórico al Barroco.

¿Quién  no ha escuchado el termino el “espíritu de un época”?¿ o espíritu de su tiempo? Existen historiadores y filósofos que buscan rastros concretos del espíritu de un época ; primeramente habría que especificar que la empresa es difícil ya que la  dificultad es precisar la denominación “espíritu”. Pero hay formas de llegar a un consenso en cuanto a la definición,no obstante, la dificultad vuelve a surgir cuando se aborda la definición de tiempo, ¿qué es el tiempo? un devenir.  Entonces ¿ espíritu de su tiempo?

Sencillamente el motivo de esta entrada y de abordar cierto tipo de reflexión que pareciera ser más particular de la filosofía que del diseño gráfico, es porque pienso que la sustancia, el contenido debe ir unido en primera instancia a la forma.

 

 

En la naturaleza, toda forma tiene un contenido, un significado que es existe porque hay una función especifica. La forma es dada por la función. La belleza de la forma es más profunda, porque nace del observador , que está levantado de la misma sustancia de lo que observa y el devenir.

Cuando un diseñador, como Milton Glaser, que se puede clasificar como uno de la vieja escuela del diseño y Joshua Smith, que puede ser uno de la nueva escuela, abordan el tema de cultivar un estilo, hablan de obtener una cierta diferenciación del resto.

 

 

Si bien es cierto que el contenido está unido a la forma, entonces para abordar el cambio o cultivo de estilo, habría que definir primeramente el contenido, que en el diseño no es otra cosa que definir que es lo que se quiere hacer para participar en las comunicaciones visuales.

¿Que quiero realizar?¿En que ámbito me quiero desempeñar? ¿qué me interesa abordar? ¿dedicarse a las funciones del marketing? ¿a un cambio social?  Tal vez radica en conocer los alcances , limitaciones y aspiraciones propias , de los objetivos y los sueños que se pretenden alcanzar. De identificar las imágenes , temas , colores y formar que dominan nuestro discurso, siempre hay cosas que nos identifican más que a otras. Eso es conocer el contenido.

Un contenido que, como también se sabe, es parte de la imaginación del hombre , imaginación y curiosidad que cincela su tiempo y su época.

Para cultivar un estilo o cambiarlo, hay que partir primero con reconocer que somos, hacia donde queremos ir.

 


La ilustración y el diseño gráfico tienen muchas cosas en común,puede ser una de ellas que ambas pertenecen a la comunicación visual,personalmente no soy partidario de las rencillas entre ambas disciplinas , (como esa gente que odia a los perros porque le gusta los gatos y vice versa , como si fuese inconcebible si te gusta uno no te puede agradar del otro, lo cual es una ridiculez ) considerando una por sobre otra, como pretenden la visión de algunos profesionales del diseño, existe una tendencia a menospreciar la ilustración como un arte menor. Ignoro si este menosprecio se deba tal vez a que estamos inserto en una escala de valores social en que lo que lo regula es el status basado en el dinero y en la obtención de bienestar basado en las adquisiciones materiales, seria antojado señalar eso, aunque podría ser una respuesta no del toda arbitraria, bastaría contrastar esto con la realidad de los artesanos en la época preindustrial, en que el arte y sus maestros eran bien mirados por la sociedad. Quizás la ilustración  , basado en esto, sea demasiado democrática , basta un papel y un lápiz y producir una pequeña obra que cause admiración. sin duda se necesita talento en bruto, sin filtros de adobe, ni programas que activen una lucrativa cadena de descargas y publicidad que se hayan en el ciber espacio . Solo un hombre, una mujer , un lápiz y una simple hoja en blanco, y la imaginación y el horizonte insondable e inclasificable de la inspiración. En realidad es inexacta como se enfoca esta relación entre ilustración y diseño gráfico, pues lo correcto es afirmar que la ilustración esta íntimamente relacionada con la mayoría de las disciplinas, intimidad que se remonta y comparte desde los orígenes del diseño gráfico, del diseño industrial, de la fotografía, indudablemente de la pintura y de artes plásticas. Sin la ilustración seria imposible el desarrollo de la fotografía,por dar un ejemplo, al menos, la hubiese retrasado varias decenas de años. Fueron los ilustradores y pintores quienes estuvieron en la primera fila del desarrollo de la fotografía, junto con los alquimistas, los científicos del pre-lenguaje científico actual. Hace poco escribí una entrada sobre un ilustrador canadiense  notable que se llama Nicholas di Genova, su estilo, que aborda y recrea toda una galería de personajes híbridos, fusiones entre animales y artefactos; o bien , entre organismos vivos y objetos materiales , dentro de su biografía es posible encontrar que parte de la influencia que es posible distinguir, se encuentra la afición del autor por la zoología , las ilustraciones científicas de la era victoriana y la influencia del arte callejero de Toronto, Canadá. De las tres influencias mencionada, solo una tengo clara, que es la zoología, los libros y manuales de zoo, los vídeos que hablan de la vida de los animales, pero de las otras dos, solo tengo vagas referencias , así es que inmediatamente me puse a escarbar con que se refiere a arte callejero de Toronto, que lo distingue de otros, a que se refiere visualmente, que lo sostiene teóricamente , que temas aborda y una hilera de interrogantes ,que , sin embargo, fueron generando más interrogantes , como acontece en  todo tema.

El arte callejero es agrupado bajo la denominación inglesa de street art, y hace referencia a toda manifestación artística que acontece en el ámbito de la calle, en el ámbito publico y que es de preferencia de carácter ilegal. Todos entendemos que lo que hace referencia al espacio público esta normado , se encuentra regido bajo ciertas reglas , a menudo y casi siempre respaldado por la autoridad y por lo tanto sancionado si se infringe. El arte callejero , si bien reúne múltiples manifestaciones artísticas , se caracteriza por las pinturas murales, (graffitti) los stencil, pegatinas , póster , por lo general, por su naturaleza ilegal, debe poder ejecutarse de manera rápida Se piensa que este tipo de manifestación, que podría denominarse arte callejero, es tan antiguo como la indignación hacía las figuras publicas , autoridades políticas sobre todo en épocas en que los derechos civiles y el orden de la sociedad no estaba organizado como un cuerpo equitativo o bien, las diferencias no eran tan abisales, por ejemplo del tiempo de los romanos antiguos existen murales en donde se ridiculizaban  a los emperadores, murales que es por lo común de naturaleza obscena, en donde se representaba al emperador con su mujer o con sus amantes.

La cuna del arte callejero son las grandes ciudades: Londres, París, Sao Paulo, Ciudad de México, Berlín,New York, Toronto.

El origen de este arte callejero es posible rastrearlo al origen del graffitti, en la década del 60 en la ciudad de New York, los jóvenes comenzaron a estampar su nombre (a menudo un pseudonimo) en los muros y fachadas de la ciudad, creándose así una identidad relacionada con la ciudad .El ejemplo más significativo fue el de Taki 183, que era el TAG de un chico de 17 años , de origen griego cuyo verdadero nombre era Demetrius. Taki señalaba que lo que hacía no era algo malo, el pagaba sus impuestos y no le hacía daño a nadie. Prontamente Taki comenzó a ser considerado un héroe y comenzó a ser imitado por otros jóvenes : Frank 207, chew 127, julio 204,barbara  62. Así comenzó un boom de “escritores”que pronto comenzaron , a raíz de competir, en la creación de un estilo, de una caligrafía más elaborada, en donde la ubicación del graffitti también dotaba de carácter y razón de ser, por ejemplo , Soul 1, un escritor de Manhattan, escribía en los laterales de los edificios siempre a media altura. El salto de la caligrafía, que un comienzo era bastante legible, se produjo con la aparición de un grafitero de Filadelfia, llamado Top cat, quien se distinguió por su estilo algo ilegible. Los estilos fueron variando  , ya que la motivación era resaltar por sobre todos los demás, por esa razón pronto , como se comprenderá, fueron incorporándose ala caligrafía adornos como flechas, corazones , en suma , imágenes que derivaron finalmente en el estilo conocido del Bronx, como es el Wild style o estilo salvaje.

 

 

 

 

 

Adolphe Jean-Marie Mouron  conocido por el seudónimo de Cassandre fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano, nació en Jarkov, Ucrania en el año 1901, siendo muy joven estudió en París, ya que sus padres eran franceses, y estudio en la academia de Bellas Artes y en la Academia Julian, es considerado el padre del cartel moderno tal como se conoce hoy en día.

El trabajo de Cassandre lo abordo a través de Glaser, quien lo considera el más grande de la década del 20 del siglo XX, si eso fuese cierto, Cassandre, que es su pseudonimo tomado de la sacerdotisa de Zeus con el don de la adivinación, alcanzó su esplendor cuando apenas tenía 20 años de edad.

Recibe las influencias de las vanguardias entre guerras (la primera guerra mundia y la segunda) de movimientos como el cubismo, el purismo de Le Corbusier o los recursos gráficos de líneas cinéticas propias del futurismo.

A fines de la decada del 20 , europa se acercaba efectivamente a los lenguajes del cubismo y el expresionismo, se retomaba la tradición figurativa luego del impacto de la abstracción, se conoció el surrealismo, la pintura metafisica italiana y la nueva objetividad alemana.

Retrato de la periodista Silvia Von Harden , de Otto Dix.

NOTAS AL MARGEN: la nueva objetividad alemana( Neue Sachlichkei,)fue un movimiento que se opuso al expresionismo , nació en Alemania y surgió a comienzos de los años 20 y acabó en el año 1933 con la caída de la república de Weimar, Hitler y el nazismo lo consideraron un arte degenerativo.
Franz Roh en el  año 1925 llamó a la nueva objetividad alemana como post-expresionismo, aunque existen citas que en realidad lo llamó realismo mágico debido al caracter chocante o agresivo de su lenguaje realista. Básicamente se opone al lenguaje subjetivo o emocional de los expresionistas.

 

George Grosz
Le Corbusier.

NOTA AL MARGEN: Purismo de Le Corbusier es un movimiento artístico francés de la primera mitad del siglo XX, entre 1918 y 1925 el pintor Amédée Ozenfant  y el  arquitecto Charles Jeanneret, más conocido como Le Corbusier desarrollaron este movimiento como la superación del cubismo.El purismo esta basado en las formas básicas, libre de elementos superfluos, que procura la armonía mediante la utilización de la sección áurea.

Giorgio de Chirico.

NOTAS AL MARGEN:   La pintura italiana metafísica  fue un movimiento creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrá  .Este movimiento se caracteriza pr la yuxtaposición de elementos y objetos, representando un mundo visionario que se entrelazaba con la mente inconciente, más allá de la realidad física, este movimiento insufló las energía necesaria para el Dadaísmo y el surrealismo.

Las condiciones de la guerra obligaron a Cassandre a permanecer en París, en donde desarrolló toda su carrera como cartelista, tipógrafo, pintor y escenógrafo.

Con solo 23 años realiza el cartel au bucheron que firma con su seudónimo y marca el comienzo de su exitosa carrera.

 

au bucheron Cassandre, mortalmente gráfico.

Cassandre tenía su estudio en Montparnarsse, y al comienzo comenzó a realizar carteles para poder subsistir y dedicarse a la pintura, no obstante, el nuevo medio de expresión lo comenzó a cautivar, ya  que ofrecía un amplio espectro de comunicación que la pintura no le entregaba. Los afiches  de Cassandre pertenecen en su mayoría al art deco, lo más llamativo que poseía este medio de expresión es la posibilidad de comunicarse con un público.

NOTAS AL MARGEN: Montparnarsse es un barrio de Francia ubicado en el margen izquierdo del río Sena. A comienzos del siglo XX fue el corazón de la vida intelectual de Francia.

     Sus primeros afiches que lo catapultaron esté el “Itoile du Nord” (1927)
(la estrella del norte)es una opera comique en tres actos.

 “Dubo Dubon Dubonnet” (1932) Dubonet es un dulce a base de vino aperitivo que se vendió por primera vez en el año 1846 por Joseph Dubonnet.

 

 

La gracia de este cartel , es que está pensado para ser expuesto en autos en movimiento, asi es que se puede hablar de la introducción del cartel serial, que transmiten la idea o un concepto en acción o secuencia.

Cassandre , como la sacerdotisa, era un visionario, su formación es netamente perteneciente a las bellas artes, pero supo entender que el afiche se movía bajo otros parámetros comunicativos si bien, utilizaba las técnicas expresivas de la pintura. Por  tanto su fino sentido logró equilibrar las dos disciplinas , como el mismo señalaba, los afiches están diseñados para personas que no tratan de verlas , así , los conceptos nuevos que lentamente comenzaba a visualizar, pasaron a formar parte de muchas escuelas de diseño, los afiches fueron confeccionados utilizando los elementos de la arquitectura y de la geometría.

 

 

 

 

 

Los afiches , al ser fusionados con estas disciplinas , lograron un gran impacto visual en la época, y Cassandre fue solicitado desde todos los puntos de Europa , grandes compañías y oficinas francesas, holandesas, inglesas, italianas y americanas solicitaron los servicios de Cassandre, de 1924 a 1936.

” Titulado como “El primer director escénico de la calle” por su amigo escritor Blaise Cendrars. Según Cassandre el cartel exige la renuncia del artista a afirmar su personalidad. Si lo hace, rompe las reglas del juego. La pintura es un fin en sí misma, mientras que el cartel es sólo un medio, un medio de comunicación entre el anunciante y el público semejante a un telegrama. El cartelista desempeña el papel del operador de telégrafos. En consecuencia, emite y transmite un mensaje que no debe contener información detallada. Únicamente se exige de él que establezca una clara, poderosa, simple y precisa comunicación.”

 

 

Cassandre  después de un primer intento de suicidio en 1967,  se quitó la vida en su apartamento en el Avenue René Coty en París en 17 de junio en 1968, después del rechazo de uno de sus diseños innovadores por un editor publicista alemán.

 

 

 

Ramón Casas i Carbó fue contemporáneo de Toulouse-Lauctrec y también abordó el cartel y la litografía con éxito.
Fue un pintor Catalán, nacido en 1866, celebre por sus pinturas, ilustraciones , caricaturas referente a la élite social , política , económica de Barcelona, Madrid y París.Los expertos consideran sus carteles como pieza clave para definir el modernismo dentro de Cataluña, lo que sobresale en sus trabajos es el rol de la figura femenina .

 

Su formación fue un colegio de prestigio , El carreras y como suele ocurrir con muchos artistas , fue un pésimo alumnno destacandose solamente en el dibujo.  Como venía de una familia acomodada, dejó el colegio a los once añ y comenzó sus estudios en diversos talleres , el primero fue el taller de La Lonja de las artes ,del pintor Catalán Joao Vicens donde demostró cualidades superiores, también se registra su paso por la Academia de Carolus Duran en parís, gracias a su puesto como corresponsal  de la revista Lávenc , para la cual trabajaba y había confundado en el año 1881 , como dibujante e ilustrador.

Contiene dentro de su formación el conocimiento de la pintura del siglo de oro español, pero no siguió la tradición de las bellas artes y de llamada escuela de Olot, que era la que predominaba entonces, sino que más bien dirigió su mirada en otro tipo de estética, avizorando como bien visionario tendencias que iban más de acuerdo a los cambios  sociales que iban surgiendo durante esa época, y aun así no dejándose llevar por el impresionismo ni otros movimientos que acompañaban a la vanguardia.

 

Residió en París desde 1890 a 1894 donde perfeccionó su técnica, indudablemente Francia contaba con más desarrollo que España en cuanto a sistemas de grabado o litográficos.

 

Fue muy precoz, a los 15 años publicó su primer dibujo , dos años después participaba en una exposición en el salon des Champs Élysées de París, en el cual presentó su ” autoretrato vestido de Flamenco”

 

Como la mayoría de los artistas de la época llevó una vida bohemia, pero como pocos de ellos, tenía una vida acomodada y sibarita. En aquel entonces , Toulouse-Lauctrec dominaba el panorama de l cartel e influenciaba con su trabajo el acontecer del afiche, Casas recibiría esa influencia también.

 

1883-1884 viajó por Madrid, Sevilla y Granada realizando retratos , caricaturas , pero también comenzó a interesarse de manera particular por la pintura historica, en especial por los acontecimientos que ocurrían en aquel instante , como por ejemplo, una escena llena de luz dramática , “Garrote Vil” que es una de sus obras más reconocidas.

 

 

 

Garrote vil. (1884)

 

 

Se instala de manera definitiva en Barcelona, aunque viajará de manera recurrente a París, a participar de los salones anuales, pero también viajara de manera constante a Madrid y Estados Unidos

Recordemos que se interesó de manera particular en el cuerpo femenino, a los 40 años de edad , conoce a una vendedora de lotería de 18 años,Julia Peraire, que se convirtió en su modelo preferida y amante:

 

Hasta aquí se a presentado algunos trabajos para demostrar la maestría pictórica de este precoz talento que fue Casas, dominaba ampliamente la figura y la técnica de la pintura. Con esos conocimientos abordaría el tema del cartel.
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Apertura del local Els 4 Gats (junio 1897-junio 1903).

Els 4 Gats

 

Els 4 Gats.
Ramon Casas financia su apertura y junto con el amo del local Pere Romeu y sus amigos Utrillo y Rusiñol protagonizan las actividades y la tertulia de este café-cervecería que representa las inquietudes artísticas del modernismo. El local recoge la influencia parisina del local Le Chat Noir,
(recordemos el cartel de Toulouse al café parisino.)

 

Toulouse-lauctrec.
y reune la generación de jóvenes artistas como Picasso, Manolo, los del grupo del safrà, etc. Casas decora el local con dos grandes plafones: el famoso Tándem y el Automóvil alusivos a los siglos XIX y XX. También diseña el cartel. Participa en la muestra colectiva expuesta en la Sala Grande de Els 4 Gats.

Tandem.
Gana el concurso para el cartel publicitario de Anís del Mono, convocado por el propietario, Sr. Vicente Bosch. Inicia una gran actividad como diseñador de carteles publicitarios como el de la casa Codorniu, los Cigarrillos París y otras casas comerciales.
A Ramón Casas es posible clasificarlo dentro del modernismo pictórico, y también se le considera pieza clave en el desarrollo gráfico de Barcelona y de España por extensión, si consideramos que Barcelona es la ciudad que se especializa en divulgar el arte en todas sus disciplinas, que prácticamente la mayoría de los libros especializados en el tema y en el diseño gráfico en español , tienen sus editoriales en aquel lugar, Ramón Casas i Carbo ocupa un lugar predominante en las bases Catalanas.

Así funciona una idea, un niño  tira una piedra a ras de un lago,es de noche y las estrellas se confunden como luciérnagas en ojos de faroles.  La piedra viaja a una velocidad apenas percibida  y va dejando una estela, cada vez que toca la superficie del agua crea una estela. La creación de la humanidad, cuando es bella, funciona  del mismo modo, cada estela es un hombre , una mujer que impulsa ,que recoge esta  pequeña piedra y la impulsa más lejos aun; cuando la piedra deja de escucharse , la noche se confunde con el agua, puede ser que el camino de una pequeña piedra se transforme , en la memoria, en el trayecto de una pequeña constelación.

Lauctrec se consagró como maestro de la litografía , en el cual desarrolló sus ideas sobre el cartelismo, incorporando en sus obras los colores planos y trabajando la tipografía, adaptándola, creando nuevas formas de expresión , con el objetivo de conseguir un resultado para un emisor, para un cliente, para una persona.

La litografía fue creada en 1796  Munich por Aloys Senelfelder que la creó para imprimir caracteres musicales , esa fue su necesidad, la música.

Los artistas, que viven pensando en plasmar los instantes, vieron en la litografía una posibilidad, una herramienta que ofrecía múltiples posibilidades, así fue como el gran Goya demostraba las cualidades de este medio de impresión  en el año 1819.

La litografía se desarrolló principalmente en Francia, una tradición que va desde Gericault hasta Delacroix,Doré, Gavarni, Daumier y luego Bonnard.

Cuando la piedra de esa idea comenzaba a perder velocidad, Cheret incorporó los colores, hasta que Toulouse-Lauctrec, finalmente la  desarrolló completamente y de manera única.

 

NOTAS AL MARGEN:Theodor Gericault: pintor francés, es hijo del romanticismo, (nació en 1791) tuvo una vida corta y tormentosa , no obstante dejó una producción cuantiosa, una de sus obras más conocidas es la LA BALSA DE MEDUSA , que contenía en su seno un tratamiento político.

 

 

 

NOTAS AL MARGENGustave Doré, nació en Estrasburgo, Francia, en 1832-1883, fue ilustrador, grabador y escultor, ya cuando tenía 15 años realizó un libro con ilustraciones de París, ya a temprana edad cobraba más que Honore Daumier. En 1853 ilustró trabajos para Lord Byron, una versión de la Biblia y el famoso cuento El Cuervo, de Poe, y fue realmente exitoso y siguió ilustrando hasta su muerte.

 

NOTAS AL MARGENPaul Gavarni 1804 era el caso contrario de Doré, proveniente de una familia pobre, trabajó como obrero de una fabrica de motores. Es un caricaturista francés que realizó múltiples trabajo de caricaturista , en un principio basado en el humor, pero luego de una visita  a Londres, y ver la tremenda miseria que existía, se sumo en una crisis y nunca más vilvió a realizar dibujos basados en el humor.

 

NOTAS AL MARGEN: Honore Daumier, nació en Marsella en 1808, fue caricaturista, pintor, ilustrador, escultor y grabador ,inició su carrera en la xilografía y la ilustración para anuncios publicitarios en la que se nota la influencia de Charlet.
En 1828 inicia sus primeras litografias para el diario La sihouette,(la silueta), la Caricature y Le Charivari, de él se dice que realizó mas de 4.000 litografías caricaturescas, era capaz de emplear muy pocos trazos para explicar una idea o una actitud.Caricaturizó al rey Felipe, hecho que lo llevó a la cárcel. Como se puede apreciar en la obra de arriba, el poseía un estilo que daba la impresión de ser cuadros inacabados, que en conjunto con el manejo del claroscuro, se transformó esa forma de realizar en parte del lenguaje técnico visual de principio de siglo XX.

 

 

NOTAS AL MARGEN:  Pierre Bonnard nació en 1867 fue pintor, ilustrador y litógrafo francés que se dedicó a la publicidad y al arte. Fue líder del movimiento de los Nabis. En el año 1899 se consagra como artista publicitario con un anuncio de champán. Realizó multiples desnudos femeninos ,algunos lésbicos,
Realizó pinturas de mujeres haciendo labores cotidianas, como haciendo aseo, que le valieron que su obra fuese llamado “intimista”.

 

Toulouse-Lauctrec: el origen del cartel moderno ,parte dos.

El realismo pictórico, recordemos, fue un movimiento artístico que alcanzó su esplendor a mediados del siglo XIX, en Francia, coincide con los cambios de la revolución industrial y como todo proceso nace en respuesta de algo , en este caso nace como cansancio a los valores del romanticismo, existía una necesidad por incorporar la realidad  al arte, en este caso, de representar lo que estaba aconteciendo tal cual, en conjunto con el surgimiento de las clases mas desfavorecidas.

Los maestros que tuvo Toulouse-Lauctrec provenían de este nuevo movimiento , cabe constatar que el realismo tiene sus orígenes en las ideas sociales de la época, la incorporación de la maquina en los ordenes de producción, el surgimiento de nuevas clases sociales, la acumulación de capital, la lucha de los trabajadores en un nuevo escenario, tal parecía que el mundo no estaba para seguir pensando en ideas románticas , que por lo demás, el progreso mal enfocado terminó por sepultar las ideas de la ilustración.

Por ello es deducible que la motivación que sentía Henri por plasmar los bajos fondos de la noche parisina, los burdeles , las casas de prostitución , reflejando la vida tal cual era, provenían de este principio pictórico en boga y aprendido en sus años bajo la tutela de sus maestros.

Toulouse pintaba a los personajes de la noche bohemia , como las bailarinas, los cantantes y las prostitutas , a las cuales retrataba en situaciones normales, como cuando se están cambiando de ropa, están en el camerino o en el examen medico, lo cual lo hacía una especie de cronista de su época.

 

 

 

La importancia de este retratar los cafés es que fueron estos lo que hacían encargos a los artistas para que les hicieran , los cabaret parisinos le hicieron encargos de carteles para promocionar sus espectáculos , el primero lo realizó para legendario Moulin Rouge en 1891.
Lautrec cuando comenzó a interesarse por el cartel y sus posibilidades, ya estaba bien adentrado en su carrera de pintor, se consagra en la litografía, consagra su estilo particular y la incorporación de la tipografía en sus trabajos, a pesar de su vida prematura, alcanzó renombre internacional .
Realizó una treintena de carteles, pero fue un numero suficiente para incorporar su sello, probablemente el número nos parece, ahora, como un numero menor en una vida de producción, pero la vida no era tan acelerada como lo es hoy en día.
Lautrec incorporó los colores planos y la estampa japonesa, que había influido y era conocido gracias al Art Nouveau.

 

El origen del cartel Moderno ,parte 1

 

¿Por donde comenzar? los inicios del cartel moderno  se confunden en una época azarosa de Europa, fue a partir de comienzos de siglo XX que la era moderna y su ritmo insuflaron de una velocidad distinta la vida en general, de todas formas , una velocidad que venía impulsada por la revolución industrial del siglo anterior. ¿Por donde comenzar ? tal vez un buen comienzo sea referirse a Henri Marie Raymond Toulouse-Lactrec que nació en Albi en 1864 y fue pintor , grabador y dibujante.

A él se le inserta o identifica con el posimpresionismo

Era de origen noble, nació en un castillo tremendo  y las tradiciones aristocráticas , que eran muy comunes en las epocas anteriores, utilizaban la endogamia para evitar que la fortuna familiar se dispersase , por tanto los padres de Henri eran primos,causando como consecuencia que naciera con deformaciones, su constitución física eran tan debil que sufrió fracturas en ambos femures  y ese accidente causó que no pudiera crecer más alla del 1,52 de estatura.

 

Castillo de Albi.

 

Castillo de Albi.

Toulouse se fue a Paris en 1880 para ser pintor,  su primer maestro fue Leon Bonnat , que se especializaba en el retrato de moda, pero dos años después, cuando cerró el taller , tuvo por maestro a Fernand Cormon, lo interesante de estos datos , es que fue en este taller en donde se hizo amigo de Vincent Van Gogh, quien contaba con 32 años aproximadamente (Toulouse tenía entonces 18 años).

 

NOTAS AL MARGEN: León Bonnat: fue un pintor que se le identifica dentro de la corriente del realismo pictórico, nació en Bayona y estuvo aun tiempo en Madrid , en donde tuvo a maestro a MADRAZO.
causó escándalo por su estilo ya que se alejaba de lo  tradicional que era de la escuela de Ingres y prefirió un estilo más juvenil , inspirado por lo oscuro y tenebroso de Caravaggio  y José de Ribera. Y al igual que Caravaggio , en los temas biblicos retrataba a los personajes como personas ordinarias , toscas y a veces, de aspecto desagradable.Dentro de sus alumnos  , también tuvo a Braque, a Munch, Coffin y a Edson.

 

Muerte de Ravana (1875)

NOTAS AL MARGEN:Fernand Cormonn:fue pintor francés, conocido como Fernand-Anne Piestre, fue uno de los principales pintores de temas históricos de Francia moderna,causó impacto por su estilo  sensacionalista, ya que gustaba realizar escenas de batallas en donde la sangre y la crudeza estaban en primer plano.

El desesperado, Coubert.

NOTAS AL MARGEN:REALISMO PICTÓRICO: es un movimiento artístico que también se hizo presente en la literatura, cuyo objetivo era conseguir el máximo grado de realidad en los cuadros, alcanzó en el terreno de lo pictórico su máximo esplendor en Francia a mediados de siglo XIX.
El manifiesto es el siguiente y el cual es posible identificar los principios que motivaron a Lautrec a plasmar de manera cruda la vida parisiense:

 

  • “La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
  • No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
  • Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

Es interesante constatar, pero será analizado más adelante , (ya que queda en el tintero la parte ideologica de este movimiento, que tenía en su seno ideas socialistas , de ahí la tendencia a retratar las clases más desfavorecidas de la sociedad), en suma,  que el realismo de Coubert y del siglo XIX es considerado como el origen mismo de la modernidad y de la vanguardia, este fenómeno fue analizado por el MNAC de Barcelona el 2011.

 

El modesto MNAC.

NOTA AL MARGEN: MNAC, Museo de arte de Catalunya, que funciona desde el año 1990

El año 84 se fue a Montmartre donde tuvo a vecino a Degas, de todas formas Montmartre era caldo de cultivo para vida artística de Francia  y pronto le cautivó la bohemia parisiense y frecuentó con asuidad  los locales nocturnos, en donde la prostitución estaba entremezclada en el tejido social de las corrientes  que germinaban en los bajos fondos.

Si bien Henri se le considera posimpresionista, en donde Van Gogh fue su máximo exponente, no le interesó pintar paisajes , le llamó la atención los interiores, en donde plasmó las luces artificiales  , los colores de lo ambientes cerrados , nocturnos ,enrarecidos por las costumbres de la noche, así de esta forma, las personas constituyeron el motivo de sus cuadros , bailarinas, cantantes y prostitutas, de las cuales estas últimas retrataba mientras se cambiaban de ropa o se hacían exámenes médicos

 

 

Cassandre se suicidó luego de haber sido olvidado por los tiempos que corrían, trabajando en una tipografía, el cliente lo desestima : era su segundo intento de suicidio y el definitivo.

Hoy existen varios trabajos en su tipografía, como un homenaje de su publicidad de Dubonnet, en el cual se recrearon mediante uso de modelo y escenario la imagen de ese popular cartel, cuyos detalles serán  tratados en una entrada anterior en este mismo blog.
4youngcollective es un grupo de diseño con sede en París que , como reza su blog, http://4youngcollective.bigcartel.com aman la ilustración, la tipografía, el packaging, el arte y todos los diseños gráficos, realizaron un trabajo inspirado en este diseñador. Estas imágenes es posible encontrarlas en behance http://www.behance.net/gallery/Inspiration-Cassandre/6179995

 

 

 

Por otro lado, Gregoire GUILLEMIN,radicado en Yveline , Francia que es un diseñador dedicado a la ilustración y al diseño de juegos , fanático de los comics realizó una hermosa imagen inspirado en Cassandre, que sencillamente pudo haber sido realizado perfectamente por el autor original.

 

Es genial su secuencia de “la vida secreta de los superheroes” que lo pueden encontrar tanto en Behance http://www.behance.net/leon como en otros sitios.

 

Posee varias imágenes de películas basado en el estilo , como IRONMAN, HULK, GHOST RIDER y otros más , que lo pueden encontrar en http://www.greg-guillemin.com/

 

Imágenes basadas que aparecen en varias áreas  como por ejemplo:

Este cartel de reclutamiento de EEUU,en Navy WWII.

 

 

 

Una portada del gran Feredico  García Lorca.
Existen múltiples ejemplos en la actualidad, ya sea como inspiración estética,ya sean  como homenaje, lo cual cabría destacar el comentario de uno de los diseñadores más famosos del mundo , que admiraba a Cassandre, se refirió a Él en una entrevista y arroja una luz sobre su muerte y una reflexión, Glaser señala que el estilo está bien tener uno, de echo es una herramienta que permite sobrevivir en el alto mundo competitivo de la actualidad, destacarse por el estilo y distanciarse del resto, pero eso mismo también puede llevar a que sea muy difícil mantener el ritmo de la tendencias ¿que diseñador podría asegurar que el estilo en que se sobresale hoy pueda seguir vigente en unos cuantos años más?
A todas luces, pareciera ser más sencillo ir acompañando las tendencias y lograr un equilibrio entre la búsqueda de aquello que permita distinguirse del resto, el cultivo del sello propio y la adaptabilidad , estar atento a las corrientes imperantes, sobre todo en un mundo tan vertiginoso como lo es el actual.