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Joanna Estep: “Si expresas o revelas verdades y creencias personales con el manga,yo lo llamaría arte”

joannafotoJoanna Estep es escritora, dibujante e ilustradora, oriunda de Dayton, Ohio,USA. Joanna  se recibió de la carrera de Diseño Gráfico, ella aparece en la página 94 del libro compilatorio MUNDO MANGA ,100 artistas,1000 secretos profesionales,de editorial Promopress.

Es interesante hacer la relación de ella con el profesionalismo con el cual a incursionado en el hermoso del arte secuencial del comic y del manga, la misma carrera de diseño gráfico es una valiosa herramienta sin duda que le a aportado un desarrollo de posibilidades técnicas,expresivas, tanto en lo que atañe en el aspecto netamente de expresividad gráfica como de formato.

Veamos que cosas tiene de interesante y que sin duda son tips a imitar para todo aquel que quiere seguir perfeccionarse en lo que hace y se dedica,independiente del ámbito :

Joanna comenzó a dibujar manga cuando fue elegida para ilustrar la trilogía Roadsong, escrito por Allan Grossy publicado  por  TokyopopJoanna es una artista perfeccionista, se tituló de lengua japonesa, que mejor que indagar de las mismas fuentes , siguiendo el genial consejo del maestro Umberto Eco, en su libro “Como hacer una tesis“, el cual señala que lo ideal es leer las fuentes sin traducciones ,directamente de la lengua.

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Una de las preguntas que le hacen en el libro resume el patrón de su obsesión y modus operandi de esta genial ilustradora.

-“¿de donde proceden las ideas para tus dibujos?¿cómo haces tu trabajo?

R:Mi mejor inspiración proviene de leer libros y ver películas. Y cuando tengo una idea,suelo investigar en Internet o visitar la biblioteca para tener una mejor referencia visual”

Una de las grandes falencias de la generación visual de hoy, es su resistencia a leer libros completos y a temas de investigación, el universo de diseñadores e ilustradores que amen leer o escribir son más bien reducidos, por lo cual, este tipo de artista al complementar esas cualidades en su desarrollo profesional le aporta una dimensión más a la creatividad.

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Es posible hallar en sus dibujos el grado perfeccionista ,los detalles , las sombras se ve rigurosidad y observación plena; su entintando es espectacular, como el manejo de las luces y sombras, así mismo, no se  queda atrás lo más importante de la ilustración, el mensaje conceptual de la imagen.

“Joanna escribió y diseñó la sincronización manual: Expresiones de tiempo en Sequential Art and Design, que recibió el premio Charles Logan Smith por la excelencia en el diseño” , y recibió el premio SPACE por sus trabajos de arte secuencial.

Me maravilla, en lo personal, el grado de inmersión y dedicación que muchos optamos como estilo de vida, absolutamente llenador y redentor. Debemos hacer siempre la diferencia.

El tiempo sobra para los artista obsesivos.

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Las fechas de Federico Pietrella, un artista que registra el tiempo.

1-Federico-Pietrella-StampEl trabajo de este asombroso y obsesivo artista italiano es un verdadero arte, en el se conjuga varios aspectos que logran llamar la atención de su obra, entendemos que en muchos sentidos una obra se juzga por su resultado, por el acabado , en este caso, si apreciamos bien un cuadro de Pietrella , no podemos evitar evocar una atmósfera de nostalgia sorda, ya sea por la relación entre el tema escogido a ilustrar , (calles semideserticas, en donde la presencia del hombre acentúa la extraña soledad de la vida urbana , eso por un lado, y por el otro relacionar  la estética de la técnica propiamente tal, Pietrella emplea blanco y negros, dotando de una luz difusa e inconexa que amplia esa sensación de silencio visual, de quietud)

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Ahora bien, al igual como ocurre con muchas obras, una observación detenida de los mismos, nos puede entregar una mayor información , pero esta información no es solo datos fríos , sino que aquí comienza en muchos casos, la verdadera relación entre el espectador /observador y lo que el autor nos a entregado .

Al igual que ocurre con Georges Seurat, en donde un zoom de la superficie nos revela en primera instancia la composición basada en el puntillismo, con Federico Pietrella ese zoom nos revela que el trazo esta basado  en el uso inusual de un sello postal.

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El timbre postal tiene ingresado la fecha del día en que el artista se encuentra ejecutando el dibujo, el cual transforma la aplicación en una especie de lienzo que rinde homenaje al tiempo y al instante. La habilidad y el talento están presente tanto en la concepción filosófica como en la elaboración material, a pesar de utilizar un sello de fechas y no pincel, el resultado es de un hiperrealismo asombroso.

Para que el cuadro resulte, las soportes deben ser de gran formato, lo cual determina automáticamente el tiempo que tarda en completar una obra, que tarda aproximadamente dos meses, eso es comprobable ya que como Pietrella trabaja con la fecha del día, se puede apreciar todas las fechas de los días empleado desde el comienzo hasta que acaba; también a través de esta manera de trabajar es posible apreciar como la composición del cuadro, es decir, por cuales zonas comienza y por cuales finaliza.

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El artista que actualmente trabaja en Berlín, sus cuadros pueden cotizarse aproximadamente dentro de los  €20 mil por pieza. Increíble trabajo ¿ verdad?

Franz Ackermann: “Lo que se trata de transmitir no son las minucias de los caminos …() Me gustan sino un informe de viaje destilado, que se alimenta del recuerdo y de la experiencia actual”

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Franz Ackermann ( o El hombre Acker?)

Me gustan los procesos , los WIP (work in process or work in progress) ya sea porque a través de los mismos puedo comprender o más bien tratar de entender en algo la naturaleza de las obras que me llaman la atención, tratar de hacer un mapa mental de la parte técnica, de los materiales empleados en su elaboración, esa materia paso a paso,capa por capa. Para mi en lo personal, una obra terminada es por lógica, importante, claro esta, pero más interesante es reflexionar entorno de que una obra nunca es el resultado de su simple final, sino que la mayoría de ellas su resultado, es la suma absoluta  de las partes que la levantan, que la construyen, incluyendo todo lo que participa y se involucra en su entorno más inmediato, incluyendo, por supuesto, a lo que atañe como el entorno más lejano como a las esferas fronterizas  de observadores de dicho objeto,observadores que pueden encontrarse en zonas geográficas totalmente alejadas tanto en espacio como en el tiempo.

Participan en este interesante vínculo con la obra señalada a los observadores que involucran algo más que la sola mirada instantánea: para que un observador pasajero y transitorio forme parte de la sumatoria de las partes debe hacerse participe de este tegumento, que actúa como pegamento, de una cierta emoción nacida a propósito de la impresión causada por la obra. Sin la fuerza de este enlace, nacida naturalmente y de manera espontanea, de la intensidad, una obra no puede hacerse parte de un cuerpo con más peso especifico.

En el caso puntual que me despierta esta reflexión, a propósito de la obra de Ackermann, es saber su manera de construir las obras gigantes que el realiza.

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Franz Ackermann  es un artista que desarrolla su trabajo a través de medios como el cine, la fotografía, la instalación y también la pintura. Nacido en Neumarkt-Sankt Veit, Alemania, en 1963, su pintura se caracteriza por la abstracción. El núcleo fundamental de su obra gira entorno al viaje, a la globalización , como extensión al viaje, “la estética de las grandes áreas urbanizadas “. Las pinturas sobresale por sus grandes dimensiones, sus obras abarcan grandes espacios, invaden entornos y se posesionan de grandes lienzos de concreto interiores. El color y el juego óptico de sus formas entregan al espectador una sensación de vértigo, de infinitud, mediante la participación de lineas o formas que se unen sin fin formando un panorama espacial, cuya similitud con el cine no es casualidad.

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Antes de pasar a los formatos grandes, Ackermann elaboró los “mental maps“, pequeñas acuarelas de bolsillo, nacida de sus observaciones personales en sus viajes y de su peculiar interpretación de los mismos, el itinerario de sus registros abarca Honk kong,Australia , Asia y América del sur, lugares del mundo que forman un panorama multicolor de formas básicas que son interpretadas como sensaciones .Este punto es muy interesante, porque todo ese registro, empleando una técnica tan sencilla en sus materiales como lo es la expresiva acuarela, es la antesala de comprensión de su trabajo antes de volcarlo de lleno a las extensas áreas de sus intervenciones e instalaciones.

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Apréciese el detalle de la tela multicolor como parte de la composición del muro.
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Apréciese la curvatura de la obra, cuya inclinación da una sensación de presencia que juega con la seguridad del observador.

Si te gustó la entrada, si quieres comentar al respecto, bienvenidas son todos los comentarios, la retroalimentación de los blog es sumamente estimulante y enriquecedora. Todos los comentarios forman parte de este tejido de la cultura y transmisión de información.

“El arte no se crea, el arte se participa”

Esta frase fue escrita precisamente por medio de una intervención urbana anónima, contemporánea. Esta frase puede ser perfectamente lanzada como unos dados o unas cartas de juego  sobre una mesa bohemia llena de amigos, a lo más , gente amable que están siendo transportados en el mismo barco hacía una orilla nocturna en donde es posible hallar e inventar muchas puertas, siempre conducentes a un destino,una nueva reflexión. Pueden estar o no estar de acuerdo con la frase, aunque cuando se trata del arte propiamente tal, siempre es mejor abstenerse de ser racionalmente categórico.

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arte5Sin animo de profundizar en absoluto, esta frase encierra varias aristas interesantes, una de ellas, es el concepto de participación, cuyo valor aumenta al ser escrito en una intervención urbana, siempre de carácter pasajera pero masiva. Y a sobrevivido: ignoro en que muro, en que país fue escrito, pero sus letras, su energía, su profunda síntesis a resistido el tiempo y a cruzado seguramente varias vidas, que la leyeron en su trayectoria hacía algún lugar, plasmándose en esas rutas hasta muchos lugares insospechados, entre ellos hasta  este humilde blog, propagándose un tanto más, alargando su vida útil.

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“El arte no se crea , el arte  se participa” es el equivalente de la ley de Lavoisier, “la energía no se crea ni se destruye, solo se transforma”. Si tenemos en cuenta que la palabra participar , que proviene del latín “participare”,(tomar parte en algo) se puede deducir en base a eso, que los hombres, en cuanto seres transmisores de información que somos, tomamos parte del arte (que tiene su propia naturaleza, a nivel energético, independiente de los alcances y cualidades que pueden dotar de significado comprensible para nosotros). Si esto fuera correcto, el arte , como muchas cosas, solo es un asunto de frecuencia y de sintonía,en donde unos sujetos acceden a esa frecuencia, comprenden su lenguaje,transforma su energía y la transmiten metamorfeseado dicha información  a los demás mortales, con las características propias de su personalidad: a esos seres los llaman precisamente “artistas”.

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Hyuro,Valencia.

El arte tiene mucho de juego. Es una invitación a participar, usando los sentidos diversos:tacto,visión,gusto,olfato,audición , que son puentes biológicos que conducen esta energía universal codificada. Solo la participación creativa puede construir comunidades sanas, vida social, y a diferencia de la cooperación forzada por las leyes del estado y los actos institucionalizados necesarios y naturales, (que nacen de otro tipo de energía, más de carácter netamente biológico y sistémico en la convivencia de grupos y participación de los mismo en un espacio común) la energía del arte debiera producir grupos más cooperativos, sensibles y por ende, menos destructivos, aunque paradójicamente, el portador siempre de este mensaje llamado arte, sucumbe ante su propia energía tornándose a menudo, autodestructivo.

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El genial estampado y las poleras de Algodón: contaminación innecesaria.

remera pandaEstudié diseño gráfico porque me encanta todo lo que lo rodea y lo que aborda, abarca y en lo que se mete. Todo es muy estético y visual ,más allá del mensaje que lo sustenta, (sea este mensaje una base débil, con poco trabajo , como una base sumamente intencionada) lo admito, me gustan los libros, me gustan las pequeñas figuras y artefactos, me gustan los diseños y dibujos , los detallitos, la fotografía,las tattoo, los sitios web dinámicos. Me gusta en particular los estampados, tengo diseños geniales que me encantarían ver en superficies albas de telas. Me causa admiración las poleras originales que salen cada cierto tiempo de la superficie de ese mar de poleras ( t-shirt, remeras) estampadas que está muy en boga hoy en día. Es un buen negocio particular como entretenido el estampado. Tuve un semestre de  taller de serigrafía. Pero lo cierto es que me causó mucha incomodidad la serigrafía que me enseñaron, para estampar un simple diseño se requiere:

  1. Usar mucho químico.
  2. Mucha energía para generar calor.
  3. Mucha agua.

No me sentía cómodo viendo como corría el agua minutos enteros para eliminar la capa azul del bastidor. Pensaba: “esto no tiene sentido”. Les diré otra cosa sobre el despilfarro y sobre la estética de los bellos objetos innecesarios:

  • En Egipto, el 30 % de las mujeres debe caminar más de una hora para buscar agua.
  • En zonas de  África,mujeres y niños deben caminar entre 10 y 15 kilómetros y emplean 8 diarias en acarrear 15 a 20 litros de agua. Les recuerdo que caminar por  África no es caminar en una ciudad pavimentada, tomen un bidón de 5 litros de agua (de esos que venden en los supermercados) no, mejor tomen dos bidones en cada mano y caminen 10 kilómetros.
  • El agua no es potable, la otra vez vi un documental en que niños africanos lloraban de alegría cuando les dieron a probar agua potable, una agua sin un sabor extraño, que no te produce diarrea ni dolor de estomago.

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Si niños y mujeres deben invertir 8 horas al día para llevar agua a sus hogares, (para el resto de la familia) significa que no tienen tiempo para ir a la educación , la deserción escolar es muy alta. Les comentaré otra cosa sobre las poleras estampadas. El mejor genero para el estampado, es el algodón, lo siguiente también es de la fuente del libro “Historia de las cosas” de Annie Leonard. Ella misma afirma que es un gran invento: es cómoda, suelta y suave, y en muchos casos, pueden ser muy económicas si se compran en liquidación o en packs de ofertas. Veamos algunos tópicos de la industria textil, sin animo de extenderme :

  • Las plantas de algodón aman el agua, es uno de los cultivos más irrigados del planeta, la irrigación por goteo es sumamente sustentable, pero en el mundo sólo se usa un 0,7%, lo demás, es dejar correr el agua despreocupadamente.
  • Hoy en día el algodon se cultiva en U.S.A, Australia, China,la India y pequeños países africanos, su producción anual es de 25 millones de toneladas, que es un equivalente de 15 poleras por persona en el mundo. (Les aseguro que yo no tengo más de 5 poleras de algodón en mi closet, (y las tengo hace bastante tiempo) así es que seguramente hay una persona por ahí con un excedente de 10 poleras de algodón que no usa)
  • La huella hidríca (se refiere al uso de agua, no solo del cultivo del algodón, sino que del uso del agua en todo el proceso, inclusive en la contaminación de las aguas que se produce después que se terminó la etapa de producción), la huella hidrica en la manufacturación del algodón proviene en su mayoría, de países ajenos a los Estados Unidos y de Europa, que son grandes consumidores de algodón. Esto quiere decir que los países que gastan toda su agua para los cutlivos del algodón , ellos se quedan sin fuentes de agua.
  • Uzbekistán (ex unión soviética) el estado “controlaba” el cultivo de algodón, el Estado (que lo componen hombres expertos en el tema) drenaron los ríos al Mar de Aral, el cuarto mar interior más grande del mundo. ¿Adivinen que ocurrió, ? este mar, en otrora que era un paisaje hermoso,(si no lo creen, los invito a leer nuevamente Miguel Strogoff de Julio Verne) redujo su caudal  en 80%¡¡ entre 1960 y el 2000. Hoy es un paraje desértico.

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  • La poca agua restante que queda, queda expuesta a los contaminantes por el uso de pesticidad y sales dañiñas, aparte de cambiar el paisaje, cambia el clima de la región, el clima se torna más seco y caluroso.
  • El cultivo del algodón solo ocupa un 2,5 % de tierras cultivables en el mundo, pero consumen el 10% de los fertilizantes y el 25% de los pesticidas, la industria agropecuaria gasta 2.600 millones de dólares  anuales en pesticidas para las plantas de algodón.
  • Muchos de los pesticidas incluyen insecticidas, herbicidas y fungicidas como el Aldicarb,el forato,metamidofós, y el endosulfán que pertenecen a la lista de sustancias químicas y carcinógenas más peligrosas. (que si mal no recuerdan, fueron creadas en su inicio , para destruir el sistema nervioso durante la guerra).

Hay muchos males más que acarrea esto, aparte de la eliminación de las plagas, elimina también de paso a otros organismos que son beneficioso para el suelo, era de esperarse. Solo les comento esta fase destructiva del cultivo del algodón, y no les comentaré por ahora, la otra parte, que es cuando el algodón ingresa a la industria textil para fabricar las poleras, que ese es otro proceso, si tu crees que la suavidad y la blancura del algodón de tu tela es por obra de magia, te cuento que me gustaría creerlo también , pero no es así.

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¿cuál es entonces el camino a seguir? debemos pensar, y usar toda nuestra inteligencia, a los diseñadores, a crear alternativas más saludables de crear poleras personalizadas, podemos partir con no usarla y botarla después de 10 usos. Hoy en día hay una fiebre por diferenciarse a toda costa del anonimato, una de ellas, es usar elementos cada vez más distintivos, dándole valor, naturalmente, a lo que comunicamos a los demás de lo que somos nosotros,(aunque nunca nos van a llegar a conocer) imagino que una persona con una polera que no contenga nada, solo el color, no se diferenciará en nada  de un grupo de personas con poleras llamativas y expresivas , podría dañar la autestima, pero eso solo ocurriría si tu autoestima depende de la opinión y “aceptación” del grupo , que es en el fondo, una de las manipulaciones del mercado que invierte millones en publicidad para crear cada vez más , sujetos dependientes del consumo: mujeres delgadas socialmente aceptables, sexualmente deseables; hombres masculinos cuya valía está asociado al valor adquisitivo , de elementos tecnológicos, un buen auto, un buen celular, es sexualmente llamativo. (eso es manipulación y necesidades que crea el tremendo artefacto industrial) Basta de eso, las personas somos y debemos ser como los libros: lo importante está en el contenido y en lo que que esta escrito en sus páginas.

Hay muchas personas que saben todo esto y siguen su vida hasta como ahora, de hecho, las personas que crearon y desarrollan las industrias y las empresas que promueven los objetos de consumo, que pasaron a ser elementos “culturales”, viven sin afectarles en absoluto todo lo aquí señalado, pero hay muchos otros que desconocen esto, sobre todo los más jóvenes, si alguno le despierta la inquietud, entonces el tiempo que llevo en escribir esta entrada, el tiempo que llevo  prendido mi laptop, y también toda la destrucción que implicó construir mi notebook, vale la pena en algo el sacrificio.  Creo que por ahora, ahi está la pequeña diferencia que suman una energía distinta a nuestros días y le damos algo de sentido, a nuestros días que aveces, sentimos no tienen sentido.

El templo de BAYON dibujado con lapices Policromos.

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El templo de Bayon, lo realicé con lapices policromos Faber-Castell, me demoré aproximadamente dos semanas en terminarlo, el secreto para lograr un buen efecto sin que se note el trazo, es rellenar (pintar) usando capas muy suaves del color, con puntas afiladas, oscureciendo mediante superposición de capas.

Las capas se superponen una encima de otra en sentido contrario a la anterior, cargar el lápiz para oscurecer más pronto el tono, logra otro tipo de  efecto , menos natural. Aunque no se aprecie, no existen tonos puros en los colores empleados, hay capas de color amarillo que tienen encima capas de azul, marrón,verde y otros colores, en general, siempre pinto usando varios colores que el ojo no entrenado es incapáz de ver en primera instancia, los diferentes colores empleados en una misma zona.

Para dibujar bien todo es práctica, práctica y práctica. Observación y paciencia. Espero que les haya gustado, comentarios , sugerencias, todos bienvenidos.

Templo de Bayon, Angkor, Camboya.es conocida por sus 54 torres y 200 rostros sonrientes enigmáticos.Construido en el siglo XII.

Una frase del maestro Paul Cezanne: “No hay que pintar lo que nosotros creemos que vemos, sino lo que vemos.”

“No hay que pintar lo que nosotros  creemos que vemos, sino lo que vemos.”

Esta sencilla frase encierra una verdad indiscutible a la vez que compleja, cuando somos niños nos expresamos de manera espontánea, dibujamos sin cesar , la palabra filtro prácticamente no existe en la expresividad volcada en el papel: las montañas pueden albergar peces y en el mismo sol pueden nadar los peces, los arboles son celestes, el pasto esta lleno de flores de los más variados colores, y las personas, como en los dibujos de la época medieval inicial, su tamaño está relacionado con la importancia y presencia que tienen aquellos en la vida  de los pequeños autores. Ese es el mundo como lo ven estas pequeñas personitas. Solo el tiempo , en la medida que van creciendo, van “aprendiendo” a pintar como se supone que debe ser: en las montañas no nadan los peces, menos en el sol; los arboles no son naranjos ni infinitamente largos, y las personas deben medir de acuerdo a las proporciones establecidas por los puntos de fuga y la linea del horizonte. Asi, el niño, que es una potencia creadora , en cuanto esta conectado con sus propios sentimientos, va perdiendo esa mirada única y va “aprendiendo” las cosas referente al mundo. De pronto, las luces de las estrellas ya no se ven tan luminosas como antes, el tiempo ya no se detiene tan a menudo para mostrarnos los pequeños detalles de colores que pueden componer un día, (el tiempo ahora solo se detiene, a veces, cuando nos enamoramos). Y lo que antes era tan sencillo de poder ver, ahora ya no vemos nada.

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Por eso Van Gogh o Gauguín son tan geniales, porque ellos fueron fieles a lo que vieron, no pintaron nada extraordinario , no inventaron una forma inexistente, pintaron lo trivial y lo cotideano como ellos lo percibían. Abandonaron la venda de la cultura tradicional en que ambos fueron educados, adiestrados y mutilados, y se conectaron con sus emociones y la fuente misma del sentir, inagotable que es la misma fuente con que los niños llegan de imprevisto a este mundo, portadores de sueños y de un secreto .

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Cuando pintamos un cuadro o realizamos alguna labor, muchos pensamientos tiende a inundarnos, ¿será aceptable? ¿está de acorde a las tendencias del mercado? ¿pertenece a la moda? ¿llamará la atención? ¿causará algún impacto? ¿esta correcto su ángulo, proporciones y texturas?

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Para poder pintar lo que efectivamente vemos, primeramente hay conocerse a si mismo, tratar de entender que es lo que vienes a hacer en esta vida, siempre es un trabajo introspectivo, saber las cosas que hemos perdido en la vida y porque las perdimos, recordar la fascinación inicial de la vida, aquellos sueños que nos motivaban desde pequeños y recuperar la intensidad de la vitalidad de entonces; recordemos que los colores no existen en la naturaleza, todo es percepción, dos amantes pueden detenerse a contemplar juntos una puesta de sol, pero les aseguro que el amarillo y el naranjo , de aquel sol aterrizando en la noche posible que lentamente comienza a izar su vuelo, son diferentes de tonos. Saber tu misión en la vida, recuperar la comunión con la naturaleza y el flujo vital , hallar el lugar en el mundo, es la misión de toda persona que debe retornar del extravío de la inteligencia y las necesidades creadas del ego y de la sociedad de consumo.

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Pintar lo que ves , lo que realmente ves, implica sacarse la venda de los ojos nuevamente, hacerlo requiere valentía y decisión, no es solo un acto en particular, involucra obtener una visión del mundo que posiblemente será distinto a la del resto, los artistas son especiales, los verdaderos artistas, los poetas locos, los pintores soñadores, los músicos fieles, aquellos que componen y tocan con los ojos cerrados, son los que se hacen a un costado del camino y de la masa, porque todos pertenecemos a un conjunto superior y nuestra relación primordial y final, esta basado en el intercambio de energía con nuestro entorno y con otros seres. La naturaleza mostrará sus secretos escondidos aquellos que quieran verlas, todo tiene un costo, pero una vez que decides abrir tus ojos y atreverte a mirar desde ti mismo, no querrás volver nunca más a la oscuridad.

Ilustraciones con barra pasteles. OJOS.

Ayer cambié la cabecera del blog, creo que es identificable que esa mirada pertenece a los ojos intensos y expresivos del genio de Van Gogh. Si se detienen un instante, pueden apreciar la textura del papel,ese papel se llama opalina. La característica de la opalina, es que tiene un suave entramado que forma una red, tiene textura, aunque es suave. La escogí precisamente por la textura, ya que dibuje con barritas pasteles, usé dos marcas :

-Cretacolor, (pastel carré/ pastellkreiden)

-Sakura.

-Lapices policromo Faber-Castell  para detalles.

Son hermosos y es fantástico ensuciarse las manos, a menudo uso la yema de los dedos para distribuir el color. Aquí les dejo un par de trabajos, el primero es para gráficar el tamaño que tienen, espero que les agrade y comenten.

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Sylvain Runberg: ilustraciones manga occidentales,

Sylvain es un ilustrador de origen belga, nacido en 1971. Personalmente lo sigo en su cuenta de instagram ,  (@sylavain_runberg ) sus ilustraciones son inspirativas, tiene un lenguaje visual muy personal y potente. Dentro de su gracia es que fusiona de manera impecable el mundo manga con el comics europeo.

Lo que me agrada bastante es su dominio absoluto de lo que quiere realmente comunicar, los ángulos de las imágenes, los detalles perfectamente equilibrados con los colores perteneciente a una paleta cuidadosa, hacen de cada imagen un deleite visual.

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Tiene trabajos publicados desde el año 2004.hasta la fecha, la que más me llama la atención, como obra , es que realizó la novela gráfica de la saga “Millennium” . Recordemos que la trilogía “Millennium” es la novela espectacular  del fallecido autor y periodista sueco Stieg Larsson.

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El primer tomo de esta adaptación al cómic consta de 64 páginas , su valor en formato para Kindle está a 8,99 euros (un poco más de US 11 dólares) .   La versión impresa fluctúa en 14,50 Euros.

La trilogía en comic simplemente se llama “Millennium” dividido en tres libros , tome 1, tome 2 y tome 3.  Me encanta la novela de Larsson, fue una de mis favoritas el año 2012 y la primera película de la saga , en la versión europea, fue una experiencia bastante entretenida. De echo, a raíz y como consecuencia de esta película, es que me puse a leer la novela.

La novela tiene un poco más de 600 páginas, lo cual transformar esta obra magna en un lenguaje visual de 64 páginas tiene que haber sido una tarea titánica y bastante compleja. En donde colaboran estrechamente el guionista (en este caso el trabajo adaptativo) y el ilustrador. Cada imagen de su cuenta es un pequeño escenario en donde transcurre toda una historia, sus personajes tienen personalidad propia y siempre están inmersos en un secuencia narrativa, es decir , siempre cuentan algo, esa es una de las principales gracias de la ilustración, que pertenecen a un lenguaje visual en común, independiente del idioma.

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